La Revue du Spectacle, le magazine des arts de la scène et du spectacle vivant. Infos théâtre, chanson, café-théâtre, cirque, arts de la rue, agenda, CD, etc.



Augmenter la taille du texte
Diminuer la taille du texte
Partager
Festivals

FAB 2021 Entre chuchotements et cris : "Larsen C" et "Fuck me", deux chorégraphies aux effets troublants…

Entre la poésie plastique de "Larsen C" et la radicalité artistique de "Fuck me", un monde ; celui porté par les deux chorégraphes qui ont inspiré ces deux formes. Si le Grec Christos Papadopoulos explore la géographie du plateau par des mouvements glissés d'une lenteur envoûtante, l'Argentine Marina Otero convoque sa rage de vivre pour faire matière vivante d'une histoire - la sienne - placée sous le signe de l'irrévérence. En dérogeant l'un et l'autre à l'attendu, leur écriture singulière séduit et/ou bouleverse.



"Larsen C" © Pinelopi Gerasimou for Onassis Stegi.
"Larsen C" © Pinelopi Gerasimou for Onassis Stegi.
"Larsen C" se présente comme une expérience à vivre, un temps suspendu entre ombres et lumières, immobilités et mouvements fluides. Rien de heurté dans la succession répétitive de ces figures chorégraphiées, échos de l'ostinato enivrant de petites notes de musique distillées avec économie. Une boucle sans début et sans fin, écho d'un anneau de Möbius, où d'infimes variations s'invitent comme par effraction dans un continuum hypnotique pour suggérer le flux de la vie pulsant au ralenti loin des agitations de notre monde hyper connecté.

Émergeant progressivement de l'obscurité silencieuse où ils se trouvaient plongés, les corps glissants de six danseurs vêtus de noir, trois hommes et trois femmes, habitent l'espace au gré d'une nécessité invisible. Tantôt chacun semble découvrir l'étrangeté de son corps, territoire énigmatique s'il en est, tantôt ils se regroupent pour faire chorus, offrant alors une vue d'ensemble tout aussi mystérieuse dans ses intentions.

Ainsi, pris dans les nappes visuelles et sonores qui le recouvrent, bercé par la douce étrangeté du flux et reflux des vagues successives, le spectateur se prend à lâcher prise. Il déserte les rives du réel où ses pieds l'ancrent pour devenir l'un des éléments du rêve qui se déploie face à lui. Comme si, délivré de sa propre pesanteur, il flottait dans un univers où tous les possibles s'offraient. Ainsi, du dernier tableau où la brume, envahissant le plateau et la salle en les réunissant dans un même espace, efface la partie supérieure des corps, les libérant de leur tête pensante. Expérience sensible, de nature chamanique, ouvrant à toutes les interprétations.

"Fuck me" © Pierre Planchenault.
"Fuck me" © Pierre Planchenault.
"Fuck me" à plus d'un titre - l'incipit initialise ce qui va suivre - s'inscrit dans ce qui fait œuvre pour la chorégraphe argentine : sa vie à part entière… ou, plus exactement ici, son existence mutilée par l'opération de son dos de danseuse brisé par les jetés répétitifs au sol, colonne vertébrale fragilisée qui l'empêche (en partie seulement) d'être sur le plateau.

Si la performeuse espagnole Angelica Liddell - que la chorégraphe argentine se plaît à citer dans son spectacle "Si seulement j'avais vingt ans de moins, l'amour…" - n'a de cesse de développer un "art cru" axé autour de ses révoltes intimes articulées aux violences d'un monde inique (cf. son poignant "Liebestod" - "Mort d'amour" - présenté au dernier Festival d'Avignon), sa cadette argentine n'a rien à lui envier.

En se livrant sans fard, dans la vérité crue de sa nature de femme libérée de toutes assignations de genre ou de classe, elle arpente "en tous sens" le chantier de sa mémoire pour nourrir artistiquement le projet de toute une vie, la sienne : "Recordar para vivir" - "Se rappeler pour vivre" -, une pièce sans fin autre que le point final de "la muerte", cet état irréversible. Une mémoire recomposée "de toutes pièces" tant il serait illusoire de vouloir prétendre dans ce domaine labile sceller un pacte avec la vérité qui, par nature, ne peut être "après coup" que reconstruction d'un récit diffracté par le temps.

"Fuck me" © Pierre Planchenault.
"Fuck me" © Pierre Planchenault.
Et qu'importe si elle n'est plus en capacité de cogner son corps à la réalité qui, par essence, lui résiste… Cinq danseurs à la musculature superbe, choisis par elle et anonymisés sous le même prénom de Pedro, nus hormis les rangers qui leur permettront de frapper le sol, vont devenir sa doublure complice. Elle, micro en main, souvent assise sur une chaise en bordure d'avant-scène, mais aussi naviguant lentement parmi eux pour les toucher tendrement, ou "prise" dans des scènes chorégraphiées sans concession marquant la puissance du désir à l'état brut, devient la maîtresse d'une cérémonie mémorielle à haute valeur artistique.

