Et ce sont bien sûr dans les danses qui accompagnent chaque nouvelle mode musicale que la chorégraphe va trouver son inspiration. Mais pas seulement. Les modes vestimentaires, elles aussi, sont présentes dans le spectacle.

D'ailleurs, au fond du vaste plateau de la salle du TJP, huit portants croulent sous des dizaines de tenues. Les danseuses et danseurs vont se changer ainsi à vue, en alternance, pour passer d'un tableau à un autre, d'une époque à une autre. Tandis qu'une partie de la troupe enchaîne les danses et les scènes, l'autre partie se change rapidement pour réapparaître costumée, collant ainsi à l'époque dont il est question. Ils seront popstars modernes, ou catcheurs des années soixante, ou Drag Queens des années quatre-vingt-dix, ou bien paysans et paysannes du début du siècle interprétant leurs danses rituelles pieds nus dans une terre trop peu fertile.

Voyage dans le temps donc pour ce marathon de danse, performance au long cours où les participants sont éliminés les uns après les autres jusqu'au dernier. Un voyage qui retrace, en paroles sur-titrées en français, les grands événements qui ont façonné le Japon moderne, survolant la Deuxième Guerre mondiale et ses kamikazes et ses kaitens (kamikazes en sous-marin, sortes de torpilles humaines), l'occupation américaine (et ses influences musicales et vestimentaires non négligeables) et l'âge d'or des entreprises japonaises dans les années quatre-vingt, quatre-vingt-dix qui furent, à l'époque, des modèles pour le monde entier.

En moins d'une heure, ce sont un siècle de danses, de musiques japonaises (avec quelques incursions internationales) et de scènes typiques que vont interpréter les jeunes danseurs et danseuses françaises et japonaises. Elles et ils sont excessivement vifs et agiles pour suivre les rapides changements de styles chorégraphiques proposés par Kaori Ito. Changeant de répertoires comme ils changent de costumes, sans nuire au rythme du spectacle. Un rythme soutenu, intense, où l'humour est très souvent présent et une humeur jeune et joyeuse sans cesse bouillonnante.

Comme un accessoire incongru, sur un côté de la scène et monté sur une petite estrade, sur lequel trône une cuvette de WC. Des toilettes qui ne sont pas là juste pour décorer, mais parce que les toilettes, au Japon, sont parfois le seul endroit où il est possible de se retrouver seul, mais aussi de pouvoir feuilleter un livre… Il est aussi le symbole du rejet que la société peut infliger à certaines individualités et un havre où, régulièrement, un danseur ou une danseuse vient trouver protection.

Ce spectacle est également une jolie revendication à la liberté, qu'elle soit vestimentaire ou de mœurs. Jupes pour les garçons, drags, liberté des corps participent totalement au spectacle et donnent une image vertigineuse de couleurs et de fantaisie à cette représentation du monde. Au passage, une parité exemplaire règne ici puisqu'ils et elles sont quatre danseuses et quatre danseurs.

Un livre est donc dans ces toilettes. Ce livre est un classique de la littérature japonaise. Et le voyage dans le temps nous emmène finalement là, vers ce conte des années trente, écrit par Kenji Miyazawa, "Les pieds nus de lumière", qui fait partie de l'inspiration de Kaori Ito pour ce spectacle. C'est l'histoire de deux frères, perdus dans le froid, la neige et les nuages d'une montagne qui leur fait perdre leurs chemins. Sorte d'épreuve qu'ils surmontent ensemble, un conte qui exhorte l'humanité à l'entraide et au courage.

Et soudain, la profondeur de la pensée vient donner corps à la fantaisie, aux danses, aux rires et faire comprendre que le cœur peut traverser toutes les tragédies de l'Histoire.
◙ Bruno Fougniès

Vu au TJP - CDN de Strasbourg.

