Cela démarre par le groupe SOW (Sons Of Wind) avec "Bounce" qui s'extirpe derrière une table de mixage située en arrière-scène. C'est d'abord une masse un peu informe qui se découvre dans une semi-obscurité enrobée de brouillard.

Les démarches sont lourdes et les déplacements massifs, avec des mouvements répétitifs. Au fil de celles-ci, les danseurs se découvrent avec une gestuelle identique, mais déclinée de façon différente. Ici, plus ou moins vive, là plus ou moins acérée, plus loin, plus ou moins nonchalante, la trame chorégraphique est exprimée de manière variée, mais toujours dans le même tempo, les différences se situant dans la tension et l'expressivité.

Celle-ci, par le biais des visages, est fermée comme si elle ne pouvait être que corporelle, sans qu'aucun sentiment ne puisse s'échapper. Les relations dans le groupe n'existent pas, sauf celle d'une distance entre eux, qui les relie toutefois. Et parce qu'elle les relie, elle permet de créer une entité homogène qui devient une identité de groupe à part entière.

Au démarrage presque sans vie, avec un aspect robotique, le groupe, toujours uni, devient vivant par sa cohérence gestuelle et son homogénéité, en restant toutefois un îlot, comme si pour y entrer, les codes vestimentaires, les attitudes et l'apparence étaient tout aussi importants que les gestes exprimés. Celles-là incarnent chacun d'entre eux. L'expressivité qui se dégage est aussi de rupture, exprimée avec le cou, celui-ci faisant osciller de l'avant vers l'arrière leur visage. Ces basculements de têtes synchronisés deviennent un signe de cohésion et d'appartenance. Les modes chorégraphiques restent dans une approche fermée, comme si le groupe existait par lui-même et pour lui-même.

La deuxième chorégraphie est de Nicolas Huchard avec "La Diva aux pieds nus". C'est un ensemble de cinq danseuses composé de Séréna Freira, Julie Laventure, Leila Miretti, Stéphie Téhoué et Mayvis William. Au démarrage, l'une d'elles avance au ralenti jusqu'au milieu des planches, dans une semi-obscurité. Le plateau se découpe en différentes scènes délimitées par une lumière. Autre tempo, les mouvements qui s'enchaînent ensuite sont très dynamiques. Parcourant les planches avec des gestuelles en tension, un moment, elles se retrouvent toutes réunies.

Car, sur le plateau, les artistes se situent dans un ensemble de chorégraphies distinctes, avec des dynamiques et des tensions propres à chacune d'entre elles et effectuées sur des temporalités différentes. Cette diversité crée ainsi des ruptures de rythme comme un calme après une tempête, une risée avant celle-ci ou un soleil après un grain. C'est sur cette approche que les gestuelles se coordonnent. Ce qui crée un ensemble est cette disparité de danses effectuées au même moment dans des lieux différents de la scène. La distance et la lumière les séparent sans pour autant briser leur homogénéité.

Ce sont ainsi des parallèles au même moment qui sont faits entre un solo et un pas de deux ou un pas de trois. Le regard du spectateur doit ainsi être sur deux niveaux, aimanté par une chorégraphie quand, derrière ou à côté, se joue une autre, donnant une vision artistique où l'attention peut être déportée de l'une à l'autre sans que la cohérence en soit perturbée. Les gestuelles combinent ainsi une pluralité d'états au même moment.

Le spectacle se finit avec Artizans et "La danse des légendes du hip-hop français" qui regroupe sept danseurs ayant marqué les années quatre-vingt-dix/deux mille. Une table de mixage trône au milieu du plateau, alors que s'enchaînent solos, duos et danses de groupe. Est simulée une battle où deux artistes se mesurent avec un "jury" pour les départager. Ce n'est que du théâtre, même si les solos ne le sont pas, afin de rappeler un rituel et une pratique qui perdurent et dominaient aussi dans la période Old School du hip-hop des années quatre-vingt et dont les Artizans étaient, entre autres, de célèbres représentants la décennie suivante.

