San Francisco Ballet… Retour aux Étés de la Danse

Le spectacle présente trois chorégraphies qui s’étendent sur une période allant de "Agon" (1957) à "Caprice" (2014) en passant par "Glass Pieces" (1983). Trois versants de la musique classique sont présentés, allant d’un "classicisme" pur de la danse dite "classique" à des chorégraphies beaucoup plus avant-gardistes à l’époque où elles ont été créées, appuyées respectivement par des musiques de Stravinsky, Saint-Saëns et Glass. Les musiques sont un élément moteur des chorégraphies. De leurs tempos et rythmes, elles dessinent les ruptures, les déplacements et la gestuelle des danseurs.

Paradoxalement, c’est "Caprice" de Helgi Tomasson, actuel directeur artistique du San Francisco Ballet et ancien danseur étoile du New York City Ballet qui est dans la plus pure tradition classique. Avec cette chorégraphie, Helgi Tomasson semble avoir voulu faire du San Francisco Ballet la sentinelle de la Danse Classique.

Les déplacements des danseurs sont aériens, légers, glissants sur le sol. L’approche est très épurée dans des déplacements d’une symétrie parfaite jouant avec l’axe central de la scène dans lequel un duo, un trio ou un quatuor de danseurs exécutent les 5 mouvements de la chorégraphie appuyé par un groupe de danseurs. Les mouvements et la disposition scénique des danseurs respectent l’âme de la Danse Classique. Toutefois, même si la chorégraphie est servie par toute la Beauté et la Grâce des figures de la danse, aucune prise de risque n’a été faite par Helgi Tomasson.

La seconde chorégraphie, "Agon" de George Balanchine, est dans une gestuelle composée de mouvements découpés, presque hachés faisant ressentir les différentes parties des membres inférieurs et supérieurs. L’assise des pieds est bien ancrée au sol avec une plante des pieds en parallèle, face public. Les mouvements sont beaucoup plus terriens, bien appuyés au sol et les déplacements sont faits par petits sauts. La gestuelle est moins gracieuse, moins aérienne que dans "Caprice". Elle est beaucoup plus physique avec des jambes élancées, face public.

La Grâce n’est pas la qualité première de ces danses qui révèle une originalité dans les déplacements, originalité dans la force, la tension, le martèlement autant de la plante des pieds sur le sol que des élancés des jambes dans l’espace faisant du tronc des danseurs l’axe pivot de tous les mouvements. La musique de Stravinsky accompagne les mouvements des danseurs. Ceux-ci deviennent le miroir de celle-ci. L’espace est investi dans toutes ses latitudes avec un milieu de scène qui ne devient plus central. Les mouvements sont très étirés, comme lancés vers l’extérieur de la scène. De ces mouvements, une tension nourrit chaque déplacement.

"Glass pieces" de Jérôme Robbins est sous le sceau du mouvement, avec des allers et venues sur toute la scène. Celle-ci est investie dans ses différents axes et ses différentes diagonales. La scène est ainsi décentrée et devient un vaste espace dans lequel les mouvements et la gestuelle sont greffés de quotidienneté, quotidienneté nourrie de fixité et de tension dans les déplacements. Le danseur devient citoyen du monde happé dans un univers dont il semblerait ne plus avoir la maîtrise. La danse classique descend de son piédestal pour investir le mouvement quotidien de la marche.

Sur scène, il n’y a plus de centre, plus de symétrie. Quelques danseurs exécutent des arrêts pour marquer un temps et effectuer des mouvements brisant la continuité des déplacements. Ils sont comme un souffle de Vie qui s’est libéré de ces mouvements devenus machinaux. Puis la marche reprend, une marche presque anonyme, machinale de danseurs allant de l’avant comme obnubilé par un horizon inatteignable. Les regards sont fixes, presque perdus et les mouvements sont tendus. C’est une course vers un Ailleurs situé bien au delà de la scène. Le mouvement n’est pas décomposé. Il est d’un bloc, fait dans une multitude d’autres mouvements comme un raz de marée humain.

Ces 3 chorégraphies font du déplacement l’axe central du spectacle. Un déplacement léger, aérien à la racine même de la danse classique qui devient plus découpé, haché pour ensuite être mécanique voire machinal. Cette évolution dans les déplacements fait du danseur, maître du sol et de l’espace, une machine emportée par son environnement. Le mouvement, de libéré, devient aliéné, comme happé par un Ailleurs qui ne serait plus sur scène. Ce qui est investi et redéfini dans les chorégraphies est ce rapport à la scène que la danse classique bouscule souvent avec ses figures phares que sont, par exemple, le grand jeté ou l’arabesque.

Ici, nous sommes ramenés à un rapport à la scène beaucoup plus ancré et "mécanique". Cette approche engage le danseur à être témoin d’un environnement social et humain faisant de la danse classique un reflet de notre époque, libéré de son carcan de figures idéales, romanesques ou mythologiques.

Avec l’orchestre Prométhée.

"Caprice"
Chorégraphie : Helgi Tomasson.
Musique : Camille Saint-Saëns (Symphonie n°2 en la mineur, op 55 - 1859 ; Adage de la Symphonie n°3 en ut mineur, op.78 - 1886).
Arrangements : Martin West.
Scénographie : Alexander V. Nichols.
Costumes : Holly Hynes.
Lumières : Christopher Dennis.
Durée : 35 minutes.
Avec : Maria Kochetkova, Davit Karapetyan, Isabella DeVivo, Jilian Harvey, Ellen Rose Hummel, Lauren Parrot, Elizabeth Powell, Julia Rowe, Max Cauthorn, Diego Cruz, Esteban Hernandez, Francisco Mungamba, Myles Thatcher, Wei Wang, Yuan Yuan Tan, Luke Ingham, Steven Morse, Hansuke Yamamoto.

"Agon"
Chorégraphie : George Balanchine.
Musique : Igor Stravinsky.
Lumières : Ronald Bates.
Durée : 30 minutes.
Avec : Thomas Bieszka, Luke Ingham, Pascal Molat, Shane Wuerthner, Frances Chung, Grace Shibley, Jennifer Stahl, Sofiane Sylve, Kimberly Braylock, Kristina Lind, Rebecca Rhodes, Shannon Rugani.

"Glass pieces"
Chorégraphie : Jérôme Robbins.
Musique : Philip Glass.
Décor : Jérôme Robbins et Ronald Bates.
Costumes : Ben Benson.
Lumières : Ronald Bates.
Durée : 29 minutes.
Avec : Sasha De Sola, Shannon Rugani, Grace Shibley, Luke Willis, Thomas Bieszka, Sean Orza, Kristina Lind, Tiit Helimets.

Du 10 au 26 juillet 2014.
Du lundi au vendredi à 20 h, samedi à 15 h et 20 h.
Théâtre du Châtelet, Paris 1er, 0 1 40 28 28 40.
>> chatelet-theatre.com
>> lesetesdeladanse.com