C'est un tour de magie, de passe-passe comme il en existe encore trop peu sur les scènes théâtrales. Faire d'un roman une pièce, de Dumas un bon Shakespeare, d'un écrivain foisonnant un dramaturge hors pair. Il faut reconnaître, bien que cela soit fait encore trop peu souvent, que Dumas a toutes les ficelles, tous les ressorts pour être joué sur scène. Ses romans recèlent un large panel dramaturgique, autant dans les personnages que dans la découpe et le rythme des intrigues, qui deviennent de véritables scènes qui se suivent en cascade.

D'ailleurs, au Théâtre-Lyrique, "Le Comte de Monte-Cristo" (1844) a été représentée les 2 et 3 février 1848. Le roman d'Alexandre Dumas a été inspiré de la vie de Pierre Picaud, cordonnier en chambre*, dont le récit a été fait par Antoine Allut, son assassin et l'un des quatre comploteurs ayant tramé une machination politico-judiciaire contre lui, au moment de sa mort, à un prêtre en 1828.

Pour résumer notre affaire en deux mots, le Comte de Monte-Cristo est l'histoire d'une vengeance, celle d'Edmond Dantès contre des conspirateurs jaloux. Bien que le roman soit composé d'une foultitude de personnages, nos trois comédiens, Véronique Boutonnet, Luca Lomazzi et Frank Etenna (Edmond Dantès) remplissent avec aisance et présence toute la trame dramaturgique.

L'espace vide de Peter Brook trouve sa mélodie dans le jeu. Nul décor. Ont été utilisés avec bonheur les murs du théâtre renvoyant avec véracité l'image de la cellule d'Edmond Dantès.

Autour des trois acteurs, le roman d'Alexandre Dumas bascule d'un personnage à un autre, d'un épisode à son voisin, d'une scène à sa complice. C'est magistral de simplicité et ouvert à tous les esprits, du simple au plus complexe, de l'enfant à l'adulte, de la personne qui baille à chaque réplique à celle qui suit comme un pêcheur sa ligne chaque mot qui est dit. La mise en scène botte le Q du spectateur.

C'est renversant d'intrigues, de suspens. Sur scène, les trois comédiens incarnent différentes figures du roman à l'aide d'un bandeau, d'une lampe torche aveuglante suivant l'emplacement du spectateur dans la salle et d'un châle, qui devient en l'espèce, l'étoffe même qui fait la figure d'un personnage ou celui d'un décor. Il est utilisé dans un balayement spatial pour laisser place à une nouvelle scène et à un nouveau personnage.

Faire beaucoup avec peu, le pari est largement tenu. La mise en scène est rapide, vive voire virevoltante de par la rapidité des scènes dans leur exécution et disposition. Elles s'enchaînent, les personnages défilent mais la scénographie et la trame dramaturgique gardent la quintessence de l'œuvre. La mise en scène s'axe sur les déplacements, les mouvements, sur un positionnement des personnages de côté, de biais ou frontal et de jeux de lumières où ils apparaissent dans l'obscurité ou en pleine clarté. Le rythme est soutenu et, tel un personnage à part entière, oscille entre différentes postures de jeu où la malice d'une intrigue arrive toujours à se faire jour.

C'est sobre, efficace et généreux !

* Cordonnier n'ayant pas de boutique et travaillant à domicile.

Texte : Alexandre Dumas.
Adaptation : Véronique Boutonnet.
Mise en scène : Richard Arselin.
Avec : Véronique Boutonnet, Luca Lomazzi, Franck Etenna.
Lumières : Richard Arselin.
Costumes : Les Vertugadins.
Cie Les Âmes Libres.
Durée : 1 h 25.
Tout public dès 10 ans.

•Avignon Off 2023•
Du 8 au 28 juillet 2023.
Tous les jours pairs à 18 h 55.
Théâtre Le Grand Pavois, 13, rrue Bouquerie, Avignon.
Réservations : 06 65 61 11 74.
>> legrandpavois.org

À vue, une "scène" (avec trois-quatre marionnettes au repos) posée sur un espace souterrain, véritable abri ou tanière où la vie s'organise autour d'objets hétéroclites datant de l'avant "grande numérisation" : machine à écrire, téléphone à fil, télé à tube, vieux interrupteurs de lampe en céramique, etc.