Des solos sont effectués en groupe ou en duo, voire trio, chacun dans son propre style. Les regards font lien entre eux. Ils sont ensemble même s'ils n'ont pas la même gestuelle. Les corps basculent sur des effets de pieds tournant de façon relâchée quand le torse ondule en points de tension et de relâchement avec les mains qui se plient au poignet, comme une marionnette vivante baignée de zénitude.

La danse est parfois beaucoup plus rythmée, comme l'une qui est un peu au ras-du-sol avec les genoux repliés, le torse droit avec une jambe tendue parallèle aux planches, alors que le corps est en mouvement tournant avec les mains en appui. Nous sommes dans un mariage artistique où, à tour de rôle ou ensemble, les Artizans jouent chacun leur partition tout en formant un ensemble nous rappelant les belles décennies du hip-hop et qui rapidement a eu un intérêt qui s'est fortement démultiplié en gagnant, depuis plusieurs années maintenant, le respect des instances représentatives du 6e art.

Animé par Jules Turlet en langage des signes, malgré quelques longueurs dans la présentation, la soirée fut riche avec une sacrée ambiance venant des plus jeunes dans le public qui ont porté aussi le spectacle par leur enthousiasme.
◙ Safidin Alouache

Trois collectifs chorégraphiques de hip-hop.
La représentation a eu lieu le 10 avril à la Grande Halle de la Villette.

"Bounce" par Sons Of Wind
Création 2024.
Chorégraphe : Yann Lumi Joseph-Auguste.
Écriture collective - danseurs et musiciens : Joakim Twizzy Chardonnens, Dereck Prudent, Nathan Nathy Kinsiona, Anaël Lypso Régent, Kristina Krissy Kunn, Mickaël Kara Saint-Felix, Amiel Mampouya, Junior Steve Phaonce Cadet, Kevin "Wael" Moulin, Esteban "Eston" Beau Herrero, Odilon Mpanda, Keron "Sirproverbs" Proverbs, Claudio Gabriel "Comics" Teixeira Fernandes, Jerson Diasonama et en alternance Akciel Régent, Anis "Nice" Yahaya, Lina "Mityaika" Mytiai
Lumière : Xavier Lescat.
Son : Lucie Béguin.
Direction artistique : Amina Kilcher, Yann Lumi Joseph-Auguste.
Création : Sons of Wind.
Production Garde-Robe.

"La Diva aux pieds nus" par la Cie Nicolas Huchard
Chorégraphie : Nicolas Huchard.
Avec : Élodie Antonio, Séréna Freira, Julie Laventure, Leila Miretti, Stéphie Téhoué, Mayvis William.
Répétiteur : Serge Tsakap.
Création lumière : Marine Stroeher.
Projections lumieuses : Dani Olivier.
Vidéo : Dani Olivier.
Composition musicale : Lazy Flow, Mansur Brown et Raphaël Hofman.
Costumes Mayvis William.
Production Compagnie Nicolas Huchard, Le Manège.

"La danse des légendes du hip-hop français" parr le Groupe Artizans
Direction artistique : Artizans.
Avec : Yugson - Massangila Lumengo, Dedson - Ndedi Ma Sellu, Physs - Philippe Almeida, Didier Firmin, Tip Top - Goyi Tangale, Fabbreezy - Fabrice Labrana, Joseph Go - Niamien N’guessan.
Collaborateur, metteur en scène : Régis Truchy.
Créateur et arrangeur sonore : Adrien Kanter.
Créateur et régie lumière : Virgile "Amour" Garcia.
Production MouvMatik.

