Cela ressemble à un film à suspense. "Big Mother" est présenté d'ailleurs comme un thriller politico-journalistique. Ses atours sont cinématographiques avec son script de fin, ses personnages présentés comme dans une série et leurs noms inscrits à tour de rôle, en début comme en fin de représentation, sur un bandeau lumineux en fond de scène. La trame l'est tout autant avec sa découpe scénique et son rythme. Ici l'action gouverne avec ses rebondissements et ses plongées dans le passé pour remonter le cours du temps afin d'apporter un éclairage aux événements. La première scène relève presque du théâtre de l'absurde, car elle intervient réellement aux trois quarts de la pièce. L'échelle temporelle est bousculée pour situer le spectateur au cœur même de l'intrigue.

La trame est composée d'une multitude de scénettes qui rythment la pièce. Les actions s'enchaînent en cascade et déroulent une enquête journalistique à suspense sur fond politique, dans laquelle les réseaux sociaux, le populisme et la désinformation sont au cœur. Différentes ruptures scandent le rythme de la pièce, comme dans deux scènes où des pas de danse sont effectués, et quand Marine Llado incarne, en chantant, une pop star. C'est surtout une plongée au cœur du monde de la presse avec une rédaction de journalistes, une reporter sur le terrain et une voiture avec deux enquêteurs sur une route qui défile en arrière-fond comme dans un film des années soixante.

Des téléphones portables sonnent souvent, on assiste à une réunion en vidéoprojecteur, les ordinateurs portables sont utilisés. Tout s'inscrit dans notre modernité. La trame puise sa source dans les excès et égarements de l'information véhiculée par les réseaux sociaux et utilisés sciemment par un parti politique extrémiste appelé "Démocratie radicale", qui est tout sauf pour la démocratie et la transparence comme ce qu'il prône. A-t-on déjà vu un parti extrémiste adepte de la démocratie ? L'autrice et metteuse en scène Mélody Mourey montre que, comme les OVNI, le peuple, que ce parti prétend incarner, ainsi que les journalistes et opposants politiques, sont des "Objets Vénéneux Non Imaginables" pour lui.

Les comédiens ont un jeu de qualité évident, par essence marqué, et ne demandant pas, afin de coller à un thriller psychologique, de grande subtilité émotionnelle, les événements s'enchaînant en cascade. Toutefois, est exigé une grande rapidité d'exécution dans les gestes, avec une maîtrise des ruptures de jeu que les comédiens assurent en jouant aussi parfois plusieurs personnages.

La fin n'est pas celle d'une fable d'enfant. Elle est en effet ancrée dans une réalité qui existe déjà et pourrait advenir rapidement, dans une échelle beaucoup plus grande et dangereuse, si chacun d'entre nous ne prend pas garde. Mélody Mourey pointe les dangers de l'extrémisme politique et de la manipulation de l'information et des réseaux sociaux. Un petit bonheur artistique à savourer aujourd'hui et à bien retenir pour les prochaines élections présidentielles. Elle nous aura bien prévenus !
◙ Safidin Alouache

Texte : Mélody Mourey (Les Crapauds Fous) (La Course des Géants).
Mise en scène : Mélody Mourey.
Avec (en alternance) : Étienne Beydon, Ariane Brousse, Anne Buffet, Benoît Cauden, Éric Chantelauze, Solène Cornu, Anatole de Bodinat, Axel Huet, Jordi Le Bolloc'h, Marine Llado, David Marchal, Karina Marimon, Loris Mercatelli, Laurence Oltuski, François Pouron, Milena Sansonetti, Maud Saint-Jean, Marie-Laurence Tartas, Alexandre Texier, Enora Texier.
Scénographie : Olivier Prost.
Lumières : Arthur Gauvin.
Costumes : Bérengère Roland.
Musique : Simon Meuret.
Vidéos : Édouard Granero, Laure Cohen et Emmanuelle Buchet, assistés de Clémentine Kosh.
Une production Théâtre des Béliers Parisiens.
Durée : 1 h 40.

