De la déception enfantine de ne pouvoir devenir danseuse étoile à cause d'un physique hors des normes de la danse classique, aux débuts de la carrière de comédienne et sa cohorte de castings sans pitié, de rôles coupés au montage et d'emploi alimentaire dans une murder party pour comité d'entreprise, Kelly Rivière traverse ses espoirs et ses déboires de la vie d'artiste. Les déceptions alternent alors avec les illuminations et les élans altruistes, une vie de chaud et de froid capable de décourager les moins tenaces.

Pourtant, c'est la ténacité qui finit par emporter le morceau. Cette volonté d'atteindre son but a besoin de soutiens face aux adversités, sous peine de s'étioler, sous peine d'abandon. Quand on ne vient pas du milieu artistique, il est dur de convaincre sa famille de ce choix de carrière. "La vie rêvée" fait l'inventaire de toutes ces voix familiales qui prêchent la raison, la prudence et une carrière plus "normale" plutôt que cette poursuite d'un rêve qui leur semble impossible. Mais dans ce chœur de conseils démotivants, quelques personnages apportent l'énergie nécessaire à la poursuite de cette ambition.

En première place, c'est le soutien de la grand-mère du double de Kelly Rivière (qui se nomme Kelly Ruisseau). Une grand-mère dont la présence puis l'âme accompagne tous les moments de doute de la jeune comédienne. Une aïeule qui ne cesse de répéter qu'il faut persister dans ses choix, persévérer à tout prix quand le reste de la famille (en particulier une mère et une belle-mère aux jugements sans appel) lui conseille de changer d'idée.

Dans les autres rencontres capables de donner de sucrer un peu cette vie de bohème, il y a les camarades de cours de théâtre enflammés et quelques personnages rencontrés lors de tournages qui "y croient". Kelly Rivière interprète seule cette myriade de personnages. Dans un dispositif scénique qui représente une scène entre théâtre et cabaret, piano et rideau de perles compris, elle se glisse avec art et douceur dans chaque peau, et passe ainsi de scènes du passé en évocations mentales sans discontinuité et toujours avec une bonne dose d'humour et d'autodérision.

Le chant accompagne également les premiers et seconds pas de cette vie de comédienne, avec entre autres le titre méconnu : Je suis comédien, drôle et nostalgique. À noter aussi une interprétation gestuelle hilarante de la Pie Voleuse de Rossini. Tout le spectacle est ainsi une ode à la persévérance émaillée de rires et de nostalgie, mais aussi un hommage à cette grand-mère dont les mots encourageants continuent de résonner dans l'âme de sa petite fille. Une sorte de filiation du courage qui clame fort qu'il faut croire en ses rêves contre vents et marées, tel Ulysse dans sa traversée des périls.
◙ Bruno Fougniès

Conception et interprétation : Kelly Rivière.
Collaboration à l'écriture et à la dramaturgie : David Jungman.
Avec : Kelly Rivière.
Collaboration artistique : Maïa Sandoz.
Regards complices : Jalie Barcilon, Sarah Siré.
Collaboration à la chorégraphie : Gilles Nicolas.
Lumières : Laurent Schneegans.
Scénographie : Estelle Gautier.
Costumes : Elisabeth Cerqueira.
Création son : Vincent Hulot.
Coach vocal : Jeanne-Sarah Deledicq.
Travail chant piano : Susy Firth.
Régie générale : Frédéric Evrard.
À partir de 12 ans.
Durée : 1 h 20.

Du vendredi 1ᵉʳ mai au samedi 27 juin 2026.
Vendredi à 19 h et samedi à 18 h 30.
Théâtre Actuel La Bruyère, 5, rue La Bruyère Paris 9ᵉ.
Réservations : 01 48 74 76 99.
>> Billetterie en ligne
>> theatrelabruyere.com

Cela commence par une projection d'ombres chinoises. Puis cela s'enchaîne avec une chorégraphie d'orteils et de doigts, les mains sautant, en appui léger et aérien, au-dessus des pieds quand ceux-ci tapotent le plateau comme une série de notes au piano, le tout filmé par une petite caméra en avant-scène. Bouts des membres supérieurs et inférieurs sont partis pour une alliance corporelle et spatiale durant tout le spectacle.

