Au lever du rideau, des lumières éclairent un plateau sombre où le ciel est parsemé d'étoiles, avec deux personnages qui échangent sur un banc. La scène se découpe en trois plans transversaux, dont deux qui forment une montée et une descente d'environ quinze degrés chacun, et le dernier qui reste horizontalement plat. Cette disposition scénique met en perspective des directions opposées qui semblent s'ouvrir vers de larges espaces d'où les protagonistes, fantastiques ou humains, arrivent.

Haruki Murakami n'est plus à présenter tant ses romans, en plus de ses essais et nouvelles, sont lus par de nombreux lecteurs dans le monde et traduits dans une cinquantaine de langues. "La fin des Temps" a été écrit en 1985 et traduit en français en 1992. Decouflé avait déjà travaillé par deux fois pour Horipro Inc., société de production japonaise, avec "Dora" (1996), un conte pour enfant, et "My name is Shingo" (2016), un manga de science-fiction pour adolescent. C'est la première fois qu'il s'attaque à un roman.

Il est adapté par Ako Takahashi selon deux axes. Le premier est théâtral, avec des échanges entre personnages se tenant, pour le second axe, à la frontière de prés carrés humain et fantastique dans une physionomie monstrueuse pour le Géant (Shinya Matsuda) et un univers féerique composé de licornes. Incarnées par des danseuses habillées d'un costume jaune, avec une corne au milieu du visage, elles tiennent respectivement dans chacune de leurs mains un bâton d'une trentaine de centimètres, tels des échasses, en se déplaçant et en faisant des levés de jambes.

Au milieu, les figures humaines de Watashi, de la bibliothécaire (Misato Morita) et de la fille en rose (Tomita Miu) circulent dans un monde où le quotidien n'a pas sa place, sauf entre Watashi et la fille en rose avec leurs désirs amoureux mâtinés de sexe. Des acrobaties s'immiscent dans certaines séquences en apportant à la création une dynamique et des ruptures de jeu.

Le fantastique est aussi porté par la scénographie de K. Ishihara, qui mêle des paysages souvent dessinés. Elle met en écho ce qui peut être représenté scéniquement par ce qu'un lecteur peut s'imaginer en lisant Murakami, à savoir un univers à cheval entre rêve et réalité. Elle donne toujours une illusion de vastitude, avec de grands espaces, même pour des intérieurs tels qu'une chambre ou une bibliothèque. Elle apporte ainsi quelques notes de fantasque et d'intimité entre des vues extérieures et intérieures.

La musique d'Umitaro Abe accompagne certaines séquences de façon très rythmée et en complet contraste avec la scénographie. Celles-ci sont furtives et laissent découvrir, par deux fois, des êtres verts un peu étranges, mi-monstres et mi-reptiles, se déplaçant très rapidement dans une nature sauvage. Ou une série de crânes humains qui dévalent sur les planches.

Philippe Decouflé met sur des orbites multiples l'œuvre de Murakami avec un opéra, à dessein, sans chant lyrique, accompagné de chorégraphies par intermittence, où le récit et la narration sont occultés. La création est ainsi sur une crête artistique où le roman s'éclipse pour laisser place à un conte où le théâtre et la danse se disputent dans des scènes aux accents surréalistes. C'est très original et cela sort du cadre artistique que l'on connaissait à Decouflé.
◙ Safidin Alouache

D'après le roman de Haruki Murakami.
Mise en scène et chorégraphie : Philippe Decouflé.
Adaptation : Ako Takahashi.
Avec : Tatsuya Fujiwara, Misato Morita, Shuntaro Miyao, Miu Tomita, Kiita Komagine, Ryunosuke Shimamura, Haru Fujita, Shinya Matsuda, Narushi Ikeda.
Danseurs : Moeko Uematsu, Yuuka Okamoto, Mizuki Tomioka, Junpei Hamada, Erika Hara, Miki Furusawa, Nana Horikawa, Reo Yamada, Yuya Yoshizaki, Rikubouz.
Musique : Umitaro Abe.
Musiciens (en alternance) : Umitaro Abe, Mayu Gonto.
Scénographie : K. Ishihara.
Lumières : Yukiko Yoshimoto.
Sound Design : Masahiro Inoue.
Vidéo : Taiki Ueda.
Costumes : Ayako Maeda.
Coiffures et maquillages : Naoki Kamada.
Durée : 2 h 30 avec l'entracte.

