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Danse

Le corps sur scène au XXIe siècle

La scène est à l'origine le reflet de la société. Les corps handicapés, difformes, différents, les corps en marge des standards esthétiques de leur époque étaient sous-représentés ou alors relégués aux rôles mineurs. Il faut attendre les années 2000 pour voir accepter les physiques atypiques. C'est en montrant ces corps hors normes que l'artiste place le spectateur face à la réalité de la société et face à lui-même, lui qui est membre de celle-ci. Le XXIe siècle semble avoir pour champ de prédilection la critique de la société de consommation et la mondialisation ; et quoi de mieux que le corps pour l'illustrer ?



"Tragédie" d'Olivier Dubois © Christophe Raynaud de Lage.
"Tragédie" d'Olivier Dubois © Christophe Raynaud de Lage.
Les notions d'identité et d'identitaire sont mises à mal, synonymes d'engagement radical contre les tabous sociaux et culturels. La performance de l'artiste oscille entre minimalisme et excès. Peut-on y voir le reflet d'une société manichéenne ? Elle se calque également sur la télévision avec l'apparition du numérique sur scène. De nombreux metteurs en scène ont recours à l'écran dans leur spectacle.

Le metteur en scène, le chorégraphe, le régisseur, etc., ne sont plus les seuls à monter le spectacle. Aujourd'hui, les artistes participent pleinement à la création de l'œuvre, c'est une œuvre collective. Ils ne sont plus des pantins qui s'adaptent aux exigences du metteur en scène ; ils sont devenus des artistes-artisans. Actuellement, ce n'est plus l'artiste qui s'adapte à l'œuvre mais l'œuvre à l'artiste ; beaucoup de spectacles sont créés en fonction de l'artiste qui est choisi à l'avance. C'est le personnage qui est créé pour l'homme et non l'homme qui incarne le personnage.

Actuellement, on peut parler d'un théâtre de l'instantané, de la spontanéité avec une primauté du présent. On observe un rejet de la société, de l'éducation, de la culture telle qu'elle nous est imposée car elle ne correspond pas à la réalité. Le public est à la recherche d'autre chose. On repousse la bourgeoisie, le corps éduqué pour se tourner vers quelque chose de plus authentique.

"Tragédie" d'Olivier Dubois © François Stemmer.
"Tragédie" d'Olivier Dubois © François Stemmer.
Le théâtre ne raconte plus l'histoire d'un corps dépourvu de tout passé mais celle d'un corps psychologique que les événements antérieurs ont pu marquer, un corps soumis à des lois scientifiques, un corps appréhendé sociologiquement, un corps dont nous avons une connaissance de plus en plus précise et avancée. Un corps que l'on peut situer dans un contexte précis en incluant les variables qui peuvent le toucher.

Ce nouveau corps cherche à se débarrasser des filtres apposés par les médias, il se démarque des clichés, il n'est plus un produit de consommation. Il invente une nouvelle forme de communication, il ne répond plus aux codes enseignés dans les écoles ou les conservatoires, il s'émancipe et démontre qu'il n'existe pas qu'une seule voie d'expression. L'art ne doit plus être élitiste mais une représentation de la vie pour être accessible, percutant et remplir son rôle. Les spectateurs doivent être en capacité de s'identifier aux interprètes. Les conventions ne sont plus de rigueur. Sur scène, plus d'espace, plus de temps, plus d'histoires, juste le corps, le corps qui dit tout, le corps par quoi tout passe.

"Il Minautoro" par Teatro La Ribalta, 2012 © Gil Chauveau.
"Il Minautoro" par Teatro La Ribalta, 2012 © Gil Chauveau.
Le théâtre n'est plus désormais un theatron, un lieu où l'on voit mais un théâtre où l'on ressent. Le théâtre n'a jamais été plus un lieu d'échanges et de partage que maintenant. Le spectateur reçoit et même plus, subit ce que le comédien ressent et offre à la fois. Le théâtre n'est plus seulement de l'ordre du visuel, il est perceptif, sensitif, kinesthésique. C'est un théâtre qui se matérialise par le corps, que ce soit celui du personnage, du comédien ou du spectateur. Parce qu'on a plus les mots, parce qu'ils ne suffisent plus pour rendre compte de la pensée alors le corps prend le relais pour matérialiser toutes ces émotions et ces sensations. On a épuisé le langage, il faut trouver un autre matériau pour s'exprimer. Après avoir "voulu dire", il faut trouver "comment dire".