D'entrée de jeu, les spectateurs sont invités à déambuler autour de ce dispositif scénique, les séquences narratives mettant en mouvement des personnages dont les actes peuvent survenir à différents endroits des deux plateaux superposés. Ainsi ceux-ci ont la possibilité d'aborder les différentes scènes sous des angles visuels plus ou moins pertinents, devenant scrutateurs de ces petites gens qui semblent tant nous ressembler.

Et cela tant sur le plateau du dessus, classique, que dans la "cave-refuge", mystérieuse, dont l'activité et les différents éléments qui la composent sont visibles de l'extérieur grâce à un grillage à fine trame, comme un tulle fin transparent dévoilant un univers curieux et miniature excitant l'observation et l'étude.

Dans la création de Ezéquiel Garcia-Romeu, le public peut être actif. À trois-quatre moments répartis dans le spectacle, il est sollicité pour œuvrer en tant que machiniste pour descendre une ampoule à l'aide d'une cordelette, comme acteur involontaire et rejoindre le marionnettiste dans sa "boîte", ou pour porter une lettre, ou encore résoudre une panne d'électricité en pédalant sur un vélo dynamo d'appartement. La plupart des sollicitations émanent d'un appareil téléphonique à cadran circulaire datant d'un autre âge (époque XXe, début Ve République !) donnés en direct par le maître des lieux et du peuple des marionnettes.

Ces petits êtres étranges, singuliers, sont caractérisés par des actions quotidiennes et banales : attendre le bus, être sur les toilettes, regarder la télé, dormir, écrire, etc. Mais celles-ci sont comme figés dans des mouvements qui pourraient se renouveler perpétuellement, nous renvoyant comme un miroir nos attitudes routinières, interrogeant nos propres contraintes, notre inactivité, nos démissions par rapport aux problèmes cruciaux de notre planète : pollution des océans, réchauffement climatique, énergies renouvelables, traitements des déchets, guerres. Ces événements et catastrophes sont exprimés via la bande-son ou au travers de la télé (discours, déclarations, reportages…).

Comme souvent lorsque le marionnettiste manipule à vue, se dégage, le temps où brûle la flamme de vie insufflée par le "créateur", une réelle humanité des marionnettes et une profonde relation complice entre le maître et ses sujets de bois, de résine, de tissu, de mousse; de chiffons ou de tout autres matériaux utiles à la conception de ce microcosme. Et dans la représentation allégorique de ce système où nous vivons, atelier expérimental de nos futures réalités, le spectateur peut s'interroger sur sa destinée, sur sa capacité à penser… Et les marionnettes, elles, pensent-elles ?

Mise en scène, scénographie et marionnettes : Ezéquiel Garcia-Romeu.
Dramaturgie et regard extérieur : Laurent Caillon.
Jeu et manipulation : Ezéquiel Garcia-Romeu et Issam Kadichi, en alternance.
Manipulation mécanismes : Thierry Hett.
Création sonore : Samuel Sérandour.
Costumes : Cidalia da Costa et Myriam Stadjic.
Peinture des décors : Claudia Andréa Mella Diaz.
Accessoires : Sabrina Anastasio.
Dessins et peintures : Ezéquiel Garcia-Romeu.
Durée : 1 h.

Du 4 au 13 mai 2017.
Mardi, jeudi, vendredi à 20 h, mercredi à 19 h, samedi à 16 et 20 h.
Scolaires : jeudi 4 et mardi 9 à 14 h 15, mercredi 10 et jeudi 11 à 9 h 30.
Théâtre La Criée, Petit Théâtre, Marseille 7e, 04 91 54 70 54.
>> theatre-lacriee.com

Gilles Cailleau est en gestation d'une nouvelle œuvre artistique... et un nouveau monde devrait naître ! Cela a commencé il y a quelques mois, à la Passerelle à Gap notamment. Puis il s'est installé à la Gare Franche à Marseille. Amoureux du lieu, il a décidé de s'y poser durant un mois afin de répéter dans l'Usine (voir ci-dessous détail sur la Gare Franche) "Le Nouveau Monde", un projet encore en construction dont la naissance, l'apparition au monde, devrait avoir lieu à l'occasion de la deuxième biennale des Arts du Cirque de Marseille en février 2017.