A été représenté du 16 octobre au 21 octobre 2026.
Mardi, mercredi et vendredi à 19 h 30, samedi à 15 h et 20 h, dimanche à 15 h.
Théâtre du Châtelet, 1 place du Châtelet, Paris 1ᵉʳ.
>> chatelet.com

D'abord parler du décor plongé dans une semi-obscurité, lieu d'ombres et de lumières scintillantes, porteur à lui seul d'une intrigue foisonnante tissée de niveaux se recouvrant les uns les autres. Perdue au milieu d'une île indéterminée, une villa décrépite en cours de délitement où des feuillages s'invitent, crevant les murs, comme si la végétation entendait reprendre ses droits sur la civilisation des hommes. Elle a pour nom cette étrange bâtisse, "La Scalognata"… la poisse. Ses étranges occupants seront joués (mis en musique et chantés) par les Dakh Daughters, leurs voix sublimes et leur tonicité à tout rompre créant une atmosphère diabolique ; accompagnées de vrais et faux pantins, elles scanderont l'action de leurs rythmes endiablés aux pouvoirs enchanteurs.

C'est dans ce cadre aux vertus hypnotiques que fait irruption une troupe de théâtre déchue. Ces survivants d'une épopée artistique interrompue font chorus autour de la figure tutélaire de la Comtesse Isle, à la recherche éperdue de "La fable de l'enfant échangé" qu'elle porte en elle comme elle voudrait la porter sur scène. Flanquée d'un Comte en quête de son amour perdu, elle est traversée, et avec elle ce qui reste de sa troupe, par les questionnements déstabilisateurs des Scalognati. Entourés de vrais et faux pantins, d'êtres "fabuleux", c'est l'univers même du théâtre qui se trouve mis en abyme, jusqu'au renversement des "sens".

En effet, "avec la divine prérogative des enfants qui prennent au sérieux le jeu", les habitants de cette étrange demeure n'ont de cesse de multiplier le jeu des miroirs entre réalités et illusions, entre faits et fantasmes. Ainsi diffractée par la mise en jeu de fantômes, de voix sépulcrales, d'anges facétieux, de sorcières inquiétantes, de pantins tombés des cintres, l'inquiétante étrangeté prend la main sur le sens commun, le transfigurant pour mieux le donner à voir. Telles des épreuves argentiques révélant leur vérité au grand jour, ces séquences "outre-réalité" disent de la vérité de l'humain ce qu'aucun discours rationnel ne pourrait approcher.

La fantasmagorie des situations où les corps se dédoublent - continuant à dormir dans les chambres de l'étage, alors que leurs "répliques" dans la pièce à vivre portent leurs paroles - revêt un charme (au sens premier du terme, celui de sortilège magique) éminemment troublant. Ainsi de la scénographie où le fond de la villa s'ouvre pour faire apparaître dans le lointain la troupe de la Comtesse prenant in fine la route vers la Montagne des Géants, sur fond de paysage océanique, pour y représenter leur fable.

Dès l'ouverture, une apparition de l'auteur à l'adresse de son fils aîné, Stefano Pirandello, son héritier littéraire - "Cette pièce n'est pas finie Stefano… La vie est composée de tous nos fragments. L'important est ce en quoi l'on croit" - initie l'enjeu princeps de la pièce : faire vivre le théâtre dans le théâtre. En effet, outre le plaisir d'être dérouté jusqu'à perdre le fil de cette intrigue à facettes multiples (profusion de strates, le monde des "vivants", celui des fantômes, celui des pantins…), l'enjeu dramatique est à trouver de manière exaltante du côté des mises en abyme, entre rêves et réalités. Les Scalognati - incarnés par les envoûtantes Dakh Daughters - sont les passeurs vers l'autre réalité de la villa hantée par des Esprits, esprits créés par eux-mêmes. Ainsi de leur adresse aux comédiens de la Compagnie de la Comtesse : "Vous êtes des acteurs. Vous donnez corps à des fantômes… Nous, nous les faisons vivre !".