Pour quatre musiciens dans le vent, vingt ans, ça se fête ! Et c'est l'histoire de deux filles et de deux garçons un peu déjantés sinon hantés (pour le quatuor la parité n'a été qu'évidence). En 2001 donc, Sarah Lefevre, Élise Marre, Nicolas Châtelain et François Pascal, tous étudiants instrumentistes, décident de constituer un ensemble de clarinettes. L'aventure du Quatuor Anches Hantées vient de débuter. Et le succès ne se démentira plus tant les quatre amis conjuguent passion de la transmission d'un répertoire varié (classique mais pas que, avec Trenet, le jazz et aussi des commandes à Richard Dubugnon ou Philippe Hersant) et excellence technique.

Lancer un ensemble à vent et espérer durer ? Culotté ! Mais l'idée a bien démontré sa pertinence et sa pérennité avec des expériences scéniques et artistiques toujours originales.

Toujours curieux et soucieux d'attirer un public nouveau pour l'amour de la musique, nos interprètes se sont ainsi alliés avec Philippe Geluck en 2011 pour un spectacle très applaudi avec le fameux Chat du dessinateur belge. Plus récemment, ils ont travaillé avec le comédien Jean Manifacier pour créer un spectacle toujours actuellement sur scène, "Ma mère l'Oye, un Voyage au pays des contes". En 2022, le Quatuor Anches Hantées s'intéressera aussi à "Fanny M." pour un hommage à Fanny Mendelssohn.

Aujourd'hui, pour souffler dignement les bougies des vingt ans, l'ensemble vient d'enregistrer un magnifique CD, "Opéra sans diva", consacré aux plus belles pages lyriques transcrites pour clarinettes, cor de basset et clarinette basse. Des pages littéralement recréées de Johann Strauss, Ruggero Leoncavallo, Giuseppe Verdi, Jules Massenet, Amilcare Ponchielli, Dmitri Chostakovitch et bien d'autres. Et c'est tout simplement emballant ! Si vous êtes à Paris le 28 novembre, ne les ratez surtout pas à l'Européen !

Quelques dates de concerts :
26 novembre 2021 à 20 h : "Ma Mère l'Oye - Voyage au Pays des Contes", Théâtre, Châtillon-sur-Loire (45).
28 novembre 2021 à 15 h : "Opéra sans diva"/Concert de sortie de disque, L'Européen, Paris 17e.
4 décembre 2021 à 20 h 30 : "Ma Mère l'Oye - Voyage au Pays des Contes", Centre culturel Jacques Prévert, Aixe-sur-Vienne (87).
14 décembre 2021 à 20 h 45 : "Autour de Strauss", Le Quai 3, Le Pecq (78).

Programme complet :
>> quatuorancheshantees.com

Quatuor Anches Hantées
Nicolas Châtelain, clarinette et petite clarinette ;
Sarah Lefèvre, clarinette ;
François Pascal, cor de basset et clarinette ;
Élise Marre, clarinette basse.

Son tour de chant "soprano en liberté" se présente comme une succession improbable de chansons qu'elle aime. Une suite de tout à trac qui, allant de Gounod à Moustaki ou François Morel, culminant en une coda hilarante avec la chanson de Juliette Noureddine "Ô casseroles, ô faussets" prend une évidence de récital.

Avec juste ce qu'il faut d'interprétation et d'accessoires pour typer une atmosphère ou un personnage, il prend, dans sa simplicité et sa sophistication, une apparence d'improvisations tout en souplesse, tout en fluidité qui conjure de manière heureuse les aléas de la scène réels ou imaginaires.

Rieuse, charmeuse, ensorceleuse, langoureuse, farceuse, joueuse ou bien lunatique, mélancolique, un rien inquiétante. Quelquefois impérieuse. Quelquefois coléreuse ou facétieuse, ou douloureuse. Spontanée, familière, instinctive ou bien réfléchie, posée. Anne Baquet est tout cela.

Un répertoire endormi dans les consciences revit. C'est un cadeau fait au public.

Comme si le seul objectif (poursuivi et atteint) était de parer chaque spectateur d'un collier de velours brodé de perles fines et baroques, de pierres fines et précieuses. Pierres de lunes qui font rêver.

