De l'univers de la TV à celui de la politique, elle va se heurter à bien des difficultés par rapport à son don et en subir largement les séquences… Se présenter aux élections présidentielles et abandonner son rôle à succès du "soap opéra" était-ce une bonne idée ? Comment réagiriez-vous si, un jour, on vous prédisait votre avenir, notamment les malheurs qui vous attendent ?

Librement inspirée du mythe grec de "Cassandre", l'écriture de Rodolphe Corrion aborde cette question, entre autres, en mettant en scène une jeune femme moderne, libre de ses choix, déterminée, qui accepte son destin avec déterminisme et ne fait pas du don qu'elle possède une affaire d'État ni n'en abuse. Toutefois, elle ne parvient pas à s'en départir totalement et cela lui joue des tours.

À bien y regarder, cette pièce ne se limite pas à une simple peinture féministe revendicatrice – ce qui ferait de ce spectacle, sur la scène théâtrale contemporaine, un de plus autour du thème en question -, mais elle aborde de manière subtile et plutôt émouvante les conditions du métier de comédienne en traitant avec élégance, grâce à l'interprétation de Manon Balthazard, rayonnante et charismatique, les contraintes et les vicissitudes d'un métier "à part", parfois tendre, parfois cruel ou injuste.

Le grand public sait-il véritablement en quoi consiste ce métier, et ce qu'il faut bien souvent endurer pour espérer être au sommet de l'affiche ? Ou tout simplement pour décrocher un contrat ? Et les auditions ? L'envers du décor ? Lui qui s'installe bien confortablement dans son fauteuil, qui applaudit à la fin de la représentation et qui rentre chez lui, satisfait – ou pas – du moment de loisir artistique qu'il vient de vivre ?

C'est cet univers particulier que Rodolphe Corrion a choisi d'évoquer dans "Cassandra" et, peut-être, aurait-il été préférable qu'il s'y limite. Car il s'agit là d'un propos paradoxalement peu traité au théâtre, ce qui est assez regrettable selon nous. À certains égards, il y est parvenu à en parler justement ! Mais l'auteur a choisi aussi un autre angle qui, à nos yeux, ternit quelque peu le propos d'origine. À moins que ce ne soit cet angle d'écriture qui en ait été à la source !
Peu importe, cela dit !

Car c'est dans les moments du spectacle où la comédienne, à la longue chevelure rousse et au corps de déesse, parle de son métier qu'elle est la plus convaincante, la plus sincère et la plus poétiquement émouvante.

"Cassandra, c'est de la fiction, moi, je vais au réel à présent. À moins que je ne sois faite pour la fiction et non pas pour la réalité".

Cassandra va basculer du monde des planches à celui de l'arène politique et, à ce titre, nous entendons les intentions de l'écriture toutes légitimes, car la politique n'est-elle pas, elle aussi, un vaste théâtre mêlant jeu de masques, de remises en question, de faux-semblant, de revirements de situation, etc. ?

Théodora et Cassandra, finalement, ne sont qu'une seule et même personne, quand bien même, au théâtre, il lui faut forcément adopter d'autres postures que celles de sa vie quotidienne. Les planches, c'est la vie qui lui convient, celle pour laquelle elle est faite. "Rien n'est plus beau que de faire semblant pour parler de soi !"

Théodora n'est pas faite pour la jungle politique, parce que dans ce monde-là, elle ne pourra pas être elle-même… On tirera les ficelles pour elle, et un jour, ces ficelles se briseront et elle s'effondrera.

"Je n'ai pas la fibre politique, mais il y a des gens qui sont prêts à m'en confier pourtant les rênes".
Encore une fois, au risque de nous répéter, l'inspiration de l'auteur aurait sans doute dû passer outre cette dimension particulière, néanmoins toute légitime… Manon Balthazard y est bien moins crédible, forçant parfois son interprétation, surjouant, dansant sans raison apparente ou, encore, faisant un grand-écart déplacé qui n'apporte rien au propos.

Le talent de la comédienne aurait pu être mis en valeur encore davantage et, pour ce faire, la scénographie de Loïc Bartolini aurait mérité d'être un peu plus épurée, plus minimaliste, ce qui n'aurait en rien gâché certains propos subliminaux et très méritoires de l'écriture, comme, le clin d'œil aux pouvoirs des médias, de la TV et de ses multiples interférences sur la population et ses protagonistes, ou celui d'une comédienne à la recherche d'elle-même se brûlant les ailes dans l'arène politique et voulant juste être elle-même.