Eux, la vérité, ils l'inventent. Comme des enfants le feraient, pour enchanter le monde. La seule réalité à prendre en compte c'est celle de nos rêves. S'évader par l'esprit pour créer une vie en dehors de soi, une vie qui soit plus vraie que le pauvre réel vécu au ras du sol… Paradoxe essentiel : ce sont les étranges habitants de cette villa perdue auxquels revient la mission d'éclairer la troupe de comédiens sur ce qu'est le Théâtre, le lieu de "L'Illusion Comique" (cf. Corneille), le lieu d'une tragi-comédie éblouissante. L'existence donnée à voir par l'entremise d'un feu "d'artifices".

Ainsi Lucie Berelowitsch s'est-elle risquée non sans bonheur - dans sa mise en jeu exubérante à souhait de la dernière pièce testament de Luigi Pirandello - à pénétrer dans les arcanes des "Géants de la montagne" afin de nous en livrer une version propre à faire résonner en nous ses enjeux énigmatiques. Et si par moments, on pourrait être affolé par la profusion des strates s'entremêlant, par une traduction (une partie du texte est en ukrainien) défilant à un rythme endiablé, par des éclairages obscurcissant à l'envi le plateau, c'est pour mieux nous extraire de notre zone de confort d'assoupis englués durablement dans des réalités sans horizon… c'est pour mieux nous faire tutoyer le monde véridique des rêves créateurs. Géant.

Vu, pour la première, le mardi 10 janvier dans la Grande Salle Vitez du TnBA à Bordeaux.
A été représenté du mardi 10 au vendredi 13 janvier 2023.

Création 2023.
Spectacle en français et en ukrainien, surtitré en français.
D'après l'œuvre de Luigi Pirandello.
Ttraduction : Irina Dmytrychyn, Macha Isakova et Anna Olekhnovych.
Mise en scène et adaptation : Lucie Berelowitsch.
Assistant à la mise en scène et dramaturgie : Hugo Soubise.
Avec Les Dakh Daughters : Natacha Charpe-Zozul, Natalia Halanevych, Ruslana Khazipova, Solomiia Melnyk, Anna Nikitina.
Et : Jonathan Genet, Marina Keltchewsky, Thibault Lacroix, Baptiste Mayoraz (comédien permanent), Roman Yasinovskyi.
Musique : Les Dakh Daughters et Vlad Troitskyi, Baptiste Mayoraz.
Scénographie et accessoires : Hervé Cherblanc, assisté de Clara Hubert et Ninon Le Chevalier.
Régie générale et création lumières : Jean Huleu.
Sonorisation : Mikaël Kandelman.
Costumes : Caroline Tavernier assistée de Sarah Barzic.
Conception des pantins : Natacha Charpe-Zozul et Les Ateliers du Théâtre de l'Union.
Construction du décor : Les Ateliers du Préau et du TnBA.
Production Le Préau CDN de Normandie-Vire.
Durée : 1 h 45.

Tournée
Du 19 au 21 janvier 2023 : Le Préau - CDN de Normandie-Vire, Vire (14).
D'octobre 2023 à février 2024 - en cours de montage :
Théâtre de l'Union - CDN du Limousin, Limoges (87).
Le Meta - CDN de Poitiers Nouvelle-Aquitaine, Poitiers (86).
Scène nationale du Sud-Aquitain, Bayonne (64).
DSN - Scène nationale, Dieppe (76).
Le Tangram - Scène nationale, Évreux (27).
NEST - CDN transfrontalier de Thionville-Grand Est, -Thionville (57).