Elle s'offre même le luxe d'écouter, respectueuse, avec nous, le prélude en sol majeur n°5 de Rachmaninoff au piano ou d'entonner le "ticket to ride" de John Lennon et Paul McCartney.

Plus qu'un morceau de bravoure étincelant "Anne Baquet soprano en liberté" est un moment de joie et de beauté partagé avec une Anne Baquet qui jubile.

Différents auteurs et compositeurs.
Récital imaginé par Anne Baquet.
Mise en scène : Anne-Marie Gros.
Avec : Anne Baquet (chant).
Pianiste : Claude Collet ou Grégoire Baumberger.
Costumes et accessoires : Kham-Lhane Phu.
Lumière : Jacques Rouveyrollis.
Compagnie Le Renard.
Durée : 1 h 15.

•Avignon Off 2018•
Du 6 au 28 juillet 2018.
Tous les jours à 20 h 45, relâche le mardi.
Théâtre du Balcon,
38, rue Guillaume Puy, Avignon.
Tél. : 04 90 85 00 80.
>> theatredubalcon.org

Elle se rêvait "première concertiste classique noire en Amérique" mais, dans les années cinquante, cela n'est pas encore possible, le racisme (un apartheid qui ne disait pas son nom mais qui en avait la couleur) est encore trop présent dans la société américaine. Eunice Kathleen Waymon devenue Nina Simone - Nina pour Niña (petite fille en espagnol, surnom que lui aurait donné un petit ami) et Simone emprunté à Signoret – devint donc une géniale musicienne et une chanteuse de jazz hors pair.

Le spectacle, comme le roman de Gilles Leroy, débute par la fin, les dernières années d'une vie tumultueuse, ultime voyage où se mêlent le chant, la musique et une forme d'intimité générée par des échanges imaginés mais révélateurs de l'être fragile qu'elle était. À ce moment de la pièce, Nina est malade, fatiguée, épuisée. Elle a perdu de sa superbe. Mais le ton général et la mise en scène tendent vers l'onirisme, usant d'une astucieuse succession de séquences à la manière cinématographique, découpage tout aussi rythmé que poétique.

Jina Djemba interprète ce personnage complexe - aux sautes d'humeur aussi cadencées qu'un solo de batterie - avec une grande profondeur émotionnelle… Avec finesse et intelligence, associant - sans excès de pathos - la violence de son mal-être et les expressions caractérielles de l'artiste aux émotions de la femme blessée et sensible - à la douceur sous-jacente -, de l'amoureuse - qui ne s'épanouira jamais dans une vie sentimentale instable voire souvent chaotique - et de la mère absente, qui ne parviendra pas à avoir une relation sereine et réellement maternelle avec sa fille.

Et, pour le bonheur de nos oreilles, le plaisir musical est là également car Jina est une excellente interprète, bouleversante… une très belle voix à la mesure de l'hommage rendu. Sa tessiture de mezzo/soprano lui permet de nous offrir une lecture personnelle, respectueuse et intense des titres choisis parmi lesquels on notera l'incontournable "My baby just cares for me" (Kahn/Donaldson), "Mr. Bojangles" (Jerry Jeff Walker) et "Ain't got no… I've got live" (Arthur Terence MacDermot/Gerome Ragni, James Rado). Ce dernier, quasi scandé, est d'une étonnante actualité en ces temps de questionnement sur les droits et les libertés de chacune et chacun. Texte brillant et vif, il est une véritable ode à la liberté et à la révolte.

La musique est jouée en direct sur scène par Julien Vasnier, talentueux multi-instrumentiste qui signe aussi les arrangements.

Le deuxième personnage de la pièce, son intendant philippin Ricardo - Valentin de Carbonnières jouant d'un registre d'expressions tout en subtilité et efficacité -, est à la fois son souffre-douleur, une compagnie, un confident.