L'ensemble aurait certainement gagné en profondeur, en émotion et en poésie. Cassandra dit que les comédiennes et comédiens n'aiment pas se voir jouer. Peut-être que le public préférerait, lui aussi, découvrir Manon Balthazard moins extravagante dans un rôle qui lui convient davantage.
Les "Cassandre" disent la vérité. À notre tour d'en faire de même.

Seule en scène.
D'après le texte de Rodolphe Corrion (Édition de l'Œil du Prince).
Adaptation : Manon Balthazard.
Mise en scène et scénographie : Loïc Bartolini.
Avec : Manon Balthazard.
Chorégraphies : Laura Colin.
Création sonore : Damien Dufour.
Lumières : Stéphane Poirrier.
Par Lotus Compagnie.
Durée : 1 h 15.

•Avignon Off 2024•
Du 29 juin au 21 juillet 2024.
Tous les jours à 12 h 20. Relâche les 4, 10 et 16 juillet.
Théâtre Pixel, 18, rue Guillaume Puy, Avignon.
Réservations : 07 82 04 88 01.
>> pixelavignon.com

Tout d'abord, pour la petite histoire - mais grande au pays des terrils ! -, c'est le 30 avril 1990, peu avant la fermeture du dernier puits de mine du territoire, que naissait une "association intercommunale de développement artistique et culturel" connue sous l'intitulé "Culture Commune". Celle-ci fut à l'époque portée par vingt-deux communes du Bassin minier du Pas-de-Calais (département qui fut de ceux sévèrement touché par une désindustrialisation de grande envergure).

En 1999, alors que La Fabrique Théâtrale venait tout juste d'être investie - lieu situé sur la Base 11/19 de Loos-en-Gohelle -, Culture Commune obtient le label "scène nationale". Détentrice de cette nouvelle reconnaissance, elle confirmera son action au service du territoire, pour inciter artistes, communes, actrices et acteurs du terrain et habitants(es) à travailler ensemble autrement, par le prisme de la culture. En 2014, arrive, à la direction de la structure, Laurent Coutouly qui poursuit encore aujourd'hui les actions imaginées en 90 et les développe.

Culture Commune, c'est maintenant une équipe engagée et dynamique qui développe des actions artistiques et culturelles en lien avec des artistes et la population sur un vaste territoire urbain et rural composé de plus de 150 communes. Elles ont lieu tout au long de l'année, à la Fabrique Théâtrale, à proximité et dans les communes, mais aussi en itinérance. Pluridisciplinaire, le projet de Culture Commune s'appuie sur deux axes artistiques et culturels, à savoir "les écritures" et "le corps en mouvement". Cela permet d'approcher différentes démarches artistiques et d'accueillir une large palette d'artistes (auteurs, metteurs en scène, circassiens ou chorégraphes, etc.), pour certains en résidence afin de privilégier une politique de soutien au long cours de ces derniers.

Guy Alloucherie (avec sa compagnie Hendrick Van der Zee ou HVDZ, fondée en 1997) est depuis quelques années résident et artiste compagnon de Culture Commune… Ainsi, c'est sur le plateau de la Fabrique Théâtrale, il y a presque 25 ans, que s'est construite la création de ce classique des arts du cirque, "C'est pour toi que je fais ça !", revisité cet automne avec adresse et fougue par son concepteur et les quatorze étudiants circassiens issus de la 34e promotion du CNAC. C'est donc une longue trajectoire commune qui se poursuit avec la structure nordiste.

"C'est pour toi que je fais ça !" fut la première confrontation de Guy Alloucherie avec les arts du cirque. Pour cette création, il explora les champs de rencontres possibles entre le théâtre, le cirque et la danse, ce qui fut une première dans un univers circassien qui avait connu une première "révolution" en quittant la tradition et qui allait en connaître une seconde en découvrant, après la concrétisation de ses recherches, la possibilité de l'expression émotionnelle, de la mise en place de situations théâtrales et d'une dramaturgie exprimée dans les comportements d'artistes habitués à un cirque mis en scène, certes, mais resté très technique.

La reprise de "C'est pour toi que je fais ça !" en 2021 est l'occasion d'une nouvelle expérimentation et d'une nouvelle recherche collective avec des étudiants représentant une génération très actuelle, porteuse de nouveaux codes, de parcours distincts, de regards sur le monde différents, même s'ils sont issus du même CNAC que les artistes créateurs de 1997. Si les bases du spectacle sont restés les mêmes, notamment son aspect pluridisciplinaire, le travail collectif a permis d'amener des disciplines qui sont spécifiques à cette 34e promotion ; et, surtout, d'exprimer des situations théâtrales qui appartiennent à leur jeunesse du "XXIe siècle" !