Puisés dans les rushes d'une filmographie personnelle où défilent sur grand écran des scènes de son enfance dansante avec ses cousines, mais aussi l'image de sa grand-mère allongée morte, ou encore celle, très récente, de son corps perfusé sur un lit d'hôpital, les souvenirs arrachés au passé trouent la réalité du présent. Sur le plateau habité superbement par ses cinq danseurs, incarnations d'elle-même, sont rejouées les prouesses de son corps de performeuse sans limites. L'inscription "Fuck me", écrite en lettres géantes en arrière-scène, résonnant comme le cri de celle qui n'en peut plus aujourd'hui de sentir son corps ne plus lui répondre.

"Fuck me" © Pierre Planchenault.
"Fuck me" © Pierre Planchenault.
Sa voix commente en direct le passé recomposé pour en extraire le suc… Ce prénom, Marina, qu'elle a hérité de son grand-père, agent de renseignements dans la Marine sous la dictature argentine, est porteur de lourds secrets enterrés avec lui dont elle pressent l'impact. Des tableaux présentent les cinq danseurs se recouvrant d'uniformes et de la fameuse casquette de la marine, comme si faire rejouer l'autre scène devant elle, lui permettait de "déminer" cette bombe enfouie. De même, au creux de sa féminité, l'histoire de la prostituée Andréa, un prénom d'emprunt, retrouvée assassinée, qui l'a hantée au point que son histoire à elle a abrité la sienne ; Marina-Andréa, les deux faces d'une même entité tourmentée.

Se succèdent des scènes où le désir brûlant de sexe ("Fuck me" réplique incandescente du "Baise-moi" de Virginie Despentes faisant la nique à des siècles de domination patriarcale) se traduit en actes bruts… même si la vérité tonitruante de son corps mis à mal ne peut qu'engendrer le sentiment d'une perte douloureuse. Ainsi, des séquences à rayer de la représentation où, sur scène ou hors scène, c'est elle qui "baisait tous les mecs". N'importe, transformer la douleur en objet artistique a toujours été son viatique, et le restera. Ne pouvant plus danser, la mort de la jeunesse étant irréversible, il lui reste dorénavant à confier son unique objet de recherches - elle - à d'autres.

Si, dans son magistral "Livre brisé" (roman paru en 1989 en même temps qu'une autre chute, celle du Mur de Berlin), Serge Doubrovsky avait métamorphosé par le verbe la matière de son existence déchirée par les absolus de l'amour en inventant "l'autofiction", dans son droit fil, Marina Otero fait de son "corps brisé" la matière vivante d'un récit recomposé à couper le souffle. On ne sort pas indemne d'un tel engagement où vie et art se confondent pour créer une épiphanie chorégraphique et humaine. Un très grand moment…

"Larsen C"

"Larsen C" © Pinelopi Gerasimou for Onassis Stegi.
"Larsen C" © Pinelopi Gerasimou for Onassis Stegi.
Conception chorégraphie Christos Papadopoulos.
Avec : Maria Bregianni, Chara Kotsali, Georgios Kotsifakis, Sotiria Koutsopetrou, Alexandros Nouskas Varelas, Ioanna Paraskevopoulou, Adonis Vais.
Musique et design sonore : Giorgos Poulios.
Scénographie : Clio Boboti.
Assistant scénographe : Filanthi Bougatsou.
Lighting design : Eliza Alexandropoulou.
Costumes : Angelos Mentis.
Consultant en dramaturgie : Alexandros Mistriotis.
Consultante en chorégraphie : Martha Pasakopoulou.
Régie lumière en tournée : Stavros Kariotoglou.
Régie technique en tournée : Michalis Sioutis.
Durée : 1 h.

"Larsen C" © Pinelopi Gerasimou for Onassis Stegi.
"Larsen C" © Pinelopi Gerasimou for Onassis Stegi.
Vu à La Manufacture CDCN de Bordeaux, le samedi 2 octobre à 19 h 30, dans le cadre du FAB 2021, création 2021 (représentation unique).

Tournée
5 et 6 octobre 2021 : Pôle Sud, Strasbourg (67).
22 octobre 2021: Festival One Dance Week, Plovdiv (Bulgarie).
16 au 18 novembre 2021 : RomaEuropa Festival, Rome (Italie).
21 novembre 2021 : I Teatri Fondazione Reggio Emilia, Reggio Nell Emilia (Italie).
27 et 28 novembre 2021 : Festival de Otono, Madrid (Espagne).
Du 9 au 14 décembre : Théâtre de la Ville, Paris (75).
19 janvier 2022 : Théâtres de la Ville, Luxembourg (Luxembourg).
8 et 9 février 2022 : Halles de Schaerbeek, à Bruxelles (Belgique).