Personnage fictif qui, comme un miroir à la solitude de Nina, permet d'en refléter la face cachée, plus intime, peu connue du public… De dessiner, concrétiser, le profil d'une femme engagée, revendicative ; et passionnée, tant par la musique que par les idées, les combats, sa lutte pour les droits juridiques des noirs aux États-Unis. Leur relation permet également de dévoiler celle qui maniait un humour percutant, savait faire preuve de tendresse et d'humanité.

"Miss Nina Simone" est une fusion réussie entre un théâtre biographique et une narration onirique appelant aux souvenirs d'un mythe entre rêve et réalité... Fin d'une vie, d'une époque, d'une chanteuse ? Non, Nina Simone est toujours là, présente sur la scène éternelle musicale où nous pouvons écouter les merveilleux enregistrements de cette diva du jazz.

D'après "Nina Simone, roman" de Gilles Leroy, éditions Mercure de France.
Adaptation : Jina Djemba et Anne Bouvier.
Mise en scène : Anne Bouvier.
Avec : Jina Djemba, Valentin de Carbonnières et Julien Vasnier.
Création et arrangements musicaux : Julien Vasnier.
Scénographie : Jean Haas.
Conception lumière : Denis Koransky.
Production La Compagnie du Crépuscule.
Durée : 1 h 15.

Du 18 avril au 2 juin 2018.
Du mardi au samedi à 21 h.
Le Lucernaire, Paris 6e, 01 45 44 57 34.

Puis du 7 juin au 28 juillet 2018.
Du mercredi au samedi à 19 h.
Théâtre de l'Œuvre, Paris 9e, 01 44 53 88 88.
>> theatredeloeuvre.com

Son tour de chant "soprano en liberté" se présente comme une succession improbable de chansons qu'elle aime. Une suite de tout à trac qui, allant de Gounod à Moustaki ou François Morel, culminant en une coda hilarante avec la chanson de Juliette Noureddine "Ô casseroles, ô faussets" prend une évidence de récital.

Avec juste ce qu'il faut d'interprétation et d'accessoires pour typer une atmosphère ou un personnage, il prend, dans sa simplicité et sa sophistication, une apparence d'improvisations tout en souplesse, tout en fluidité qui conjure de manière heureuse les aléas de la scène réels ou imaginaires.

Rieuse, charmeuse, ensorceleuse, langoureuse, farceuse, joueuse ou bien lunatique, mélancolique, un rien inquiétante. Quelquefois impérieuse. Quelquefois coléreuse ou facétieuse, ou douloureuse. Spontanée, familière, instinctive ou bien réfléchie, posée. Anne Baquet est tout cela.

Un répertoire endormi dans les consciences revit. C'est un cadeau fait au public.

Comme si le seul objectif (poursuivi et atteint) était de parer chaque spectateur d'un collier de velours brodé de perles fines et baroques, de pierres fines et précieuses. Pierres de lunes qui font rêver.

Elle s'offre même le luxe d'écouter, respectueuse, avec nous, le prélude en sol majeur n°5 de Rachmaninoff au piano ou d'entonner le "ticket to ride" de John Lennon et Paul McCartney.

Plus qu'un morceau de bravoure étincelant "Anne Baquet soprano en liberté" est un moment de joie et de beauté partagé avec une Anne Baquet qui jubile.

Récital imaginé par Anne Baquet.
Mise en scène : Anne-Marie Gros.
Avec : Anne Baquet (chant).
Pianiste : Claude Collet ou Christophe Henry ou Grégoire Baumberger.
Compagnie Le Renard.
Durée : 1 h 15.

Du 7 juin au 9 juillet 2017.
Du mardi au samedi à 21 h, dimanche à 19 h.
Du 12 juillet au 27 août 2017.
Du mercredi au samedi à 21 h, dimanche à 19 h.
Théâtre Le Lucernaire, Paris 6e, 01 45 44 57 34.
>> lucernaire.fr