Jusqu'au 1ᵉʳ novembre 2026.
Du mardi au samedi à 19 h dimanche à 17 h.
À partir du 1ᵉʳ septembre, lundi, mardi, mercredi, dimanche à 19 h, samedi à 17 h.
Théâtre des Béliers Parisiens, 14 bis, rue Sainte Isaure Paris 18ᵉ.
Téléphone : 01 42 62 35 00.
>> Billetterie en ligne
>> theatredesbeliersparisiens.com

Le plateau est large et sobre. Se presse un ensemble de suivants autour d'un protagoniste qui, à nu, se loge dans une baignoire pour se laver. Il se sèche pour repartir toujours accompagné par ceux-ci. Il n'y a nul contact entre eux.

En arrière-scène, en lettres blanches sur fond noir, se glisse, affichée, une question sur l'identité de cet homme. Comme si un doute pouvait naître quant à la réponse. Tartuffe (Christophe Montenez), ce faux dévot, se lave le corps comme Pilate pouvait bien se laver les mains. La scénographie de Koen Tachelet est de couleur noire et blanche. Les éléments sont disposés par des accessoiristes, situés en arrière-scène, qui se mêlent aux protagonistes. Ils interviennent en tant que témoins d'un drame qui se construit par leur aide, sans pouvoir intervenir pour le faire modifier.

Les rituels sont très présents dans l'adaptation de Ivo Van Hove. Ce sont des rituels d'entrée et de présentation des personnages. Pour Tartuffe, ces deux procédés sont combinés. À l'entame du spectacle, comme nous l'avons vu précédemment, on le découvre, entouré, dans un toilettage fait en silence et plus loin, il se fouette le dos pour rejoindre les escaliers et ensuite le plateau, comme pour se laver de ses pêchés dans le premier cas et s'en punir pour le second.

Durant la représentation, en arrière-scène, s'étalent sur un écran noir et en lettres blanches des propos et des questionnements en relation directe avec ce qui se joue sur les planches. Comme si le public devait se questionner sur certains temps forts ou à découvrir leur contexte par ces indications, parfois ouvertes ou fermées. L'approche est presque brechtienne, sans que le jeu le soit.

Tartuffe est savamment mis en exergue dans ses caricatures. On le voit se fouetter le dos, recouvert de sa chemise. Dans chaque tableau se joue un suspense dramaturgique. Chaque séquence est un temps fort qui débute scénographiquement avec une lumière blanche, accompagnée d'un son sec et claquant, qui éclaire la scène et deux protagonistes, souvent face à face, dans un périmètre de jeu délimité par un plateau blanc. Tout est à distance, mais les contacts sont constants. On s'empoigne, on se bat, on s'engueule, on crie, on gesticule, on se caresse, on s'enjambe, on se cache, on se voit, on s'espionne. Tout le panel des émotions est décliné autant par le verbe que par le geste, autant par la parole que par le corps, autant par le cri que par l'éclat. Le silence fait aussi ses entrées en donnant aux propos une résonance qui va au-delà des mots pour les habiller du costume du ressenti.

Tout est tension. Tartuffe, superbement interprété par Christophe Montenez, est presque diabolique quand il hurle, ses cris accompagnant une gestuelle des mains très physique, ample et parfois violente. Le reste du temps, sa voix est posée, à dessein traînante et pesante, pour porter avec elle une obole de suspicion, de doute. Ainsi, avant même qu'un mot ne sorte de sa bouche, c'est par son maintien et son attitude qu'est décliné Tartuffe. L'habit fait ainsi le moine.

Ivo Van Hove a adapté la version du classique de Molière en trois actes, interdite en 1664. C'est un inédit. Celui-ci est plus tranché, rapide, violent dans les ruptures dramaturgiques et dans le conflit familial qui oppose Orgon (Thierry Hancisse) à son fils Cléante (Loïc Corbery), et dans l'attrait sexuel et de fausse séduction entre Elmire (Marina Hands), la femme d'Orgon, et Tartuffe.

La musique apporte une touche presque tragique. L'habillement est contemporain. Costumes, cravates pour les hommes, tailleurs et jupes pour les femmes. C'est assez strict, comme les mots qui sont pesés et dits avec beaucoup d'intention et d'attention pour, entre autres, Tartuffe qui reste un parangon dans ses démonstrations religieuses et lubriques. Son hypocrisie, dénoncée par les autres personnages, emporte avec elle un maniérisme qui lui sied.