Celui-ci est très intime. Montrer le bout de ses pieds, c'est lever un voile sur ce qui est souvent caché, car plaqués au sol ou enserrés dans des chaussures. Le chorégraphe-danseur se présente par un simple "Je suis Philippe Decouflé" en disant ouvertement son choix de création : "J'avais envie de montrer mes pieds" en montrant la plante de l'un d'eux. C'est ainsi au-delà d'un morceau autobiographique du créateur, celle d'une mise en lumière des coulisses d'un artiste, de ce qui le porte, au sens propre et figuré, en montrant les ressorts d'une discipline, ceux podaux souvent ignorés, et de ce qui fait la force d'un individu, de ce qui le construit.

Le chorégraphe-danseur se met, assis à sa chaise, à table en ouvrant un dossier pour montrer des photos personnelles. C'est faire du solo, et de celui-ci en particulier, une mise à nu. Ce rapport direct au public est aussi le témoignage d'une histoire qui est montrée au travers de sa famille, de ce qui l'a construit et le construit avec des photos de son grand-père, de son père, de sa mère, de lui, bébé et enfant, de son frère, de sa femme, de ses enfants et de sa fiancée.

Decouflé a gardé, à cinquante-sept ans, une grâce et une adresse certaines. Ses mains se joignent et se disjoignent, la voix, off, du chorégraphe se mêlant parfois à la représentation. Il se déshabille, le torse souvent à découvert durant le spectacle, au travers d'images, décomposées en séquences cinématographiques.

Les membres supérieurs sont aussi l'aiguillon emportant le corps dans des mouvements ondulés. Cela démarre du tronc pour redescendre jusqu'à la plante des pieds. Dans la danse, classique et contemporaine, jambes, torse et bras sont aux premières loges. Doigts et orteils honorent souvent le champ perdu des oubliés de cet art. En dévoilant cette partie essentielle sans laquelle il n'y a nulle expression, le chorégraphe entend montrer sa partie non visible, cachée.

Decouflé mime, assis en face d'une table, "Le petit bal perdu" (1961) chantée par Bourvil (1917-1970). Avec ses mains, sa tête, le tronc et l'expression du visage, les paroles prennent vie gestuellement. Avec des pointes d'humour, les doigts tapotent la table pour habiller la mélodie, suivi d'un poing la cognant, la tête accompagnant le torse étiré sur la table montrant un désespoir. La musique, côté jardin, est une composante essentielle de la représentation avec Joachim Latarjet jouant de la trompette, de la guitare et de sonorités avec sa bouche.

C'est un jeu de lumières et d'ombres. Corps et images sont les deux axes du spectacle. Faire de celui-ci, réel, un élément irréel qui se multiplie sur une même ligne, telle des rangées qui s'emboîtent ou dans des lieux géométriques en forme d'habitat avec une relation à l'espace toujours déformée. Nous sommes dans un rapport où les dimensions et les formes sont bousculées, jamais réelles, toujours imaginées au travers du regard de Decouflé qui situe le corps à l'intersection d'une représentation construite, celle du danseur, et perçue, celle du spectateur.

Aussi, ce double miroir s'articule autour des membres supérieurs qui donnent à l'interprète des ondulations comme une anticipation de ce qui va se réaliser à l'écran, habité par des effets visuels dans une mise en abyme où la réalité finit par se lier à un imaginaire délimitant une frontière, celle du monde créatif de l'imagination et d'une histoire personnelle.

Direction artistique : Philippe Decouflé.
Avec : Philippe Decouflé.
Musique : Joachim Latarjet.
Vidéo : Olivier Simola et Laurent Radanovic.
Lumières : Patrice Besombes.
Son : Claire Thiébault.
Accessoires : Pierre-Jean Verbraeken.
Par la Cie DCA - Philippe Decouflé.
Durée : 1 h.

Du 29 mai au 8 juin 2019.
Mardi 4 juin, mercredi 5 juin et vendredi 7 juin à 20 h 30, jeudi 6 juin à 19 h 45, samedi 8 juin à 15 h 30.
Théâtre national de Chaillot, Salle Jean Vilar, Paris 16e, 01 53 65 31 00.
>> theatre-chaillot.fr