D'emblée, le décor est planté, composition aérée propice aux passages, aux stationnements, aux rencontres… Un fauteuil, un canapé, un comptoir de bar et des agrès (planche coréenne, fil de fer... ou plutôt de corde, mât chinois, trapèze volant), chaque élément ayant une future vocation acrobatique, à titre de support ou de base technique à la réalisation d'un numéro de cirque ; ou étant le théâtre de scènes en mode de tentatives relationnelles ou conflictuelles pour les trois premières citations mobilières. D'autres (cerceau ou roue allemande), en humeur de mobilité, apparaîtront au cours du spectacle sous le jeu talentueux de leurs jeunes praticiens. L'ambiance est au hall de gare, aux quais sans destinations affichées, aux va-et-vient, aux échanges et aux rendez-vous inattendus.

Dans cet espace porteur d'imaginaire ferroviaire riche en déambulations, les individualités vont se frictionner, se friter, se reconnaître, s'assembler en construction d'amour ou d'amitié, en duo, trio, quatuor, etc. Puis, parfois, se regroupent en une ou deux formations de cinq à sept individus pour faire chorus, offrant alors une chorégraphie aux gestes répétés, corps, bras et mains, en parfaite harmonie et maîtrisés, mais sans intention apparente, sans déplacement, mais comme limité à un îlot fictif.

S'ajoutent alors aux expressions émotionnelles théâtralisées - nourries d'une narration faites de monologues originelles ou d'improvisations fertiles -, dont l'histoire, le récit, la romance sont laissés à l'interprétation, voire à l'élaboration imaginative des spectateurs, des performances circassiennes dont les élans acrobatiques frisent la perfection. Tout est fluide et, surtout, sans temps mort, l'espace et le temps étant en permanence occupés par de multiples séquences entrecroisées.

Nul n'est besoin de se référencer à la création native tant cette "recréation" est féconde et généreuse, tant Guy Alloucherie a su accompagner avec lucidité et luminosité cette nouvelle conception et tant cette 34e promo d'où jaillit 14 vrais et remarquables talents apporte son énergie espiègle et sa maîtrise technique si talentueuse… Tous ont approché et se sont emparés de l'art de la pluridisciplinarité qui s'additionne si bien aujourd'hui aux arts du cirque !

Initialement, spectacle de fin d'études de la 9e promotion du CNAC (Centre national des arts du cirque) créé en 1997.
Repris et adapté par les étudiant·e·s de la 34e promotion du CNAC.
Metteur en scène : Guy Alloucherie.
Assistante et dramaturge : Martine Cendre.
Création musicale (1997) : Riké.
Chorégraphe : Marie Letellier.
Scénographe (1997) : José Froment.
Création lumières (1997) : Stéphane Auber, assisté de Charlotte Beaufort.
Enseignante référente CNAC : Marie Seclet.
Régie générale : Jean Louis Vandervliet.
Régie technique : Grégoire Bersot.
Régie Agrès : Guillaume Bes.
Les 14 étudiant·e·s de la 34e promotion du CNAC : Noa Aubry, Alice Binando, Tomas Denis, Jef Everaert, Yannis Gilbert, Julien Ladenburger, Marisol Lucht, Elena Mengon, Niels Mertens, Carolina Moreira Dos Santos, Matiss Nourly, Pauline Olivier de Sardan, Thales Peetermans, Tiemen Praats.
Tout public.
Durée : 1 h 20.

A été représenté du 7 au 9 octobre 2021 à 20 h.
Sous chapiteau à Culture Commune/Fabrique Théâtrale, Base 11/19, Loos-en-Gohelle (62).

>> culturecommune.fr
>> hvdz.org

26 et 27 octobre 2021.
Mardi 26 à 20 h 30 et mercredi 27 à 16 h 30.
CIRCa - 34e Festival du cirque actuel.
Dôme - CIRC, allée des Arts, Auch (32), 05 62 61 65 00.
>> circa.auch.fr
>> Billetterie CIRCa en ligne

La scénographie nous plonge dans un saloon avec son bar, ses escaliers, son premier étage, ses cow-boys, son bar et ses jolies filles. Nous nous immisçons dans le monde du Far-West accompagné des chansons countries de Johnny Cash (1932-2003) et Patsy Cline (1932-1963). Cela démarre avec un groupe de danseurs avec, à la main, un long bâton de bois finissant par une petite malle et le tapant au sol.

