Après "Acrobates" en 2018, "No Animo Mas Anima" en 2023 et "Fiers saltimbanques !" en 2024, l'exposition "Panache !" propose une nouvelle plongée dans l’histoire du cirque, une exploration remarquablement documentée sur ce qui fonda le cirque moderne, son chapiteau, son environnement circulaire, sa programmatique artistique, son orchestre initialement cuivres et tambours et l'apparition de l'emblématique piste, espace scénique de 13 mètres de diamètre… Tous ces éléments de base émanant des pratiques équestres et militaires du XVIIIe siècle qui, évoluant au cours des XIXe et XXe siècles, font faire sortir le cheval de son rôle uniquement utilitaire pour lui donner une vocation artistique et une position majeure dans certains spectacles circassiens, comme on peut le voir encore chez Grüss.

Cette quatrième expo s’inscrit comme une nouvelle étape de préfiguration du futur Musée des Arts du Cirque dont l’ouverture est prévue en 2029. Elle a été conçue grâce au commissariat partagé d’Enora Gault, directrice adjointe des musées de Châlons-en-Champagne, de Pascal Jacob, auteur, directeur artistique du cirque Phénix et collectionneur, et de Marika Maymard, chercheuse, autrice et collectionneuse. "Panache !" bénéficie bien sûr de prêts exceptionnels de grandes institutions publiques, notamment la BnF, le musée de l'Armée, la TOHU Cité des arts du cirque de Montréal, le musée vivant du Cheval Château de Chantilly, etc.

Ainsi, au départ, était le cheval, figure légendaire et antique de l'univers militaire. De tout temps, des démonstrations équestres des corps armés (dragons et autres diverses cavaleries) se déroulaient dans un cadre de démonstration de force ou dans celui d'un divertissement populaire. C'est ici, en 1768, qu'entre en scène Philip Astley (1742-1814), ancien sous-officier des Dragons légers britanniques, en créant sa propre arène afin d'y présenter quelques numéros (saut d'obstacles avec deux chevaux, premier récit clownesque avec un cheval, etc.) qui vont construire son répertoire. À noter que Mme Astley (Patty Jones), elle-même écuyère, participera régulièrement à ce qui devient un vrai spectacle en élaborant son propre répertoire.

C'est dans ce contexte que le cercle de 13 m devient la règle (dont la mesure doit son origine à la distance nécessaire entre un cheval et l'homme qui le fait tourner en rond), que les gradins apparaissent, entre autres. Les bases étant posées, "Panache !" nous emmène dans un parcours muséal retraçant les nombreuses étapes qui marquèrent le cirque moderne jusqu'à aujourd'hui. Référence est faite à Antonio Franconi qui, le premier, diversifia de manière notable le répertoire. Les femmes artistes ne sont pas oubliées, de nombreux documents sur les écuyères, les amazones et les ballerines à cheval.

La richesse de l'exposition tient alors tant aux représentations du cirque équestre et de son répertoire, de l'art de la voltige, des fastes militaires (très prisés par Napoléon 3) avec pompes, parades et cavalcades qu'aux objets (bronzes, figurines, assiettes, jouets, véhicules miniatures...) et aux costumes, coiffes et pompons exposés. Estampes, tableaux, lithographies, dessins et affiches permettent de resituer les différentes évolutions et les époques correspondantes. Le nombre d'œuvres prêtées par les musées ou les collections de particuliers est impressionnant (plus de 300), démontrant le travail colossal effectué par Enora Gault, Pascal Jacob et Marika Maymard réunis dans un commissariat d'exposition partagé.

"Panache !" est une expo qui s'adresse au grand public, quel que soit son âge. Du fait de son sujet, elle est colorée, voire flamboyante au vu de certaines affiches, et l'on peut y passer plusieurs heures à lire et à détailler les pièces exposées. Une réussite muséale pour une histoire artistique à découvrir ou redécouvrir.