En cohérence avec sa démarche habituelle d'élaboration créative ouverte au public, aux gens d'où qu'ils soient, socialement, professionnellement, ethniquement, quel que soit leur univers d'origine, il investit cette fabrique, métamorphose entre théâtre et plateau de cinéma, où tous peuvent se croiser, s'arrêter pour voir l'artiste créer, explorer, essayer. Là, Gilles Cailleau élabore une histoire générale et poétique du XXIe siècle, une création comme un voyage pour imaginer la suite de ce qu'est le monde aujourd'hui, ce qui va venir, l'après cet inconnu ; et, comme un enfant, émettre des hypothèses.

En complément de ce temps d'exploration, d'écoute, d'échanges et de conception, il présente le soir dans son chapiteau parapluie "Gilles et Bérénice". Créé en 2011 au Quai des Rêves à Lamballe (22), ce spectacle est un parcours solo d'une étonnante tonicité où Gilles Cailleau nous donne à découvrir une version d'une étrange modernité, entre cirque et déambulatoire en espace clos (un joli paradoxe !), des amours adolescentes qu'offre à lire en alexandrins Racine dans son "Bérénice".

"C'est ça qui est magnifique et mystérieux dans Bérénice, l’implacable adresse du langage de Racine, dans laquelle s’incarne la maladresse incroyable de ses héros. Dans cette langue si pure, ces 2 garçons et cette fille bafouillent. Ils cafouillent en alexandrin. La poésie de la pièce, ce n’est pas la pureté de son langage, c’est le mariage improbable entre des contraires : la perfection du langage et le bredouillage des sentiments." Gilles Cailleau.

La Gare Franche est un lieu atypique situé dans le XVe arrondissement de Marseille, dans le "village" de Saint-Antoine, dédié aux créations et événements pluridisciplinaires, allant du théâtre aux arts de la rue en passant par le cirque, la musique, les arts plastiques et la danse. C'est un espace composé d'une usine de 1 250 m² (intégrant un théâtre de 689 m²), d'une bastide de 350 m² (lieu social et de vie des artistes, des invités et autres, avec chambres, cuisine, salle à manger, bureaux, etc.) et un jardin de 1 000 m²… plus un poulailler avec oies, poules, lapins ; et plus si affinités !

Elle a été fondée en 2001 par Wladyslaw Znorko (avec sa compagnie Le Cosmos Kolej) et fut pensée dès le départ par celui-ci comme une enclave poétique ouverte qui doit participer au désenclavement du quartier. Avec les jardins qui deviennent rapidement un territoire de partage pour les résidents de la cité et l'ouverture des lieux de répétitions, de recherches artistiques aux voisins et au public en général, la Gare Franche devient un lieu de rencontres et d'échanges… et une zone de passage pour les habitants entre la cité de Plan d'Aou et le noyau villageois de Saint-Antoine.

Aujourd'hui, et après la disparition de Wladyslaw le 5 mars 2013, elle reste une fabrique artistique basée sur le système des résidences. Les durées et les types de résidence peuvent être très variables, ainsi que les modalités d’accueil. Trois modes principaux coexistent. Premièrement "Les Habitants" qui peuvent y résider de manière intensive et dans la durée. L’accompagnement est pensé de manière globale et adapté à chaque projet (aide au montage de production, visibilité du projet, espaces de travail, etc.). L’équipe de la Gare Franche sera coproducteur et/ou chef de file des productions et travaillera avec une attention soutenue à la mise en réseau de ces projets.

Ensuite, le "Port d'attache" est un cycle de trois ans. L'artiste est à l’a(e)ancre et la Gare Franche devient son port d’attache, point de départ d’un dialogue poétique avec les voisins. Il y pose ses valises, imagine des projets pour le lieu et y poursuit son travail de création. C'est le cas actuellement de la Compagnie Vol Plané d'Alexis Moati. Il imagine comme matière première à leur prochaine création une adaptation du film de Sydney Lumet, "À bout de course". La présence à la Gare Franche permet à la compagnie d’affirmer un processus de création expérimental qui devrait aboutir en 2018.