Spectacle en japonais surtitré en français.
Direction artistique et chorégraphique : Kaori Ito.
Avec : Aokid, Noémie Ettlin, Yu Okamoto, Issue Park, Rinnosuke, Sato Yamada, Ema Yuasa, Léonore Zurflüh.
Dramaturgie : Keishi Nagatsuka et Améla Alihodzic.
Assistance à la chorégraphie : Adeline Fontaine & Marvin Clech.
Lumières : Maki Ueyama, Thibaut Schmitt et ArnO Veyrat.
Son : Yuko Nishida et Éric Fabacher.
Scénographie : Kaori Ito et Anthony Latuner.
Traduction et création sous-titre : Ritsuko Kato.
Construction : Anthony Latuner.
Coaching Drag Queen : Bibiy Gerodelle.
Production TJP CDN Strasbourg Grand Est et KAAT Kanagawa Arts Theater (Japon).
À partir de 9 ans.
Durée : 1 h 10.

A été représenté du 3 au 11 octobre 2025 au TJP (Théâtre Jeune Public) - CDN, Strasbourg (67).

Tournée
15 et 16 octobre 2025 : CDN de Normandie-Rouen, Rouen (76).
17 octobre 2025 : Théâtre de l'Arsenal, Val-de-Reuil (27).

C'est un spectacle étonnant, autant par ses protagonistes que par sa trame. Présentée comme une comédie musicale, elle l'est en étant assortie aussi de gestes corporels et facétieux, avec un pendant politique.

Dès les premiers instants, ce sont des miaulements qui se font entendre avec dix chats joués par les interprètes au travers de leurs nonchalances, démarches, mines chafouines, étirements et ronronnements. C'est une véritable incarnation dans les gestuelles, les tensions et les prélassements. Le démarrage est un peu trop long de quelques minutes, mais ensuite, c'est un délice dans lequel surprises, comique, théâtre, musique et chant se donnent la répartie.

Le spectacle est très politique. Les scènes s'enchaînent dans lesquelles cela chante, paresse, miaule, joue, discute, débat, parle en dénonçant l'extrémisme et le déni au travers de différentes figures, connues ou inconnues, racistes et négateurs du changement climatique. Dans cette double focale où l'animal, symbole d'astuce et d'intelligence, se mêle à différentes figures, autant extrémistes que modérés, on y devine la figure de Jean-Marie Le Pen, sous les traits d'une sorte de mouton, avec la voix de celui-ci et plus loin le personnage de Neuneuille (Marlène Saldana) qui retrace quelques éléments de sa biographie.

Pourquoi l'utilisation de chats ? Les concepteurs et metteurs en scène, Marlène Saldana et Jonathan Drillet l'expliquent, car "… sacralisés dans l'ancienne Égypte ou bien jetés au feu avec les sorcières pendant des siècles, devenus aujourd'hui les icônes kawaï et lol des réseaux sociaux et des childless cat ladies, les chats comme les humains ne choisissent pas leur famille". Bref, nous sommes à un carrefour symbolique où ils sont appréhendés comme quelque peu iconiques aujourd'hui, sacrés comme des dieux ou chassés comme des diables par le passé, tout en étant proche de l'espèce humaine dans sa relation à lui.

Plusieurs profils du félidé sont représentés par une kyrielle de gestiques dans des costumes très variés. C'est de l'anthropomorphisme dans des élans anthropologiques et sociologiques, si nous souhaitons être pompeusement savants. Il s'agit surtout d'une comédie audacieuse où la focale est double, avec un animal qui joue à l'humain avec son inverse, l'humain qui joue à être l'animal.

Cela débute par des miaulements, pour ensuite basculer sur la parole où le racisme est étalé pour être toujours combattu et où le changement climatique est affiché pour être, à dessein, contrecarré. Nous sommes au centre de ce qui fait notre actualité sous le prisme décalé de la gestique des félidés, avec chacun son rôle, ses idées et son personnage. La nuit, tous les chats sont gris. À croire que dans la représentation, il fait plein jour et le tout fait société avec ses tensions, ses acceptations et ses combats.

L'aspect comique, et surtout décalé, est omniprésent, dans lequel la voix et le corps sont dans une théâtralité où le décalage est opéré entre la véracité du verbe et le geste, entre le sérieux du propos et parfois la facétie corporelle.

Il y a deux plans, l'avant-scène et l'arrière-scène, dans lesquels le jeu des comédiens a toujours cours, mais différemment, à savoir en arrière-plan de façon souvent lente et décalée alors qu'en avant-scène, pour certains tableaux du moins, le jeu est de temps en temps plus sobre, mais toujours vif et marqué. Dans ces gestuels, il y a de la théâtralité dans laquelle le cabotinage est exclu et où le geste fait toujours sens. On se plaît à jouer son propre personnage, celui d'un chat qui se mire aussi au travers des uns et des autres.