Premier spectacle de cette Nuit du Cirque chalonnaise qui s'est déroulé le 15 novembre 2025, "Corps tendres", de Lucie Yerlès et Gaspard Schleck, est une exploration sensible et acrobatique autour du sens du toucher. La représentation proposée au Chapiteau La Marnaise a permis de découvrir une étape de travail dans le cadre d'une sortie de résidence. Ce deuxième projet de Lucie Yerlès en tant que metteuse en scène, après "Le Solo" en 2021, se fonde sur une série d'ateliers et une création d'un spectacle immersif visant une perception haptique du monde (consistant à associer le sens tactile et la proprioception*).

Dans ce concept immersif, quatre acrobates et un musicien invitent les spectatrices et spectateurs – ayant participé aux ateliers – à plonger dans l’intimité de nos interdépendances heureuses ou contraintes. Le dispositif scénique doux et ludique engage public et artistes, à travers différents numéros et exercices à tester différentes situations où toucher, l'autre ou les autres, est une tentative/tentation de chaque instant et à réfléchir de façon collective sur la confiance, le consentement et les limites. Cela impliquant bien sûr la notion des limites/frontières de son corps, de sa propre perception de celui-ci, de celui des autres et des mises en danger possibles, de l'acceptation de l'abandon basé sur une proposition de sécurité des autres.

Ainsi, les récits partagés et les corps en mouvement ou en exploration acrobatique se rencontrent alors pour dessiner une cartographie joyeuse et politique de nos rapports aux autres. Le travail de Lucie Yerlès et Gaspar Schelck nous invite à partager une performance sensitive et politique, bienveillante et esthétique, traitant le toucher comme geste d’attention, de tendresse, d’accompagnement, d’apprentissage, de sécurité, de violence parfois. À suivre, création prévue en 2026.

Autre moment fort de cette Nuit du Cirque, le "Cabaret" présenté à la salle Rive Gauche par les étudiantes et étudiants du CNAC, qu'elles et ils ont voulu en soutien à la Palestine. Découpé en deux parties, c'est à la fin de la première partie que l'artiste palestinienne invitée, Ashtar Muallem, présenta son film, "Land of denied rituals", qui traite des rituels religieux abandonnés, dont les danses funéraires. Ashtar Muallem a voulu, à travers ce court-métrage, rappeler ces pratiques traditionnelles oubliées, en partie du fait du conflit, et les inscrire dans une mémoire contemporaine grâce à ce documentaire.

Le "Cabaret", quant à lui, animé par une équipe pleine d'énergie, exprimant une joyeuse pointe d'espièglerie, heureuse de proposer cette soirée festive, déroulait, tout au long de la soirée, une série de numéros de grande qualité. Fil de fer, trapèze, acrobatie, clown, trio portés acrobatiques, mât chinois, cerceau aérien, jonglage, etc. se succédaient dans une mise en scène minimaliste, mais éclairante sur les performances exécutées. Les élèves, même si, pour certains, les disciplines choisies ne représentaient pas leur choix définitif de formation au CNAC, ont fait montre de rigueur et de talent dans leurs exécutions.
◙ Gil Chauveau

* Proprioception : perception de son propre corps.

Exposition "Panache !"
Les origines équestres et militaires du cirque
Du 15 novembre 2025 au 16 mars 2026.
Musée des Beaux-arts et d'Archéologie, Place Godart, Châlons-en-Champagne (51).
Téléphone : 03 26 69 38 53.
musee.mairie@chalonsenchampagne.fr
>> musees.chalonsenchampagne.fr

"Corps tendres"
Conception : Lucie Yerlès.
Création lumière et collaboration artistique : Gaspar Schelck.
Conception sonore : Loïc Le Foll.
Avec : Philomène Authelet, Félix Rapela, Laila Umeko, Seppe Van Looveren en alternance avec Wout Deneyer.
Conseillers artistiques : Lorette Moreau, Leslie Mannès, Albin Warette, Julien Fournet, Charly Magonza.
Assistante à la mise en scène : Pauline Corvellec.
Soutien scénographique : Charlotte Lippinois et Charlotte Burgaud.