À notre époque, pour faire réagir la foule il faut choquer. Et quoi de plus provocant que de s'attaquer à l'intégrité physique, de mutiler les corps, ces corps qui se doivent d'être lisses et beaux en tant que représentants de la société. On malmène les corps en guise d'accusation, on expose les incompréhensions, les réclamations, les récriminations par les blessures des chairs. Mises en dangers, difformités, refus des canons de beauté sont les nouveaux révoltés des planches.

Se délester du superficiel, échapper aux normes, par la nudité, par le refus des conventions, revenir à un corps simple, primitif, naturel. L'exposition du corps devient un acte politique, le performeur n'est plus un comédien, un danseur, un artiste, il est un corps engagé. Le corps est désormais le seul élément de la représentation. On peut présenter une pièce sans parole, comme l'a fait Beckett avec "Acte sans parole" ; on peut aussi la présenter sans intrigue, comme l'a fait Sarraute dans "Pour un oui ou pour un non", où deux personnages dialoguent mais où il n'y a pas vraiment de faits ou d'événements. Le corps reste la seule donnée immuable du spectacle.

On peut envisager cette quête du corps comme le besoin de se réapproprier ce qui nous a été arraché, volé, souillé, ce corps dépossédé, médiatisé. La société a effacé la multiplicité pour n'accepter que les critères qu'elle a choisis : grand, svelte, beau, épilé, gracieux... En s'exposant sur scène, chaque acteur assume et revendique sa différence, son individualité, sa personnalité mais également sa cohérence avec l'ensemble des corps qui l'entourent, sa troupe, son public.

"Il Minautoro" par Teatro La Ribalta, 2012 © Gil Chauveau.
"Il Minautoro" par Teatro La Ribalta, 2012 © Gil Chauveau.
Le comédien prend conscience de lui-même par la prise de conscience de son corps, celui-ci étant envisagé comme un territoire vierge, inconnu dont il se doit d'explorer tous les recoins. Il doit connaître et posséder son corps pour prétendre atteindre son au-delà, son essence. La sensation amène à la réflexion.

La voix elle-même se fait corporelle. Elle ne se fait plus la traduction d'un langage bien défini et conformiste, mais elle prend la forme des inflexions du corps : elle peut être cri, murmure, bruit... Elle ne veut plus rien dire mais se fait ressentir. Chacun la perçoit comme bon lui semble. Le spectateur est intégré à la représentation car celle-ci ne lui est plus toute donnée, elle ne lui indique plus un chemin tout tracé, c'est à lui de l'interpréter.

C'est en quelque sorte à lui de la jouer. L'absence de raisonnement clair lui permet de solliciter son imaginaire et la représentation est ainsi perpétuellement réinventée et reconsidérée. Ici tout le monde s'investit : l'auteur, le metteur en scène, le technicien, le comédien, le spectateur, c'est une œuvre collective. Chacun accomplit sa part sans en avoir totalement conscience. Ils n'attendent que vous pour y contribuer.

Ludivine Picot
Vendredi 26 Mai 2017

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Huit pièces de théâtre d'Agatha Christie éditées chez L'Œil du Prince

L'œuvre théâtrale d'Agatha Christie est très peu connue en France, ses pièces n'ayant quasiment jamais été publiées en français. C'est chose partiellement réparée avec la publication de huit textes - constituant une partie de son œuvre dramatique -, entre 2018 et 2020, aux Éditions L'Œil du Prince* dont deux, "Reconstitution" et "Le Point de rupture", le 12 novembre dernier.

En adaptant elle-même ses romans, Agatha Christie se révèle en dramaturge précise, maîtrisant parfaitement la tension dramatique du huis clos. Sa plume de romancière perce à travers des didascalies fournies, qui permettent de traverser les pièces comme des récits. On a pu le voir l'année dernière à La Pépinière Théâtre avec "La Souricière" mise en scène par Ladislas Chollat.