Véritable kaléidoscope artistique, cette création manie habilement politique et comédie en faisant passer l'actualité au premier plan dans une approche espiègle et très originale.
◙ Safidin Alouache

Spectacle de Marlène Saldana & Jonathan Drillet.
Collaboration artistique et assistante : Céline Peychet.
Créé en collaboration avec et interprété par : Alina Arshi, Jonathan Drillet, Mai Ishiwata, Christophe Ives, Dalila Khatir, Aurélien Labenne, Mark Lorimer, Guillaume Marie, Marlène Saldana, Stephen Thompson, Charles Tuyizere.
Scénographie : Théo Mercier assisté de Marius Belmeguenaï et Moustache.
Construction décor : Ateliers de la MC93.
Dessin moquette : Jérémie Piningre.
Création musicale et clavier : Laurent Durupt.
Batterie : Stan Delannoy.
Saxophone : Rémi Fox.
Shakuhachi : Jean-François Lagrost.
Contrebasse : Raphaël Schwab.
Mix : Paulie Jan.
Costumes : Jean Biche.
Assistante costumes et habillage : Zoé Lachaud.
Mouton et masques : Vanessa Riera assistée d'Elena Sideri.
Lumières : Fabrice Ollivier, Yarol Stuber, Lise Blanckaert.
Son : Guillaume Olmeta.
Durée : 2 h.

Le spectacle s'est déroulé du 7 au 11 janvier 2025 à Chaillot Théâtre national de la danse, Paris 16ᵉ.
>> theatre-chaillot.fr

Tournée
17 et 18 janvier 2025 : La Comédie - Scène nationale, dans le cadre du festival Transforme, Clermont-Ferrand (63).
27 et 28 mars 2025 : MC2: - Scène nationale, Grenoble (38).
3 et 4 avril 2025 : Maison de la danse, en coréalisation avec Les Subs, dans le cadre du festival Transforme, Lyon (69).
Du 10 au 12 avril 2025 : MC93, Maison de la Culture de Seine-Saint-Denis, Bobigny (93).
26 avril 2025 : Charleroi Danse, Bruxelles (Belgique).
27 et 28 mai 2025 : Théâtre National de Bretagne, dans le cadre du festival Transforme, Rennes (35).

Fidèle depuis plus de douze ans au Théâtre du Rond-Point (et réciproquement), Christophe Alévêque est à nouveau sur la scène de la salle Renaud-Barrault pour nous faire part de ses réflexions acerbes sur le monde d'aujourd'hui mais en usant de mélodies humoristiques, voire clownesques mais surtout engagées, décalées, hors des normes de plus en plus établies par les détenteurs de la bien-pensance. Le résultat nous procure des bouffées d'air salvatrices… Et il réussit encore à nous surprendre !

L'écriture de ce nouveau spectacle a commencé lors du premier confinement. "… la crise sanitaire a été plus qu'un révélateur, ça a été un vrai déclencheur… (…) C'est la réaction de la population qui m'a le plus alarmé. L'absence de débat, l'obéissance générale. J'ai trouvé ça terrible… Ce n'était plus possible, je n'étais plus en phase avec rien ! (…) Dès le deuxième jour du confinement ! J'ai pris des notes, et noté encore, jusqu'à ce que cela construise un texte puis un spectacle, qui n'est d'ailleurs pas basé sur la crise sanitaire. C'est plutôt un feu d'artifice de mauvaise humeur, qui aboutit à un grand éclat de rire ! Ce qui m'a le plus atteint, c'est cet ordre moral qui nous est tombé dessus…"

Prenant comme fil rouge sa nouvelle paternité et la transmission qui y est associée, Christophe Alévêque fait un large tour d'horizon de tous les aléas, les maux, les changements vécus ces dernières années, tant du point de vue moral, social, sociétal qu'idéologique... quitte à devenir un "vieux con résistant" apte à donner des éclairages lucides mais réfléchis à sa progéniture. "L'empire de la bien-pensance a fait basculer le résistant ordinaire, le libre penseur, dans le camp des vieux cons… C'est toute la difficulté ! Il n'est plus du tout dans le bon couloir, le libre penseur, celui qui pense et qui s'exprime, librement, sans aucune censure."