Décembre 2025 : Résidence, Mars - Mons arts de la scène, Mons (Belgique).
13 au 15 janvier 2026 : Résidence + Premières, Mars - Mons arts de la scène, Mons (Belgique).

"Cabaret"
Réalisé par les étudiants du CNAC.
Prochaine création :
Le spectacle de la fin des études de la trente-septième promotion du Centre National des Arts du Cirque de Châlons-en-Champagne
3, 4, 5, 7 et du 10 au 14 décembre 2025.
Du 4 au 22 février 2026 : Espace Chapiteaux, Parc de la Villette, Paris 19e.

Cela débute par Noa Aubry avec sa roue allemande sur laquelle des exercices d'équilibre sont effectués durant plusieurs minutes avant même que le spectacle ne démarre réellement. Le public attend, de même que les interprètes, habillés en Pierrot, assis en face de la scène sur des bancs. La scénographie est posée théâtralement au travers de ces personnages. Tous identiques, ils incarnent, avec leurs expressions figées, une inquiétude, celle de pantomimes d'un monde dont ils sont en marge.

Une histoire nous est racontée. Ou plutôt montrée, jouée, incarnée. Au fil de la représentation, les artistes évoluent et ne sont plus les mêmes. Ce changement s'opère autant par les costumes que par l'attitude. Un peu glaçante au début, ils ont ensuite de l'allant en se dévêtant du Pierrot qu'ils étaient pour revêtir des costumes avec des couleurs et des tissus plus proches de notre quotidien.

Nos artistes s'expriment au travers de leurs accessoires circassiens tels que la corde lisse pour Alice Binando, l'acrodanse pour Yannis Gilbert ou la roue Cyr pour Jef Everaert. Chaque numéro est expressif dans un "dit" corporel comme, entre autres, le mât chinois avec Pauline Olivier de Sardan, la corde tendue avec Matiss Nourly ou Julien Ladenburger, avec ses jongleries, qui mange à moitié ses balles blanches en lavant le sol. Il est rejoint ensuite par un trio de femmes, un balai serpillière à la main. La gestuelle, les acrobaties et les attitudes deviennent, dans chaque séquence, des reparties théâtrales.

"En escrime, la balestra est une figure d'attaque qui a pour but de provoquer un changement de rythme chez l'adversaire" comme l'explique la metteure en scène Marie Molliens. C'est à l'image de ce qui s'exprime durant toute la représentation avec ses différentes séquences où la parole s'irrue une fois, en dehors des chants, quand un protagoniste, avec son faux porte-voix, hurle en direction du public aux quatre coins de la salle. On dirait un Pierrot redescendu sur terre et porté par un souffle terrien de révolte et de folie.

La scénographie goutte d'un liquide blanc aux coins du plateau avec un seau qui le recueille. À côté, un autre seau donne l'impression, à dessein, d'un décor monté par les moyens du bord. Pierrot, personnage lunaire, naïf et un peu stupide en contrepoint de Polichinelle, contrebalance cet aspect. Il semble avoir perdu sa naïveté, son côté enfant face à la violence du monde. C'est que nos interprètes se déshabillent de leurs costumes en ne regardant plus la scène, devenue place du monde, de façon froide et indifférente, mais en y entrant et en bousculant de façon pulsionnelle celle-ci.

Ça hurle, ça crie, ça chante, ça joue et ça danse aussi dans une synchronisation des jambes et des bras accompagnés de bascules côté gauche et droit. En groupe resserré, les artistes se déplacent, tel un régiment, vers le centre du plateau. Tout est surprise, emportement et pulsion. La musique est très présente. Elle devient le tempo du spectacle avec sa guitare électrique, sa basse, sa batterie, sa trompette, son accordéon et ses violons. Avec son chanteur aussi, avec ou sans son porte-voix.