Ici, pour ces huit parutions, la traduction a été assurée par Gérald Sibleyras, auteur de quelques beaux succès dont "Un Petit Jeu sans conséquence" (co-écrit avec Jean Dell) et Sylvie Perez, journaliste et essayiste.

Gérald Sibleyras est l'auteur de nombreuses pièces : "Le Vent des peupliers", "La Danse de l'albatros", etc. Nommé quatre fois aux Molières comme meilleur auteur, il a gagné le Laurence Olivier Award de la meilleure comédie à Londres en 2006 pour l'adaptation du "Vent des peupliers". Il a reçu en 2010 le Molière de l'adaptateur pour "Les 39 marches". Gérald Sibleyras est également l'adaptateur de la pièce à succès "Des fleurs pour Algernon".

Gil Chauveau
27/11/2020
Spectacle à la Une

Lou Casa CD "Barbara & Brel" À nouveau un souffle singulier et virtuose passe sur l'œuvre de Barbara et de Brel

Ils sont peu nombreux ceux qui ont une réelle vision d'interprétation d'œuvres d'artistes "monuments" tels Brel, Barbara, Brassens, Piaf et bien d'autres. Lou Casa fait partie de ces rares virtuoses qui arrivent à imprimer leur signature sans effacer le filigrane du monstre sacré interprété. Après une relecture lumineuse en 2016 de quelques chansons de Barbara, voici le profond et solaire "Barbara & Brel".

© Alicia Gardes.
Comme dans son précédent opus "À ce jour" (consacré à Barbara), Marc Casa est habité par ses choix, donnant un souffle original et unique à chaque titre choisi. Évitant musicalement l'écueil des orchestrations "datées" en optant systématiquement pour des sonorités contemporaines, chaque chanson est synonyme d'une grande richesse et variété instrumentales. Le timbre de la voix est prenant et fait montre à chaque fois d'une émouvante et artistique sincérité.

On retrouve dans cet album une réelle intensité pour chaque interprétation, une profondeur dans la tessiture, dans les tonalités exprimées dont on sent qu'elles puisent tant dans l'âme créatrice des illustres auteurs que dans les recoins intimes, les chemins de vie personnelle de Marc Casa, pour y mettre, dans une manière discrète et maîtrisée, emplie de sincérité, un peu de sa propre histoire.

"Nous mettons en écho des chansons de Barbara et Brel qui ont abordé les mêmes thèmes mais de manières différentes. L'idée est juste d'utiliser leur matière, leur art, tout en gardant une distance, en s'affranchissant de ce qu'ils sont, de ce qu'ils représentent aujourd'hui dans la culture populaire, dans la culture en général… qui est énorme !"

Gil Chauveau
03/12/2020
Sortie à la Une

Vingt-huit personnalités du monde culturel et intellectuel déposent une demande au Conseil d'État : leur droit fondamental à la culture

© DR.
L'ensemble des acteurs du théâtre, cinéma, cirque, privés, publics, compagnies, organismes publics, syndicats, associations… seront présents ou représentés lundi matin devant le Conseil d'État pour demander au gouvernement la réouverture des lieux de Culture.

À l'occasion de cette audience, 28 personnalités du monde culturel et intellectuel se sont jointes hier à la procédure en déposant une demande pour invoquer, en tant que citoyen, leur droit fondamental d'accès à la culture.

Ils souhaitent que le Conseil d'État se saisisse de ce moment historique et consacre le droit à la Culture comme une liberté fondamentale en France.

Mireille Delmas Marty, Edgar Morin, Isabelle Adjani, Karin Viard, Juliette Binoche, Jean Nouvel, David Dufresne, Jean-Michel Ribes, Virigine Efira, Rokhaya Diallo, Charles Berling, Pauline Bureau, Philippe Torreton, Julie Gayet, Rebecca Zlotowski, François Morel, Nadège Beausson-Diagne, Nancy Huston, Bulle Ogier, Bernard Latarjet, Laurence Lascary, Patrick Aeberhard, Marcial Di Fonzo Bo, Anna Mouglalis, José-Manuel Gonçalves, Zahia Ziouani, Anny Duperey, Paul B. Preciado.

Cabinet en charge du dossier :
Cabinet Bourdon & Associés – Avocats, 01 42 60 32 60.
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Communiqué de presse du 20 décembre 2020.

La Rédaction
20/12/2020