La mise en scène de Van Hove est simple et directe, comme en écho à la sobriété des décors très bien agencés. Un voile très énigmatique entoure le final où les personnages sont en costumes de ville avec, entre autres, Orgon portant une longue cape rapiécée et Cléante, habillé d'un jean, avec un porte-voix à la main. C'est un retournement situationnel autant dans les mœurs, contestataire dans cette scène, que social, par leur urbanité populaire, où les mœurs religieuses du XVIIe siècle ont quitté leur lit pour aller épouser celle d'une modernité beaucoup plus épanouissante. Comme celle que nous a donnée à voir Ivo Van Hove !
◙ Safidin Alouache

Version interdite en trois actes de 1664.
Restituée par Georges Forestier avec la complicité d'Isabelle Grellet.
Mise en scène : Ivo Van Hove.
Assistant à la mise en scène : Laurent Delvert.
Avec la troupe de la Comédie-Française : Thierry Hancisse, Sylvia Bergé, Loïc Corbery ou Stéphane Varupenne en alternance, Christophe Montenez, Julien Frison, Marina Hands, Christine Brücher, Diego Andres, Chahna Grevoz, Hippolyte Orillard, Lila Pelissier, Alessandro Sanna, Sara Valeri.
Dramaturgie : Koen Tachelet.
Scénographie et lumières : Jan Versweyveld.
Assistant à la scénographie : Jordan Vincent.
Assistant aux lumières : François Thouret.
Costumes : An D'Huys.
Musique originale : Alexandre Desplat.
Collaboration musicale : Solrey.
Édition musicale : Galilea Music.
Son : Pierre Routin.
Vidéo : Renaud Rubiano.
Production : Comédie-Française. Coréalisation : La Villette.
Déconseillé au moins de 15 ans.
Durée : 2 h avec entracte.

Du 21 mai au 11 juillet 2026.
Grande Halle de la Villette, 211 avenue Jean Jaurès, Paris 19ᵉ.
Téléphone : 01 40 03 75 75.
>> Billetterie en ligne
>> lavillette.com

Pénétrer dans ce lieu qu'est le Cirque Électrique, situé dans le 20e arrondissement de Paris, c'est déjà un spectacle en soi. C'est "une identité, un mode de vie, une habitation, un lieu culturel et itinérant qui développe un univers hybride, entre le mythe d'une tradition de cirque et la réalité d'une culture urbaine" (sic).

Alors, quand il propose au public son nouveau spectacle, "Chromarium", tout cela prend une dimension encore plus flagrante, spatio-temporellement décalée et hautement lumineuse. À l'heure où la technologie semble vouloir supplanter l'être humain, avec l'IA notamment, on peut, par contre, saluer ici son avancée positive, car quand ces deux entités commercent avec intelligence et savoir-faire, les résultats ne peuvent être que du plus bel effet ! Avec "Chromarium", le public le mesure largement.

Les deux complices, torche à la main, entrent par les gradins et inspectent les lieux, suspicieux et comme investis d'une aura énigmatique. Puis les effets de magie lumineuse jaillissent rapidement, magnifiés par une musique originale, harmonieuse et hypnotisante, qui plonge immédiatement le public dans l'atelier du sorcier-alchimiste énigmatique.

Zartan connaît bien son métier et, sous ses doigts agiles, élégamment vêtu de noir, longue chevelure noir de jais, divers objets plus ou moins identifiés prennent vie sous les yeux écarquillés des spectateurs : le bâton, le bolas, le buugeng, la balle contact, etc. Pas de lapin blanc ni de colombe dans "Chromarium", mais de la couleur virevoltante, hypnotisante, immersive, et d'une très belle plasticité visuelle. "Chromarium" ou la technique devenue un art au service de la poésie.

Le spectacle gagnerait peut-être en davantage de trame et de dimension dramaturgique, comme dans la relation entre Zartan et Andy, ou encore dans les propres réactions du sorcier-alchimiste face à son travail, dimension qui apporterait à ce très beau spectacle une ampleur supplémentaire, probablement encore plus captivante.