Le spectacle, au-delà du monde circassien dont il ne se départit à aucun moment, est aussi axé sur le jeu, le théâtre, la musique, les chants. J’entends par jeu, cet esprit enjoué et presque espiègle qui nourrit chaque numéro. Les scènes s’enchaînent comme une histoire qui se déroule avec ses moments forts tout droit sortis d’un western-spaghetti.

Les ballades countries sont souvent accompagnées au banjo avec des voix haut perchées de Camille Leclerc, Paulanthony Roberto et Owenwinship. Une chanson est remarquablement bien interprétée avec un ensemble de protagonistes jouant théâtralement au ralenti arrière. C’est très beau, presque comique, avec un chant qui se poursuit toujours quels que soient les événements qui viennent se greffer dessus.

Durant toute la représentation, les chansons, la musique et la danse sont très présentes. Celles-là sont entonnées souvent en chœur donnant au spectacle un aspect très gospel, presque liturgique. Le mime fait aussi son apparition dans la figure d’un cheval qui hennit ou d’une voix off jouée de façon rapide, saccadée, presque caricaturale. Nous sommes à deux doigts de basculer dans un univers de bande dessinée.

Rosita Hendry est à la roue Cyr ou dans un lustre aérien quand Andreas de Ryck et Guillaume Larouche sont à la planche coréenne. Les numéros d’acrobatie, de mât chinois et de jonglage s’enchaînent dont celui de Nathan Biggs-Penton, dont la maîtrise des quilles, auréolée d’espièglerie, est totale.

La mise en scène d’Emmanuel Guillaume excelle dans les différents tableaux qu’il propose autour d’une histoire qui mêle cinéma et cirque. Ce mariage les lie comme pile et face et donne au spectacle, avec le chant et la danse, un cachet d’art total de grand délice.

Cirque Éloize.
Directeur de création : Jeannot Painchaud.
Mise en scène : Emmanuel Guillaume.
Chorégraphe : Annie Saint-Pierre
Avec : Nathan Biggs-Penton (jonglerie, mât chinois), Andreas de Ryck (planche coréenne, jonglerie), Rosita Hendry (roue Cyr, corde lisse, lustre aérien, accordéon, piano), Guillaume Larouche (planche coréenne), Camille Leclerc (voix, multi-instrumentiste), Giovanni Maldonado (planche coréenne, jonglerie), Joana Martinho (équilibres, contorsion), Trevor Pool (voix, multi-instrumentiste), Meghane Poulet (main à main, banquine, lustre aérien), Johan Prytz (sangles aériennes, clown), Paul Anthony Roberto (voix, multi-instrumentiste), Owen Winship (main à main, musicien, voix).
Compositeur et arrangeur : Éloi Painchaud.
Concepteur acrobaties et entraineur : Nicolas Boivin-Gravel.
Éclairages : Francis Hamel.

Son et environnement sonore : Colin Gagné.
Décors et accessoires : Francis Farley.
Costumes : Sarah Balleux.
Maquillages : Virginie Bachand.
Durée : 1 h 25.

Du mercredi 28 novembre 2018 au dimanche 6 janvier 2019.
Mardi au vendredi à 21 h, samedi à 16 h et 21 h, dimanche à 16 h.
Mercredi 26 décembre, 16h et 21 h ; lundi 31 décembre à 16 h ; samedi 5 janvier, 16 et 21 h ; dimanche 6 janvier, 16 h et 19 h.
Théâtre le 13e Art, Grande salle, Paris 13e, 01 53 31 13 13.
>> le13emeart.com

Dès le début, en forme de préambule - les éléments mobiliers du bar arrivant petit à petit, au fil des numéros -, les musicien(ne)s et chanteurs(ses), en trio ou en quartet, usant de guitare, violon, mandoline, banjo, tambour, accordéon et piano, nous offrent une énergique et dansante musique "folk country" inspirée des compositions de Johnny Cash et du répertoire de Patsy Cline, figure emblématique de la "Country" à la fin des années cinquante. Mélodies, airs, interprétés avec entrain, siéent à merveille aux dynamiques chorégraphies imaginées par Annie Saint-Pierre pour nous plonger dans l'ambiance de l'ouest américain au XIXe siècle.