"Fuck me"

"Fuck me" © Pierre Planchenault.
"Fuck me" © Pierre Planchenault.
Spectacle en espagnol surtitré en français.
Dramaturgie et mise en scène : Marina Otero.
Assistante à la mise en scène : Lucrecia Pierpaoli.
Avec : Augusto Chiappe : Cristian Vega, Fred Raposo, Juan Francisco López, Bubica, Miguel Valdivieso, Matías Rebossio, Marina Otero.
Création scénographique et lumière : Adrián Grimozzi.
Assistante à la chorégraphie : Lucía Giannoni.
Scénographique et lumière en tournée : David Seldes, Facundo David.
Assistante à la scénographie et lumière : Carolina Garcia Ugrin.
Création costumes : Uriel Cistaro.
Création son et musique original : Julián Rodríguez Rona.
Conseils dramaturgiques : Martín Flores Cárdenas.
Art visuel : Lucio Bazzalo.
Montage audiovisuel : Florencia Labat.
Stylisme : Chu Riperto.
Photographie : Matías Kedak.
Costumes : Adriana Baldani.
Durée : 1 h.

"Fuck me" © Pierre Planchenault.
"Fuck me" © Pierre Planchenault.
Vu au TnBA, le mardi 5 octobre à 21 h, dans le cadre du FAB 2021, première française.
Autres dates de représentation : mercredi 6, jeudi 7 et vendredi 8 à 21 h.

Tournée
Du 14 au 16 octobre 2021 : Festival Sens Interdits, Les Célestins, Lyon (69).
Du 19 au 21 octobre 2021 : MC2, Grenoble (38).
24 octobre 2021 : Cádiz - date non confirmée (Espagne).

FAB – 6e Festival International des Arts de Bordeaux Métropole.
Du 1er au 23 octobre 2021.
9 rue des Capérans, Bordeaux (33).
Billetterie : 09 82 31 71 30.
contact@festivalbordeaux.com

>> fab.festivalbordeaux.com

Yves Kafka
Mardi 12 Octobre 2021

Nouveau commentaire :

Théâtre | Danse | Concerts & Lyrique | À l'affiche | À l'affiche bis | Cirque & Rue | Humour | Festivals | Pitchouns | Paroles & Musique | Avignon 2017 | Avignon 2018 | Avignon 2019 | CédéDévédé | Trib'Une | RV du Jour | Pièce du boucher | Coulisses & Cie | Coin de l’œil | Archives | Avignon 2021 | Avignon 2022 | Avignon 2023 | À l'affiche ter







À découvrir

"Notre vie dans l'art", 1923-2023, "le siècle, il a passé"… et rien de nouveau à l'est… Un flamboyant Tchekhov contemporain

"La vie, elle a passé, on a comme pas vécu…", ainsi parlait Firs, le vieux valet de chambre de "La Cerisaie" d'Anton Tchekhov, pièce écrite dans le domaine de son ami comédien et metteur en scène Constantin Stanislavski… C'est ce même Constantin Stanislavski, auteur en son temps d'une "Notre vie dans l'art", qui se retrouve au cœur de la pièce éponyme écrite et mise en scène par Richard Nelson, auteur, metteur en scène américain et tchékhovien dans l'âme. Et si l'argument – "Conversations entre acteurs du Théâtre d'Art de Moscou pendant leur tournée à Chicago, 1923" – n'a pas changé d'un iota, ses échos contemporains sont eux particulièrement troublants.

© Vahid Amampour.
Quand, dans le cadre du Festival d'Automne, le Théâtre du Soleil ouvre grand ses portes monumentales de la Cartoucherie à cette nouvelle version de "Notre vie dans l'art", on se dit que ce choix ne peut rien devoir à un quelconque hasard… Et quand on découvre que c'est à Ariane Mnouchkine que l'on doit la traduction de la pièce, et que ce sont ses propres comédiens formés selon les canons artistiques animant son travail que dirige ici Richard Nelson, on n'est nullement surpris de reconnaître là le mantra commun à leurs deux univers : faire du théâtre une caisse de résonances de l'histoire en cours.

Dominant le plateau, comme dans un amphithéâtre antique, des rangées de gradins se font face. Entre une troupe de comédiens en costume de ville. Ils s'affairent à remettre en place les chaises renversées sur la longue table rectangulaire occupant l'espace central, ainsi qu'on peut le faire lorsque l'on revient dans une maison après absence. Il y a là Kostia (Constantin Stanislavski, directeur et acteur du Théâtre de Moscou), Vania, Richard (ancien acteur du même théâtre, exilé lui aux États-Unis), Olga (veuve d'Anton Tchekhov), Vassia et Nina (couple en proie aux tourments de la jalousie amoureuse), Lev et Varia, Masha et Lida, et Petia (jeune acteur soupçonné d'accointances avec les dirigeants de l'Union Soviétique).