La porte reste ouverte à d’autres projets sur des formes plus légères d’accompagnement. Les artistes accueillis comme Gilles Cailleau peuvent mêler plusieurs modes d’expressions artistiques : théâtre, danse, cinéma, arts plastiques, marche, création sonore ou vidéo. Les durées de résidence sont variables et dépendent de la nature et de l’avancement du projet : de quelques jours de retrait propice à l’écriture, au travail de plateau, de l’immersion dans le quartier à la confrontation avec un public ; tous les types de résidence peuvent être pensés à la Gare Franche !

"Gilles et Bérénice"
Écriture et scénographie : Gilles Cailleau et Jean Racine.
Avec : Gilles Cailleau.
Grand accoucheur : André Gighlione.
Costumes : Virginie Breger avec la participation de Patou Bondaz.
Décor et accessoires : Christophe Brot.
Lumières : Nils Brimeur.
Avec l’aide musicale involontaire de : Nick Cave, Richard Cocciante, P. J. Harvey, Kylie Minogue, Cat Power.
Cie Attention fragile.
Durée : 2 h.
Tout public à partir de 13 ans.

Du 30 septembre au 16 octobre 2016.
Vendredi et samedi à 20 h, dimanche à 16 h.
Samedi 8 octobre soirée spéciale : à 18 h, un bon moment avec "Le Nouveau Monde", création en cours et à 21 h, "Gilles et Bérénice".
La Gare Franche, sous chapiteau, 7, Chemin des Tuileries, Marseille 15e, 04 91 65 17 77.
>> lagarefranche.org

"Le Nouveau Monde"
Nouvelle création de Gilles Cailleau.
Cie Attention Fragile.
Pôle Jeune Public - Scène conventionnée.
Sous le chapiteau de l’École Fragile, 1140 avenue Pablo Picasso, La Valette-du-Var (83).
Réservation >> Pôle Jeune Public
Tél. : 06 17 45 84 59.

Lundi 30, mardi 31 janvier 2017 et jeudi 2 février 2017 à 14 h 30 (représentation scolaire).
Vendredi 3 février à 10 h (représentation scolaire).
Biennale Internationale des Arts du Cirque de Marseille Creac Archaos.
Samedi 4 février à 14 h, première tout public.
Dimanche 5 février à 17 h.

C'est qu'elle a des raisons de l'être. Sur scène, la comédienne se montre sûre de son métier et rigoureuse dans ses effets. Attentive. Généreuse. Elle est une comédienne qui montre qu'elle aime son métier et son public.

Dans "Touchée par les fées", elle déroule le fil du récit de sa vie que Marie Desplechin a su mettre en bouche en un pastis joyeux. Il y a Marseille, son père italien et résistant, ses deux frères, et la troupe amateur des Quatre vents issue elle aussi de la Résistance. Pagnol et Brecht.

Et puis ses rêves de petites filles. Danser comme Noureev et jouer Puck… C'est toute une vie racontée comme en une confidence, en toute simplicité et franchise. Une enfance jamais vraiment perdue retrouve intensité.

Soutenue dans son spectacle par le chorégraphe Thierry Thieû Niang, Ariane Ascaride lance des arabesques et Ariane est Puck.

Dans la simplicité du plaisir, le spectateur croit aux bonnes fées, de celles qui font émerger la Beauté et les sentiments. Le goût de l'Art dans sa simplicité et sa sophistication.

Texte : Marie Desplechin.
Mise en scène : Thierry Thieu Niang.
Avec : Ariane Ascaride.
Éclairagiste : Jimmy Boury.
Costumière : Merima Trailovic, Lucie Mestre.
À partir de 10 ans.
Durée : 1 heure.
Production Les Petites Heures.

● Avignon Off 2016 ●
Du 7 au 30 juillet 2016.
Petit Louvre, Chapelle des Templiers,
3, rue Félix Gras.
Tous les jours à 16 h 35.
Relâche les 12 et 19 et 26 juillet.
Tél. : 04 32 76 02 79.
>> theatre-petit-louvre.fr

C'est un tour de magie, de passe-passe comme il en existe encore trop peu sur les scènes théâtrales. Faire d'un roman une pièce, de Dumas un bon Shakespeare, d'un écrivain foisonnant un dramaturge hors pair. Il faut reconnaître, bien que cela soit fait encore trop peu souvent, que Dumas a toutes les ficelles, tous les ressorts pour être joué sur scène. Ses romans recèlent un large panel dramaturgique, autant dans les personnages que dans la découpe et le rythme des intrigues, qui deviennent de véritables scènes qui se suivent en cascade.