Ces scènes racontent chacune à leur manière une histoire. Celle d'individus, seuls ou en groupe, un peu désaxés dans leur attitude parfois comme s'ils revendiquaient un droit à dire, à faire en dehors de tout code. Ce qui fait grâce et poésie peut s'arrêter brusquement par une batterie qui part en cascade ou par un cri qui déchire le silence. Nous sommes dans une progression scénique qui procède par saccades et sauts dans une dynamique de jeu où les évènements s'accomplissent par effraction.

Dans chacun des tableaux, ce sont des mouvements, des tempos, des expressions qui se font voir et entendre. Indépendants les uns aux autres et pourtant reliés à un récit, ils oscillent dans des univers aussi contrastés que ceux du cirque, du théâtre et de la musique.

Là, dans les numéros aériens, dont ceux d'Elena Mengoni et Carolina Moreira Dos Santos, place est faite à une mélodie moins heurtée, rappelant celle d'une poésie de l'instant où s'arrêterait pendant quelques minutes l'écoulement des évènements. Ailleurs, c'est un rythme bien plus endiablé qui bouscule les artistes dans des va-et-vient où le physique des corps répond à leur souplesse acrobatique comme dans la bascule coréenne avec Niels Mertens, Thales Peetermans et Tiemen Praats où, entre autres, deux d'entre eux se jettent à une extrémité afin que le troisième puisse se lancer dans les airs pour exécuter des cabrioles.

C'est beau comme de la poésie et relevé comme des pulsions motrices qui bousculent un décor qui n'en attendait sans doute pas moins, tout étant surprise.

Écriture, mise en scène, lumière : Marie Molliens, Cie Rasposo.
Assistant et assistante à la mise en scène : Robin Auneau, Fanny Molliens.
Avec la 34e promotion du CNAC : Noa Aubry (roue allemande), Alice Binando (corde lisse), Tomás Denis (acrodanse), Jef Everaert (roue Cyr), Yannis Gilbert (acrodanse), Julien Ladenburger (jonglerie), Marisol Lucht (roue Cyr), Elena Mengoni (trapèze ballant), Carolina Moreira Dos Santos (tissus), Matiss Nourly (corde tendue), Pauline Olivier de Sardan (mât chinois), Niels Mertens (bascule coréenne), Thales Peetermans (bascule coréenne), Tiemen Praats (bascule coréenne).
Contributeur : Guy Périlhou.
Regard chorégraphique : Milan Hérich.
Conseiller artistique : Jacques Allaire.
Création musicale : Éric Bijon.
Création sonore : Fabrice Laureau.
Création costumes : Solenne Capmas, assistée de Madeleine Davies.
Assistant création lumière : Théau Meyer.
Régisseuses animalières : Silène Martinez ou Aline Revilla.
Régie générale : Julien Mugica.
Régie plateau : Guillaume Bes.
Régie lumière : Vincent Griffaut ou Laura Molitor.
Régie son : Gregory Adoir.
Tout public à partir de 7 ans.
Durée : 1 h 10.

Du 25 janvier au 19 février 2023.
Du mercredi au vendredi à 20 h, samedi à 19 h et dimanche à 16 h.
Espace Chapiteau, Parc de la Villette, Paris 19e, 01 40 03 75 75.
>> lavillette.com

Tournée
Du 7 au 9 avril 2023 : Festival Spring, Cirque-Théâtre - Pôle National Cirque de Normandie, Elbeuf (76).
Du 21 au 23 avril 2023 : Parc de la Patte d'Oie, Le Manège - Scène nationale, Reims (51).
Du 12 au 14 mai 2023 : dans le cadre des "Soirées d'Éole", Cirk'Eole, Montigny-lès-Metz (57).
10 et 11 juin 2023 : Parc de Parilly, Festival utoPistes (en partenariat avec Les Nuits de Fourvière), Lyon (69).
30 juin, 1er et 2 juillet : Cie Rasposo, co-accueilli avec les Scènes nationales Espace des Arts-Chalon-sur-Saône, L'Arc-Le
Creusot et Le Théâtre-Mâcon, Moroges (71).