Yves Kafka
29/12/2023
Spectacle à la Une

"L'Effet Papillon" Se laisser emporter au fil d'un simple vol de papillon pour une fascinante expérience

Vous pensez que vos choix sont libres ? Que vos pensées sont bien gardées dans votre esprit ? Que vous êtes éventuellement imprévisibles ? Et si ce n'était pas le cas ? Et si tout partait de vous… Ouvrez bien grands les yeux et vivez pleinement l'expérience de l'Effet Papillon !

© Pics.
Vous avez certainement entendu parler de "l'effet papillon", expression inventée par le mathématicien-météorologue Edward Lorenz, inventeur de la théorie du chaos, à partir d'un phénomène découvert en 1961. Ce phénomène insinue qu'il suffit de modifier de façon infime un paramètre dans un modèle météo pour que celui-ci s'amplifie progressivement et provoque, à long terme, des changements colossaux.

Par extension, l'expression sous-entend que les moindres petits événements peuvent déterminer des phénomènes qui paraissent imprévisibles et incontrôlables ou qu'une infime modification des conditions initiales peut engendrer rapidement des effets importants. Ainsi, les battements d'ailes d'un papillon au Brésil peuvent engendrer une tornade au Mexique ou au Texas !

C'est à partir de cette théorie que le mentaliste Taha Mansour nous invite à nouveau, en cette rentrée, à effectuer un voyage hors du commun. Son spectacle a reçu un succès notoire au Sham's Théâtre lors du Festival d'Avignon cet été dernier.

Impossible que quiconque sorte "indemne" de cette phénoménale prestation, ni que nos certitudes sur "le monde comme il va", et surtout sur nous-mêmes, ne soient bousculées, chamboulées, contrariées.

"Le mystérieux est le plus beau sentiment que l'on peut ressentir", Albert Einstein. Et si le plus beau spectacle de mentalisme du moment, en cette rentrée parisienne, c'était celui-là ? Car Tahar Mansour y est fascinant à plusieurs niveaux, lui qui voulait devenir ingénieur, pour qui "Centrale" n'a aucun secret, mais qui, pourtant, a toujours eu une âme d'artiste bien ancrée au fond de lui. Le secret de ce spectacle exceptionnel et époustouflant serait-il là, niché au cœur du rationnel et de la poésie ?

Brigitte Corrigou
08/09/2023
Spectacle à la Une

"Deux mains, la liberté" Un huis clos intense qui nous plonge aux sources du mal

Le mal s'appelle Heinrich Himmler, chef des SS et de la Gestapo, organisateur des camps de concentration du Troisième Reich, très proche d'Hitler depuis le tout début de l'ascension de ce dernier, près de vingt ans avant la Deuxième Guerre mondiale. Himmler ressemble par son physique et sa pensée à un petit, banal, médiocre fonctionnaire.

© Christel Billault.
Ordonné, pratique, méthodique, il organise l'extermination des marginaux et des Juifs comme un gestionnaire. Point. Il aurait été, comme son sous-fifre Adolf Eichmann, le type même décrit par Hannah Arendt comme étant la "banalité du mal". Mais Himmler échappa à son procès en se donnant la mort. Parfois, rien n'est plus monstrueux que la banalité, l'ordre, la médiocrité.

Malgré la pâleur de leur personnalité, les noms de ces âmes de fonctionnaires sont gravés dans notre mémoire collective comme l'incarnation du Mal et de l'inimaginable, quand d'autres noms - dont les actes furent éblouissants d'humanité - restent dans l'ombre. Parmi eux, Oskar Schindler et sa liste ont été sauvés de l'oubli grâce au film de Steven Spielberg, mais également par la distinction qui lui a été faite d'être reconnu "Juste parmi les nations". D'autres n'ont eu aucune de ces deux chances. Ainsi, le héros de cette pièce, Félix Kersten, oublié.

Joseph Kessel lui consacra pourtant un livre, "Les Mains du miracle", et, aujourd'hui, Antoine Nouel, l'auteur de la pièce, l'incarne dans la pièce qu'il a également mise en scène. C'est un investissement total que ce comédien a mis dans ce projet pour sortir des nimbes le visage étonnant de ce personnage de l'Histoire qui, par son action, a fait libérer près de 100 000 victimes du régime nazi. Des chiffres qui font tourner la tête, mais il est le résultat d'une volonté patiente qui, durant des années, négocia la vie contre le don.

Bruno Fougniès
15/10/2023