Fondé en 2007 par Boram Kim et Kyeong-min Jang, "Ambiguous Dance Company", venue de Corée du Sud, s'est fait connaître avec leur premier spectacle "Boléro" (2008). Depuis, de multiples prix se sont succédé et "Body Concert" est devenu, presque, un incontournable depuis près d'une décennie.

Cela débute avec deux danseurs dans la salle tout près de l'avant-scène. Plus tard, d'autres excursions sont effectuées jusqu'à venir grimper quelques marches afin de se rapprocher du public en exécutant une danse très machinale avec des mouvements anguleux, très rapides, aux angles géométriques cassés. Tout est coordonné par les membres supérieurs. C'est un ensemble de solos où chaque artiste est le reflet de ses autres alter egos.

Pour les premières séquences, la musique est celle d'un clubbing. Celle-ci alimente de manière souvent surprenante les dix tableaux qui composent le spectacle avec une variété rythmique qui bouscule tous les attendus. Car rien ne peut être anticipé du fait de la richesse chorégraphique du spectacle qui prend fait et cause à greffer de façon toujours idoine et original un style de danse avec une musique qui, de base, ne pourrait pas s'y prêter. Entre ces deux arts, les barrières sont effacées. Aussi, de Daft Punk à Mozart ou au clubbing, le hip-hop, le classique et le contemporain s'enchaînent au travers de moments artistiques où la vivacité des gestuelles, leur rapidité et leur vitesse d'exécution font parfois penser à une danse robotique.

Tout un kaléidoscope musical vient se greffer à divers tempos. Ce mélange dans ses composantes autant musicales que gestiques est riche d'une ambiance qui mêle, par exemple, opéra et musique électronique. Ce qui est des plus intéressants est cette greffe artistique entre des pas et pointes classiques avec une musique de clubbing ou d'opéra où les troncs se courbent et s'étendent, avec des membres inférieurs qui se plient, à l'aide des genoux, jusqu'à une position de 90° entre les cuisses et les mollets, le bas du ventre devenant le socle du corps.

Puis, dans une autre chorégraphie, les pointes et les pas chassés s'exécutent très rapidement, les lumières participant au rythme. Ainsi, tout est décalé et bousculé avec harmonie et audace. La gestique devient l'écho du tempo musical sans qu'aucun divorce ne soit fait entre la musique et le style de danse. Qu'importe après tout. Un geste ne devient réalité qu'en écho à l'exécution qui en est faite sur un tempo. Parfois, cela devient théâtral. Au-delà d'une certaine mise en scène qui est déployée, un interprète joue, à tour de rôle avec ses acolytes, à être le point d'attention du public.

Les mouvements sont aériens, avec des troncs qui se courbent pour faire descendre et mettre en exergue des membres supérieurs dans ses basculements. Dans ce rapport à soi et aux autres, chaque artiste devient le point chorégraphique d'un ensemble où chacun peut se suffire à lui-même et trouve toutefois une résonance beaucoup plus grande quand il est relié aux autres. Sur cette construction scénique, le danseur devient une entité à part entière prenant sens avec le groupe. Aussi, les synchronisations, parfois décalées dans deux ensembles distincts, deviennent un écho, un catalyseur des rythmes qui le sont tout autant. On les retrouve à différents moments, permettant de donner un autre relief aux chorégraphies, parfois tels des automatismes, le geste devenant presque un instinct.

Nous sommes au carrefour du théâtre, de la danse et de la musique. Les styles, aussi variés les uns que les autres, s'alimentent entre eux pour donner une représentation qui mêle différents univers surprenants. Pour les plus sceptiques, ils peuvent être peu emballés à un moment qui leur siérait moins, puis raccrochés rapidement les wagons, car une nouvelle thématique artistique se greffe, redessinant complètement l'intérêt qu'ils pourraient avoir. Le spectacle étant à plusieurs entrées, les surprises s'enchaînent grâce aux propositions qui en sont faites. Un pur délice pour un spectateur qui était plutôt sceptique dans les premiers instants.

Chorégraphe : Boram Kim
Danseurs : Boram Kim, KyeongMin Jang, Kyum Ahn, Hak Lee, SeonHwa Park, JaeHee Shin, Jisoo Gong.
Lumières : DaeDoo Bae.
Son : HyungRok An.
Régisseur plateau : Eunjin Jo.
Producteur : HeeJin Lee.
Durée : 1 h.
Présenté par Ambiguous Dance Company en association avec Producer Group DOT.

Spectacle qui s'est déroulé, dans le cadre du festival 100 %, du 7 au 9 avril 2023 à la Grande Halle de la Villette.
>> lavillette.com

Programmation Festival 100 %
Du 5 au 23 avril 2023 : 100 % L'EXPO 2023 gratuit (exposition).
Du 19 au 21 avril 2023 : Golden stage (danse).
Du 12 au 15 avril 2023 : Récréations philosophiques, Stéphanie Aflalo (théâtre).
Du 12 au 22 avril 2023 : Amours (2), Joël Pommerat et la Compagnie Louis Brouillard (théâtre).
Du 14 au 15 avril 2023 : Madrigals de Monteverdi, Benjamin Abel Meirhaeghe (spectacle musical).
Du 19 au 21 avril 2023 : Golden Stage 2023, Blondy Mota-Kisoka, Josépha Madoki (danse).