Tout d'abord, pour la petite histoire - mais grande au pays des terrils ! -, c'est le 30 avril 1990, peu avant la fermeture du dernier puits de mine du territoire, que naissait une "association intercommunale de développement artistique et culturel" connue sous l'intitulé "Culture Commune". Celle-ci fut à l'époque portée par vingt-deux communes du Bassin minier du Pas-de-Calais (département qui fut de ceux sévèrement touché par une désindustrialisation de grande envergure).

En 1999, alors que La Fabrique Théâtrale venait tout juste d'être investie - lieu situé sur la Base 11/19 de Loos-en-Gohelle -, Culture Commune obtient le label "scène nationale". Détentrice de cette nouvelle reconnaissance, elle confirmera son action au service du territoire, pour inciter artistes, communes, actrices et acteurs du terrain et habitants(es) à travailler ensemble autrement, par le prisme de la culture. En 2014, arrive, à la direction de la structure, Laurent Coutouly qui poursuit encore aujourd'hui les actions imaginées en 90 et les développe.

Culture Commune, c'est maintenant une équipe engagée et dynamique qui développe des actions artistiques et culturelles en lien avec des artistes et la population sur un vaste territoire urbain et rural composé de plus de 150 communes. Elles ont lieu tout au long de l'année, à la Fabrique Théâtrale, à proximité et dans les communes, mais aussi en itinérance. Pluridisciplinaire, le projet de Culture Commune s'appuie sur deux axes artistiques et culturels, à savoir "les écritures" et "le corps en mouvement". Cela permet d'approcher différentes démarches artistiques et d'accueillir une large palette d'artistes (auteurs, metteurs en scène, circassiens ou chorégraphes, etc.), pour certains en résidence afin de privilégier une politique de soutien au long cours de ces derniers.

Guy Alloucherie (avec sa compagnie Hendrick Van der Zee ou HVDZ, fondée en 1997) est depuis quelques années résident et artiste compagnon de Culture Commune… Ainsi, c'est sur le plateau de la Fabrique Théâtrale, il y a presque 25 ans, que s'est construite la création de ce classique des arts du cirque, "C'est pour toi que je fais ça !", revisité cet automne avec adresse et fougue par son concepteur et les quatorze étudiants circassiens issus de la 34e promotion du CNAC. C'est donc une longue trajectoire commune qui se poursuit avec la structure nordiste.

"C'est pour toi que je fais ça !" fut la première confrontation de Guy Alloucherie avec les arts du cirque. Pour cette création, il explora les champs de rencontres possibles entre le théâtre, le cirque et la danse, ce qui fut une première dans un univers circassien qui avait connu une première "révolution" en quittant la tradition et qui allait en connaître une seconde en découvrant, après la concrétisation de ses recherches, la possibilité de l'expression émotionnelle, de la mise en place de situations théâtrales et d'une dramaturgie exprimée dans les comportements d'artistes habitués à un cirque mis en scène, certes, mais resté très technique.

La reprise de "C'est pour toi que je fais ça !" en 2021 est l'occasion d'une nouvelle expérimentation et d'une nouvelle recherche collective avec des étudiants représentant une génération très actuelle, porteuse de nouveaux codes, de parcours distincts, de regards sur le monde différents, même s'ils sont issus du même CNAC que les artistes créateurs de 1997. Si les bases du spectacle sont restés les mêmes, notamment son aspect pluridisciplinaire, le travail collectif a permis d'amener des disciplines qui sont spécifiques à cette 34e promotion ; et, surtout, d'exprimer des situations théâtrales qui appartiennent à leur jeunesse du "XXIe siècle" !