Car ici, "seules" les manipulations visuelles réalisées, cela dit avec une grande dextérité, sont à l'œuvre, lesquelles seraient de la sorte encore plus largement magnifiées. Mais, néanmoins, Laury Chanty, ex-assistant de Daft Punk par ailleurs, embarque le public avec brio dans son univers chatoyant et musical. Les enfants rient. Les parents sont séduits, et ensemble, ils effectuent un voyage hors du temps, sidéral et envoûtant.
◙ Brigitte Corrigou

Écriture : Laury Chanty.
Performance : Laury Chanty et Antoine Redon.
Par la Compagnie Zartan.
Tout public à partir de 5 ans.
Durée : 45 minutes.

Du 16 au 20 avril 2025.
Mercredi à dimanche à 15 h.
Cirque Électrique, Place du Marquis du Vercors, Paris 20e, 09 54 54 47 24.
>> cirque-electrique.com

Vous avez certainement entendu parler de "l'effet papillon", expression inventée par le mathématicien-météorologue Edward Lorenz, inventeur de la théorie du chaos, à partir d'un phénomène découvert en 1961. Ce phénomène insinue qu'il suffit de modifier de façon infime un paramètre dans un modèle météo pour que celui-ci s'amplifie progressivement et provoque, à long terme, des changements colossaux.

Par extension, l'expression sous-entend que les moindres petits événements peuvent déterminer des phénomènes qui paraissent imprévisibles et incontrôlables ou qu'une infime modification des conditions initiales peut engendrer rapidement des effets importants. Ainsi, les battements d'ailes d'un papillon au Brésil peuvent engendrer une tornade au Mexique ou au Texas !

C'est à partir de cette théorie que le mentaliste Taha Mansour nous invite à nouveau, en cette rentrée, à effectuer un voyage hors du commun. Son spectacle a reçu un succès notoire au Sham's Théâtre lors du Festival d'Avignon cet été dernier.

Impossible que quiconque sorte "indemne" de cette phénoménale prestation, ni que nos certitudes sur "le monde comme il va", et surtout sur nous-mêmes, ne soient bousculées, chamboulées, contrariées.

"Le mystérieux est le plus beau sentiment que l'on peut ressentir", Albert Einstein. Et si le plus beau spectacle de mentalisme du moment, en cette rentrée parisienne, c'était celui-là ? Car Tahar Mansour y est fascinant à plusieurs niveaux, lui qui voulait devenir ingénieur, pour qui "Centrale" n'a aucun secret, mais qui, pourtant, a toujours eu une âme d'artiste bien ancrée au fond de lui. Le secret de ce spectacle exceptionnel et époustouflant serait-il là, niché au cœur du rationnel et de la poésie ?

Tours de magie, défilé de mode sur la théorie du chaos, principe d'influence, notion de voyance ou d'hypnose, s'enchaînent et se répondent dans une mise en scène intimiste, sombre et feutrée qui, à n'en point douter, renforce le sentiment d'incompréhension et de fascination du spectateur.

Mais rassurez-vous : Tahar Mansour n'est pas David Copperfield ! Vous ne verrez pas disparaître la Tour Eiffel sous vos yeux et il est fort probable que ce soient vos convictions qui vont s'étioler et s'envoler, emportées au fil d'un simple vol de papillon, loin, très loin de votre moi d'avant. N'oublions pas d'évoquer la poésie omniprésente de ce show fascinant qui, encore une fois, vous fera chavirer et vous invitera à laisser en coulisses vos convictions cartésiennes les plus rationnelles.

L'enthousiasme avec lequel le comédien mentaliste agence son moment de spectacle s'affiche dès les premières secondes et il vous emporte sans commune mesure. Mais ne pensez pas que Tahar Mansour possède une longue expérience de plusieurs années ! C'est au contraire un tout jeune homme souriant et communicatif pour qui l'idée de spectacle est née lors de son année de Terminale. Une âme bien née qui, de toute évidence, n'a pas attendu le nombre des années pour briller et être au firmament. Ne pensez pas non plus qu'il vous en dira beaucoup ! Loin de là. Laisse-vous porter par la magie et le talent de Taha et vous oublierez certainement les convictions que vous aviez en entrant dans la salle.