Avec l'aisance verbale et la talentueuse éloquence qui le caractérise, il surfe autant sur de petits agacements - bière et vin sans alcool, journée sans tabac, non-voyant au lieu d'aveugle, mal-entendant au lieu de sourd, etc. -, petits mais révélateurs d'une pensée aseptisée, que sur des sujets à haut risque, voire explosif, comme celui, délicat, du féminisme, toujours casse-gueule pour un homme.

Ici, Christophe Alévêque revendique une liberté d'expression totale et sans assujettissement aux inquisiteurs d'un conformisme réducteur, une parole sans autocensure ni censure. Si les évolutions liées, entre autres, au mouvement #Metoo ont enfin permis la reconnaissance et la condamnation des violences faites aux femmes, des viols, ainsi que l'acception de notions comme le non-consentement, il est néanmoins possible de restaurer un vrai dialogue entre les deux sexes. "Ne rendons plus des hommages mais des femmages." "Mais où est le plaisir ? Si ça continue, le corps ne servira plus qu'à mettre des vêtements dessus." "Comment je vas expliquer cela à mon petit ange ?"

Il n'hésite pas non plus à plonger dans certains paradoxes et quelques absurdités de notre actualité en insérant une récréative "revue de presse". "Plus on parle de laïcité, plus l'intégrisme religieux se développe, plus on parle d'écologie, plus la planète et le climat vont mal, plus on parle du vivre ensemble, plus les communautarismes se développent, plus on parle de société multiraciale, plus il y a de multi-racistes, plus la démocratie va mal, plus il y a de débats…"

Bien sûr, bien d'autres thèmes sont abordés avec beaucoup de dérision et de sel, dispensant une jubilation communicative. Cette liberté d'expression qui peut-être, pour certains, pourrait paraître "outrancière", sert de soupape salvatrice. C'est aussi ça le théâtre, une forme d'exutoire… et un art du contrepoint !

Pour clore ces quatre-vingt-dix minutes où l'on est sorti des sentiers balisés par la pensée officielle, le manichéisme ambiant, le victimisme institutionnel, Christophe Alévêque nous offre une reprise de "Danser encore" de HK, et entraîne le public - qui ne se fait pas prier - dans reprise du refrain :
Nous on veut continuer à danser encore/
Voir nos pensées enlacer nos corps/
Passer nos vies sur une grille d'accords.

De et avec : Christophe Alévêque.
Mise en scène : Philippe Sohier.
Mise en lumière : Frédéric Brémond.
Production : Smog Prod., en accord avec Alaca Prod. et Malotino.
Spectacle créé en juin 2020.
Durée : 1 h 30.

•Avignon Off 2022•
Du 8 au 30 juillet 2022.
Tous les jours à 18 h, relâche les 18 et 25 juillet.
Cinévox Théâtre, Salle 1, 22, place de l'Horloge, Avignon.
Réservations : 04 90 85 00 25.

Tournée
25 juin 2022 : Hirson (02).

Fidèle depuis plus de douze ans au Théâtre du Rond-Point (et réciproquement), Christophe Alévêque est à nouveau sur la scène de la salle Renaud-Barrault pour nous faire part de ses réflexions acerbes sur le monde d'aujourd'hui mais en usant de mélodies humoristiques, voire clownesques mais surtout engagées, décalées, hors des normes de plus en plus établies par les détenteurs de la bien-pensance. Le résultat nous procure des bouffées d'air salvatrices… Et il réussit encore à nous surprendre !

L'écriture de ce nouveau spectacle a commencé lors du premier confinement. "… la crise sanitaire a été plus qu'un révélateur, ça a été un vrai déclencheur… (…) C'est la réaction de la population qui m'a le plus alarmé. L'absence de débat, l'obéissance générale. J'ai trouvé ça terrible… Ce n'était plus possible, je n'étais plus en phase avec rien ! (…) Dès le deuxième jour du confinement ! J'ai pris des notes, et noté encore, jusqu'à ce que cela construise un texte puis un spectacle, qui n'est d'ailleurs pas basé sur la crise sanitaire. C'est plutôt un feu d'artifice de mauvaise humeur, qui aboutit à un grand éclat de rire ! Ce qui m'a le plus atteint, c'est cet ordre moral qui nous est tombé dessus…"