La première, aux accents ouvriers, avec des marteaux ou plutôt des masses maillet à long manche rappelant le début de la construction des chemins de fer, avec les cheminots du Far West, faiseurs des voies ferrées cheminant à travers l'Amérique, mais évoquant aussi les mines d'or et la construction des premières villes lors de la conquête de l'Ouest, donne le ton, avec un rythme soutenu et une mise en place virtuose qui saura, à certains moments du spectacle, intégrer parfaitement quelques numéros acrobatiques, dont des mains à mains, des jongleries et des équilibres d'une technicité et d'une exécution exceptionnelles.

La mise en place du saloon est le prétexte à quelques performances de haut vol... Notamment, la prestation athlétique et inventive de Rosita Hendry, à la corde lisse, que l'on retrouvera avec autant de talents un peu plus tard à la roue Cyr. Le jonglage est ici aussi une discipline remarquablement maîtrisée avec trois artistes qui, sur une partition musicale à la cadence rapide, réalise un numéro spectaculaire, allant jusqu'à sept massues lancées.

La vie spécifique qui se déroule au saloon passe, comme dans tous bons films ou dessins animés de genre et de référence, par des bagarres et des histoires d'amour. Porté par l'imagination de Jeannot Painchaud et la mise en scène d'Emmanuel Guillaume, ces événements sont illustrés à chaque fois par des exhibitions et des danses de grande qualité.

Rappelons que l'une des particularités des spectacles du "nouveau cirque" québécois (et de quelques Français) tient en un cocktail réussi composé de la narration d'une histoire - souvent légèrement théâtralisé - et de l'exécution de prouesses circassiennes dont la technicité et l'invention sont au plus haut niveau.

Ici, on appréciera notamment les numéros de certaines disciplines accomplies avec une concentration et une puissance étonnante. Tout d'abord les aériens avec le mât chinois, le lustre, les sangles, alliant souplesse et vélocité dans l'enchaînement des mouvements. Ensuite au sol où la planche coréenne donne à voir des sauts extraordinaires, où la roue Cyr, les mains à mains, la banquine éblouissent par l'agilité, le dynamisme et les équilibres générés.

En ajoutant à tout cela les envolées de lassos, le burlesque du clown mime utilisant le son, les bruitages et les dialogues en play-back, "Saloon" révèle une conception joyeuse et festive du cirque. Tout s'enchaîne sans un moment de répit, avec chaleur et fluidité, avec humour et enthousiasme… Et c'est bien là une des marques de fabrique d'Éloize.

On avait adoré "Cirkopolis" présenté l'année dernière dans ce même lieu (création 2012 d'Éloize), et on reconnaît ici, avec "Saloon", la permanence qualitative des productions du cirque québécois qui nous enchante, petits et grands, depuis 1993. L'un des beaux spectacles, jubilatoire, à ne pas rater en cette fin d'année.

>> Lire la critique du spectacle "Cirkopolis"

Cirque Éloize.
Directeur de création : Jeannot Painchaud.
Mise en scène : Emmanuel Guillaume.
Chorégraphe : Annie Saint-Pierre
Avec : Nathan Biggs-Penton (jonglerie, mât chinois), Andreas de Ryck (planche coréenne, jonglerie), Rosita Hendry (roue Cyr, corde lisse, lustre aérien, accordéon, piano), Guillaume Larouche (planche coréenne), Camille Leclerc (voix, multi-instrumentiste), Giovanni Maldonado (planche coréenne, jonglerie), Joana Martinho (équilibres, contorsion), Trevor Pool (voix, multi-instrumentiste), Meghane Poulet (main à main, banquine, lustre aérien), Johan Prytz (sangles aériennes, clown), Paul Anthony Roberto (voix, multi-instrumentiste), Owen Winship (main à main, musicien, voix).
Compositeur et arrangeur : Éloi Painchaud.
Concepteur acrobaties et entraineur : Nicolas Boivin-Gravel.
Éclairages : Francis Hamel.
Son et environnement sonore : Colin Gagné.
Décors et accessoires : Francis Farley.
Costumes : Sarah Balleux.
Maquillages : Virginie Bachand.
Durée : 1 h 25.

Du mercredi 28 novembre 2018 au dimanche 6 janvier 2019.
Mardi au vendredi à 21 h, samedi à 16 h et 21 h, dimanche à 16 h.
Mercredi 26 décembre, 16h et 21 h ; lundi 31 décembre à 16 h ; samedi 5 janvier, 16 et 21 h ; dimanche 6 janvier, 16 h et 19 h.
Théâtre le 13e Art, Grande salle, Paris 13e, 01 53 31 13 13.
>> le13emeart.com