D'emblée, le décor est planté, composition aérée propice aux passages, aux stationnements, aux rencontres… Un fauteuil, un canapé, un comptoir de bar et des agrès (planche coréenne, fil de fer... ou plutôt de corde, mât chinois, trapèze volant), chaque élément ayant une future vocation acrobatique, à titre de support ou de base technique à la réalisation d'un numéro de cirque ; ou étant le théâtre de scènes en mode de tentatives relationnelles ou conflictuelles pour les trois premières citations mobilières. D'autres (cerceau ou roue allemande), en humeur de mobilité, apparaîtront au cours du spectacle sous le jeu talentueux de leurs jeunes praticiens. L'ambiance est au hall de gare, aux quais sans destinations affichées, aux va-et-vient, aux échanges et aux rendez-vous inattendus.

Dans cet espace porteur d'imaginaire ferroviaire riche en déambulations, les individualités vont se frictionner, se friter, se reconnaître, s'assembler en construction d'amour ou d'amitié, en duo, trio, quatuor, etc. Puis, parfois, se regroupent en une ou deux formations de cinq à sept individus pour faire chorus, offrant alors une chorégraphie aux gestes répétés, corps, bras et mains, en parfaite harmonie et maîtrisés, mais sans intention apparente, sans déplacement, mais comme limité à un îlot fictif.

S'ajoutent alors aux expressions émotionnelles théâtralisées - nourries d'une narration faites de monologues originelles ou d'improvisations fertiles -, dont l'histoire, le récit, la romance sont laissés à l'interprétation, voire à l'élaboration imaginative des spectateurs, des performances circassiennes dont les élans acrobatiques frisent la perfection. Tout est fluide et, surtout, sans temps mort, l'espace et le temps étant en permanence occupés par de multiples séquences entrecroisées.

Nul n'est besoin de se référencer à la création native tant cette "recréation" est féconde et généreuse, tant Guy Alloucherie a su accompagner avec lucidité et luminosité cette nouvelle conception et tant cette 34e promo d'où jaillit 14 vrais et remarquables talents apporte son énergie espiègle et sa maîtrise technique si talentueuse… Tous ont approché et se sont emparés de l'art de la pluridisciplinarité qui s'additionne si bien aujourd'hui aux arts du cirque !

Initialement, spectacle de fin d'études de la 9e promotion du CNAC (Centre national des arts du cirque) créé en 1997.
Repris et adapté par les étudiant·e·s de la 34e promotion du CNAC.
Metteur en scène : Guy Alloucherie.
Assistante et dramaturge : Martine Cendre.
Création musicale (1997) : Riké.
Chorégraphe : Marie Letellier.
Scénographe (1997) : José Froment.
Création lumières (1997) : Stéphane Auber, assisté de Charlotte Beaufort.
Enseignante référente CNAC : Marie Seclet.
Régie générale : Jean Louis Vandervliet.
Régie technique : Grégoire Bersot.
Régie Agrès : Guillaume Bes.
Les 14 étudiant·e·s de la 34e promotion du CNAC : Noa Aubry, Alice Binando, Tomas Denis, Jef Everaert, Yannis Gilbert, Julien Ladenburger, Marisol Lucht, Elena Mengon, Niels Mertens, Carolina Moreira Dos Santos, Matiss Nourly, Pauline Olivier de Sardan, Thales Peetermans, Tiemen Praats.
Tout public.
Durée : 1 h 20.

A été représenté du 7 au 9 octobre 2021 à 20 h.
Sous chapiteau à Culture Commune/Fabrique Théâtrale, Base 11/19, Loos-en-Gohelle (62).