Prenant comme fil rouge sa nouvelle paternité et la transmission qui y est associée, Christophe Alévêque fait un large tour d'horizon de tous les aléas, les maux, les changements vécus ces dernières années, tant du point de vue moral, social, sociétal qu'idéologique... quitte à devenir un "vieux con résistant" apte à donner des éclairages lucides mais réfléchis à sa progéniture. "L'empire de la bien-pensance a fait basculer le résistant ordinaire, le libre penseur, dans le camp des vieux cons… C'est toute la difficulté ! Il n'est plus du tout dans le bon couloir, le libre penseur, celui qui pense et qui s'exprime, librement, sans aucune censure."

Avec l'aisance verbale et la talentueuse éloquence qui le caractérise, il surfe autant sur de petits agacements - bière et vin sans alcool, journée sans tabac, non-voyant au lieu d'aveugle, mal-entendant au lieu de sourd, etc. -, petits mais révélateurs d'une pensée aseptisée, que sur des sujets à haut risque, voire explosif, comme celui, délicat, du féminisme, toujours casse-gueule pour un homme.

Ici, Christophe Alévêque revendique une liberté d'expression totale et sans assujettissement aux inquisiteurs d'un conformisme réducteur, une parole sans autocensure ni censure. Si les évolutions liées, entre autres, au mouvement #Metoo ont enfin permis la reconnaissance et la condamnation des violences faites aux femmes, des viols, ainsi que l'acception de notions comme le non-consentement, il est néanmoins possible de restaurer un vrai dialogue entre les deux sexes. "Ne rendons plus des hommages mais des femmages." "Mais où est le plaisir ? Si ça continue, le corps ne servira plus qu'à mettre des vêtements dessus." "Comment je vas expliquer cela à mon petit ange ?"

Il n'hésite pas non plus à plonger dans certains paradoxes et quelques absurdités de notre actualité en insérant une récréative "revue de presse". "Plus on parle de laïcité, plus l'intégrisme religieux se développe, plus on parle d'écologie, plus la planète et le climat vont mal, plus on parle du vivre ensemble, plus les communautarismes se développent, plus on parle de société multiraciale, plus il y a de multi-racistes, plus la démocratie va mal, plus il y a de débats…"

Bien sûr, bien d'autres thèmes sont abordés avec beaucoup de dérision et de sel, dispensant une jubilation communicative. Cette liberté d'expression qui peut-être, pour certains, pourrait paraître "outrancière", sert de soupape salvatrice. C'est aussi ça le théâtre, une forme d'exutoire… et un art du contrepoint !

Pour clore ces quatre-vingt-dix minutes où l'on est sorti des sentiers balisés par la pensée officielle, le manichéisme ambiant, le victimisme institutionnel, Christophe Alévêque nous offre une reprise de "Danser encore" de HK, et entraîne le public - qui ne se fait pas prier - dans reprise du refrain :
Nous on veut continuer à danser encore/
Voir nos pensées enlacer nos corps/
Passer nos vies sur une grille d'accords.

De et avec : Christophe Alévêque.
Mise en scène : Philippe Sohier.
Mise en lumière : Frédéric Brémond.
Production : Smog Prod., en accord avec Alaca Prod. et Malotino.
Spectacle créé en juin 2020.
Durée : 1 h 30.

Du 10 mars au 3 avril 2022.
Du mardi a dimanche à 18 h 30.
Théâtre du Rond-Point, Salle Renaud-Barrault, Paris 8e, 01 44 95 98 00 .
>> theatredurondpoint.fr

Spectacle spécial "présidentielle 2022",
les dimanches 10 et 24 avril, 1er et 2nd tour de l'élection.
Christophe Alévêque sera sur scène pour faire sa revue de presse, à partir de 18 h 30.
Résultats en direct à 20 h !

Tournée
6 avril 2022 : Nouzonville (08).
9 avril 2022 : Villeparisis (77).
28 avril 2022 : Sérignan (34).
29 et 30 avril 2022 : Marseille (13).
10 mai 2022 : Vendôme (41).
25 juin 2022 : Hirson (02).