Le rideau se lève avec une lumière vive sur les interprètes déjà sur scène ayant commencé de danser. L'entame du spectacle est surprenante. Comme par effraction et à peine le noir installé dans le public, le spectacle démarre avec force et rythme. On se croirait dans une boîte de nuit. Le tempo est très vif et répétitif. Nous le retrouvons avec des variations différentes de bout en bout de la représentation, sauf pendant une brève parenthèse où la musique s'adoucit.

Un ensemble de huit danseurs, habillés de façon différente et colorée, effectuent des mouvements plus ou moins amples, toujours nerveux et très précis. Les bras sont lancés en l'air ou pliés longitudinalement, coudes rentrés, autour de figures géométriques, angulaires ou courbes. Ces derniers entraînent les interprètes dans des ondulations corporelles où têtes et jambes s'abaissent et se relèvent, toujours de manière très synchronisée. Les bras et les troncs deviennent parfois flottants comme des vagues d'un océan, avec les paumes des mains utilisées comme des gouvernails, s'abaissant ou se relevant avec le poignet comme axe.

Les artistes se retrouvent, selon les moments, tous ensemble ou en trio, mais toujours séparément dans chacune de ces configurations, comme enfermés chacun dans leur bulle. Ils ne se regardent pas, ne créent pas une osmose entre eux sauf au travers de synchronisations très ajustées. Ils deviennent des îlots comme emportés dans un flot de rythmes et de gestiques. C'est très physique et machinal, comme si les danseurs étaient entraînés par la musique tout en ayant une maîtrise corporelle, à la fois donc comme sujets et objets de leurs propres gestiques. L'osmose est toujours un peu distante entre les protagonistes de par leurs gestuelles et surtout la tension qui se dégage de celles-ci. Ils s'avancent, groupés, tel un régiment artistique, allant côtés cour et jardin, et investissent complètement tout l'espace des planches, toujours en groupe, de biais ou de face.

Cette ambiance de club accompagne toute la représentation. C'est avec cette atmosphère que Hofesh Shechter a fait ses créations artistiques, autour aussi de son aspect musical, découpées en différents tableaux, séquencées et nommées par le biais de panneaux indicateurs blancs portés à chaque fois par un interprète et indiquant, parfois, le style de danse "Pop" ou "with feelings" ou le moment "The end". Pour autant, ce clubbing crée une ambiance très forte, presque "phagocytante", avec son rythme répétitif délaissant parfois le côté humain des artistes.

Dans le dernier tableau, avec "My way", une reprise de Paul Anka, les bras des protagonistes se lâchent parfois, virevoltant dans les airs comme des feuilles qui tombent de leurs troncs. Au travers des membres supérieurs, les mouvements sont comme des virgules. La scénographie ressemble à celle d'une comédie musicale. Le groupe se détache en deux pour former avec l'une, légèrement en retrait sur scène, une gestuelle en chœur à celle au centre qui en est l'aiguillon. L'une en appui de l'autre, les gestiques forment deux pièces d'un même puzzle comme celui d'une construction avec son centre et sa périphérie, comme une danse de "chant" et celle d'un chœur. Les deux groupes effectuent un va-et-vient scénique en reprenant la chorégraphie de la première partie avec la même gestuelle.

Ainsi, celle-ci, quel que soit son rythme, colle parfaitement à la musique. Avec "My way" et précédemment une composition d'Hofesch Shechter, elles ont en commun d'avoir accompagné une même chorégraphie, faisant du tempo l'essence de celle-ci. Et pourtant l'une est une mélodie très douce, presque une romance, quand l'autre est sombre et très rythmée. La gestuelle sied parfaitement autant à l'une qu'à l'autre et est un bon pied-de-nez à l'évidence que nous pouvons avoir sur la rythmique d'une musique et la danse l'accompagnant.

Le chorégraphe israélien a réussi à désacraliser le rapport à la scène en intégrant le clubbing comme axe central de sa création et en mélangeant subtilement, presque avec humour, un spectre musical aussi large allant de ses compositions à celles de Jean-Sébastien Bach (1685-1750) en passant par Claude François (1939-1978) et Frank Sinatra.

Chorégraphie et musique : Hofesh Shechter.
Avec : Tristan Carter, Cristel de Frankrijker, Justine Gouache, Zakarius Harry, Alex Haskins, Oscar Jinghu Li, Keanah Faith Simin, Chanel Vyent.
Lumières : Tom Visser.
Musique additionnelle : Frank Sinatra, Claude François, Jacques Revaux and Paul Anka.
Costumes originaux : Osnat Kelner.
Durée : 1 h.

Du 31 mars au 10 avril 2022.
Mardi, mercredi, vendredi et samedi à 20 h, jeudis à 14 h 30 et 20 h, dimanches à 15 h
Théâtre des abbesses, Paris 18e, 01 42 74 22 77.
>> theatredelaville-paris.com