>> culturecommune.fr
>> hvdz.org

26 et 27 octobre 2021.
Mardi 26 à 20 h 30 et mercredi 27 à 16 h 30.
CIRCa - 34e Festival du cirque actuel.
Dôme - CIRC, allée des Arts, Auch (32), 05 62 61 65 00.
>> circa.auch.fr
>> Billetterie CIRCa en ligne

C'est beau, frais, tissé d'art et de poésie. Cette création est un puzzle où chaque pièce est un élément qui s'emboîte, s'imbrique dans un ensemble plus vaste. Tout s'ordonne autour du thème du cycle de l'absurde à travers les comportements, relations et caractères de chaque personnage. Ainsi on y découvre, entre autres types qui englobent un vaste panel d'émotions, un "romantique" avec sa balle, un suicidaire, une jalouse, un ami encombrant et une volée avec son voleur au détour de la fidélité, du désespoir, de l'amour, de l'amitié, de tensions, d'aide et de camaraderie.

Lumière sombre sur une scène circulaire autour de laquelle est disposé le public avec en cercle la trente-deuxième promotion du CNAC (Centre National des Arts du Cirque) et au centre une balle blanche éclairée. L'entame de la représentation est à l'image de la troupe, ensemble et jamais en solo dans des numéros où un clair-obscur dessine plus les artistes qu'il ne les éclaire. Presque sombres, jamais vives et frontales, les lumières donnent un vrai relief à la scénographie.

La difficulté technique, indéniable, peut être passée presque au second plan car la mise en scène de Raphaëlle Boitel nous emmène dans un espace-temps où chaque bout d'histoires est nourri de théâtre, d'humour et d'une gestuelle souvent courbe, aérienne, poétique en contradiction, parfois, avec les sentiments portés par les personnages. C'est ce rapport entre ces émotions et les mouvements les accompagnant qui font du spectacle une odyssée artistique où le public peut être autant séduit par la scénographie, la musique, les fables racontées que les acrobaties.

Le théâtre, toujours physique, souvent verbale, ne s'immisce pas, il fait partie intégrante de la représentation avec de très beaux tableaux autant aériens que terriens. Le mélange des deux est aussi au menu avec des ruptures de temps et de rythme qui oscillent entre des moments méditatifs et vifs. Ainsi, numéros de cordes lisse et volante, d'acro-danse, d'équilibre sur vélo, de trapèze Washington, d'acrobaties, de trapèze fixe, de roue allemande, de portés acrobatiques, de sangles, de jongleries, de fil et de sangles s'enchaînent. Non à tour de rôle, mais en appui, voire en imbrication avec des histoires qui se relient les unes aux autres. Une sortie alterne automatiquement par une entrée, une course à une autre, une tension à une retrouvaille comme dans un vaudeville.

La terre, le sable et la poussière nous emmènent parfois à mi-chemin entre vie et mort, éveil et enterrement, cache et découverte dans une sorte de pénombre dans laquelle se glissent les tumultes de la vie. La musique, entraînante à souhait, rythme le spectacle comme une course du temps qui bat la mesure avec entrain. Un vrai délice artistique.

Mise en scène : Raphaëlle Boitel.
Avec : Tia Balacey, Guillaume Blanc, Andres Mateo Castelblanco Suarez, Aris Colangelo, Fleuriane Cornet, Alberto Diaz Gutierrez, Pablo Fraile Ruiz, Marin Garnier, Giuseppe Germini, Cannelle Maire, Maria Jesus Penjean Puig, Mohamed Rarhib, Vassiliki Rossillion, Ricardo Serrao Mendes, Erwan Tarlet.
Collaboration artistique, scénographie, lumières : Tristan Baudoin.
Musique originale : Arthur Bison.
Création costumes : Lilou Hérin.
Rigging, machinerie, complice à la scénographie : Nicolas Lourdelle.
Assistante : Alba Faivre.
Production Le CNAC.
Dès 8 ans.
Durée : 1 h 35.