J'ai hésité à écrire cet article. Mais il est difficile de passer sous silence un soldat qui s'est battu contre la dette et les banques et qui aujourd'hui s'attaque à la morosité. Dans son spectacle, Alévêque fait aussi un croche-pied à la jeunesse vue de sa hauteur d'âge. Du Kev Adams inversé.

Il s'installe au piano et en deux temps trois mouvements fait glisser quelques notes tel un concertiste. Sauf que ce n'en est pas un et que c'est le premier à le savoir. Il porte juste ses rêves, donne sa perception du monde au travers de son optimisme feint ou réel.

"Ça ira mieux demain" est un peu le leitmotiv parlé et chanté du spectacle. La ritournelle fait chanson, le décalage est opéré mais c'est un peu du déjà vu, déjà connu avec des bons mots mais quelques facilités. Ce qui est bien avec Alévêque, c'est ce ton qui rafraîchit notre époque et qui efface, le temps d'un spectacle, cette galerie de piètres penseurs, par la qualité des propos ou des idées, devenus les coqueluches cathodiques d'une pensée mortifère et d'une vision fade et grossière du monde. Une pensée qui se nourrit de cette sempiternelle chanson du "c'était mieux avant" et de raccourcis où la littérature délaisse sa poésie pour s'accrocher à des idées grosses de paresse et molles de courage.

Oui, moi aussi, je préférais avant, quand j'avais vingt ans et que je pouvais jouer six heures de suite au football sans être fatigué, faire cinquante pompes d'affilée d'une seule main (1), prendre le transilien en discutant avec de jolis sourires sans rencontrer des militaires en Famas (2). C'était mieux avant pardi ! La poésie était au balcon de toutes les fenêtres, il n'y avait pas de chômage et mon voisin de palier était toujours une jolie fille amoureuse, l'étranger un ami, le musulman un frère et les migrants une promesse d'avenir. Bien sûr…

Avec Alévêque, l'optimisme est de mise même si le propos reste moqueur, cruel et assez lucide d'une société qui doute d'elle-même, ballotée par l'insécurité, la peur de l'étranger, d'une fausse perte d'identité alimentée par certains politiques inspirés par des propos de piliers de bar. Alévêque nous fait oublier cela même s'il joue dans une catégorie où son talent aurait pu le mettre ailleurs. Il a toutefois le mérite de chanter à tue-tête contre la morosité.

Quand certains Intellectuels sont aux abonnés absents alors que d'autres ont perdu leurs points sur les "i", quand une partie des politiques joue les "pères cravache" avec des populations ballotées par la misère et la guerre suite aux inconséquences de politiques extérieures occidentales, oui le rire permet de botter le Q à tout cela. L'humoriste devient, au sens noble du terme, le Bouffon qui dit sa vérité à des actualités facilement anxiogènes quand elles se laissent politiquement enfermer par les peurs. Pour nous mettre à cheval et aller, grâce à la culture et à l'Art, vers cet Ailleurs qui enrichit chaque jour la France.
Mais ça ira mieux dès aujourd'hui car demain est un présent qui se lève sur de nouvelles promesses.

(1) Je frôle le mensonge ? Et alors…;o)
(2) Fusil d'Assaut de la Manufacture d'Armes de Saint-Étienne (FAMAS).

Un spectacle de et avec : Christophe Alévêque.
Mise en scène : Philippe Sohier en collaboration avec Thierry Falvisaner.
Lumières : Jérôme Pérez Lopez.
Régie Générale : Francky Mermillod.
Durée estimé : 1 h 30.

Jusqu'au 7 novembre 2015.
Du mardi au samedi à 21 h.
Théâtre du Rond-Point, Salle Renaud-Barrault, Paris 8e, 01 44 95 98 00.
>> theatredurondpoint.fr

Tournée
19 novembre 2015 : Le Radiant, Lyon (69).
25 au 27 novembre 2015 : La Comédie de Picardie, Amiens (80).
À partir du 4 décembre 2015 : Le Palais des Glaces, Paris (75).
8 décembre 2015 : La Passerelle, Florange (57).
11 et 12 décembre 2015 : Théâtre du Gymnase (13).
8 janvier 2016 : Bergerac (33).
10 mai 2016 : Anthéa, Antibes (06).
12 mai 2016 : Le Haillan (33).