D'ailleurs, au Théâtre-Lyrique, "Le Comte de Monte-Cristo" (1844) a été représentée les 2 et 3 février 1848. Le roman d'Alexandre Dumas a été inspiré de la vie de Pierre Picaud, cordonnier en chambre*, dont le récit a été fait par Antoine Allut, son assassin et l'un des quatre comploteurs ayant tramé une machination politico-judiciaire contre lui, au moment de sa mort, à un prêtre en 1828.

Pour résumer notre affaire en deux mots, le Comte de Monte-Cristo est l'histoire d'une vengeance, celle d'Edmond Dantès contre des conspirateurs jaloux. Bien que le roman soit composé d'une foultitude de personnages, nos trois comédiens, Véronique Boutonnet, Luca Lomazzi et Frank Etenna (Edmond Dantès) remplissent avec aisance et présence toute la trame dramaturgique.

L'espace vide de Peter Brook trouve sa mélodie dans le jeu. Nul décor. Ont été utilisés avec bonheur les murs du théâtre renvoyant avec véracité l'image de la cellule d'Edmond Dantès.

Autour des trois acteurs, le roman d'Alexandre Dumas bascule d'un personnage à un autre, d'un épisode à son voisin, d'une scène à sa complice. C'est magistral de simplicité et ouvert à tous les esprits, du simple au plus complexe, de l'enfant à l'adulte, de la personne qui baille à chaque réplique à celle qui suit comme un pêcheur sa ligne chaque mot qui est dit. La mise en scène botte le Q du spectateur.

C'est renversant d'intrigues, de suspens. Sur scène, les trois comédiens incarnent différentes figures du roman à l'aide d'un bandeau, d'une lampe torche aveuglante suivant l'emplacement du spectateur dans la salle et d'un châle, qui devient en l'espèce, l'étoffe même qui fait la figure d'un personnage ou celui d'un décor. Il est utilisé dans un balayement spatial pour laisser place à une nouvelle scène et à un nouveau personnage.

Faire beaucoup avec peu, le pari est largement tenu. La mise en scène est rapide, vive voire virevoltante de par la rapidité des scènes dans leur exécution et disposition. Elles s'enchaînent, les personnages défilent mais la scénographie et la trame dramaturgique gardent la quintessence de l'œuvre. La mise en scène s'axe sur les déplacements, les mouvements, sur un positionnement des personnages de côté, de biais ou frontal et de jeux de lumières où ils apparaissent dans l'obscurité ou en pleine clarté. Le rythme est soutenu et, tel un personnage à part entière, oscille entre différentes postures de jeu où la malice d'une intrigue arrive toujours à se faire jour.

C'est sobre, efficace et généreux !

* Cordonnier n'ayant pas de boutique et travaillant à domicile.

Texte : Alexandre Dumas.
Adaptation : Véronique Boutonnet.
Mise en scène : Richard Arselin.
Avec : Véronique Boutonnet, Luca Lomazzi, Franck Etenna.
Lumières : Richard Arselin.
Costumes : Les Vertugadins.
Durée : 1 h 25.
Tout public dès 10 ans.

Reprise !
Du 17 septembre 2016 au 29 janvier 2017.
Samedi et dimanche à 17 h 30.
Tous les jours des vacances scolaires de la Toussaint du 24 octobre au 1er novembre. Pendant les vacances scolaires de Noël du 17 au 23 et du 28 au 30 décembre 2016.
Supplémentaire le 11 novembre.
Relâche les 22, 23 et 24 octobre ; 20 novembre ; 24 et 25, 31 décembre ; 1er janvier.
Essaïon Théâtre, Paris 4e, 01 42 78 46 42.
>> essaion.com

● Avignon Off 2016 ●
Du 7 au 30 juillet 2016.
Théâtre des Barriques, Salle Rouge,
8, rue Ledru Rollin.
Tous les jours à 14 h 55.
Tél. : 04 13 66 36 52.
>> theatredesbarriques.com