Du 21 au 31 juillet 2021.
Du mardi au samedi à 20 h.
Grande Halle de la Villette, Paris 19e, 01 40 03 75 75.
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C'est léger, aérien soutenu par des chants en solo ou en chœur accompagnés de jeux théâtraux et de musique. Tous les ingrédients sont réunis pour offrir une représentation sous le couvert du rêve et du réalisme. Rêve avec ce camaïeu beige où des voiles et un portique coréen, qui balance en hauteur des éléments tels que des filets, des cordes, font la scénographie. La représentation débute dans un mini chahut des interprètes enfermés dans une bulle plastique. Ils l'entrouvrent pour débouler sur la scène, comme s'ils s'éveillaient, prêts à jouer de leur liberté corporelle.

Le premier numéro est un mélange de contorsions et de banquine avec plusieurs artistes tenant par le bout des membres supérieurs Lucille Chalopin. Elle marche sur une vague de mains qui semble être un tissu mouvant sur lequel elle se déplace. Telle une tigresse, son corps dessine des courbures dans une mer instable.

Le spectacle est basé sur l'équilibre, les cabrioles, le chant et la musique. Ces deux derniers sont très présents et très contrastés. Ils sont comme des rappels à la réalité, une réalité soit enfantine avec les comptines théâtralisées, soit un brin révolté avec des chansons tranchantes dans leur interprétation pop rock. Nous sommes continuellement à la croisée des univers du sol et des airs. Le premier où le chant et la musique ont leur pré carré. Le deuxième où le corps est dans son élément.

Bien que ce ne soit pas le seul, la bascule coréenne est un moment très réussi autour de deux partenaires qui se jouent de celle-ci pour créer une relation faite d'équilibres dans une maîtrise où l'habilité taquine la zenitude avec soin.

L'humour est aussi au rendez-vous dans les attitudes. Des acrobaties sont effectuées dans un montage humain représentant un bateau où se tient, à la proue, un interprète qui fait avec son acolyte, à l'aide de ses mains en appui pour le premier et de son corps pour le deuxième, des sauts acrobatiques.

Le mât chinois est utilisé avec une prise des mains et des pieds par deux personnes au même moment. L'exercice devient une gymnastique où la prise de contact simultanée est bien coordonnée afin que les partenaires appréhendent chacun leur distance. Il y a tant d'agilités entre les acrobates que leur aisance en est animale, quasiment comme des singes.

Le numéro du fil souple sur lequel Poppy Plowman se déplace avec, autour d'elle, un artiste se balançant dans les hauteurs, crée un jeu constant de déséquilibres maîtrisés. C'est ce décalage constant entre le sol et les airs qui fait le cœur de la représentation dans une belle mise en scène où rêve et réalité sont les deux faces d'une même pièce.

Mise en scène, dramaturgie et scénographie : Antoine Rigot et Alice Ronfard/Les Colporteurs.
Avec : Rémi Auzanneau, Hernan Elencwajg, Tanguy Pelayo, Baptiste Petit, Johannes Holm Veje, Martin Richard, Hamza Benlabied, Gwenn Buczkowski, Joad Caron, Lucille Chalopin, Noémie Deumié, Léa Leprêtre, Lili Parson, Poppy Plowman, Sandra Reichenberger, Jules Sadoughi, Léon Volet.
Composition musicale : Gaspard Panfiloff.
Création lumière : Julie Basse.
Création costumes : Fanny Gautreau.
Assistante costumes : Irène Bernaud.
Régie générale : Julien Mugica.
Régie plateau : Jacques Girier.
Régie lumière : Vincent Griffaut.
Régie son : Robert Benz.

Du 23 janvier au 17 février 2019.
Du mercredi au vendredi à 20 h, samedi à 19 h, dimanche à 16 h.
La Villette, Espace Chapiteau, Paris 19e, 01 40 03 75 75.
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Tournée
29, 30 et 31 mars : Cirque-Théâtre d'Elbeuf, Elbeuf (76).
19, 20, 21 et 22 mars :/ Théâtre municipal, Charleville-Mézières (08).
12, 13 et 14 avril : Le manège, Reims (51).
20, 21 et 22 avril : Cirk'Eole, Montigny-lès-Metz (57).