Au moment des funérailles d'Edward Lorenz en 2008, un de ses proches a dit de lui qu'il était "un gentleman, un modèle d'intelligence (…) et de modestie". Osons rapporter à Tahar Mansour ce bien joli compliment, car il le mérite amplement.

Si vous n'avez toujours pas assisté à "L'Effet Papillon", courez vite au Studio Hébertot, à la reprise de ce spectacle hors du commun, pour y faire la connaissance de Tahar Mansour, "détective de la pensée" comme il se nomme lui-même.

Son charisme envoûtant, son humour et son aisance communicative vous séduiront sans commune mesure. Et surtout, dites-vous que la décision que vous aurez prise en allant assister à ce spectacle aura des conséquences notoires sur vous-même !

Spectacle mentaliste.
Texte et conception : Taha Mansour.
Mise en scène : Taha Mansour.
Avec : Tahar Mansour (et la participation du public).
Composition musicale : Antoine Piolé.
Durée : 1 h 20.
Spectacle magique de l'Année 2023 (Fédération Française des Artistes Prestidigitateurs).
Prix d'argent du meilleur mentaliste européen et prix du public (Nostradamus 2021).

Du 10 septembre 2023 au 31 mars 2024.
Mercredi et dimanche à 19 h.
Relâche : 28 janvier, 14 février et 17 mars.
Studio Hébertot, Paris 17e, 01 42 93 13 04.
>> studiohebertot.com

Avant même le début de la pièce, le ton est donné… Les spectateurs s'installent petit à petit alors qu'un homme, en slip kangourou blanc, stoïque, est déjà sur scène et nous fixe. Il s'agira donc d'une pièce comique à n'en point douter. Mais ne nous fions pas aux apparences ! Appréhendons le titre de la pièce peut-être, avant tout, et tentons de nous faire une idée de ce qui nous attend. Laissons-nous porter et nous découvrirons au fil de la pièce qu'il s'agit là d'un titre largement polysémique à lectures multiples. Probablement, le propos vous interpellera vous aussi d'une manière ou d'une autre.

Et surtout, ne vous contentez pas de prendre un flyer lors du tractage des comédiens et des comédiennes dans les rues d'Avignon en les entendant notamment hurler un message de santé publique - qui pourrait vous paraître quelque peu repoussant -, mais suivez-les absolument jusqu'au Théâtre des Brunes, rue Thiers, pour les voir jouer à merveille.

L'écriture de "Gourou" par François Aubagnac remonte à 2019. Passionné par la comédie, l'auteur comédien, qui a lâché ses études d'avocat, a toujours été fasciné par les sectes et leur univers. Bien lui en a pris de quitter la possibilité du barreau, car cette pièce est un petit bijou d'inventivité porté par un texte sensiblement profond et interprété avec brio par l'ensemble des comédiennes et comédiens qui se sont rencontrés(es) lors de leurs études au cours Florent, cette pièce ayant été à l'origine la création de leur fin d'études du cours Florent.

"Gourou", déjà pièce coup de cœur l'an dernier au festival d'Avignon, le sera à n'en point douter encore cette année. Car, à bien y regarder, de nombreux thèmes y sont abordés qui sauront susciter votre esprit critique. Derrière une certaine folie sur le plateau, hautement maîtrisée, le spectateur est invité à s'interroger sur les dérives des réseaux sociaux, l'endoctrinement de plus en plus facile et spontané, l'argent, la quête du pouvoir, les relations amoureuses, la vieillesse – en filigrane, mais bien présente –, l'argent, les médias et la TV, les fake news ou encore l'amour.

"Sur Facebook, les gens gobent tout, surtout si on leur cache la vérité (…). Si on arrive à les convaincre que l'Église Véritanis les soutient, on les aura les 5 000 fidèles".

À la frontière du vaudeville dans lequel les portes claquent et où les personnages sont bien souvent au bord de la crise de nerfs, "Gourou", au sein du geste créateur, interroge notre société avec humour et nous met en garde contre les dérives sectaires, les croyances démesurées, le quant-à-soi et l'impérieux besoin d'être ensemble et en communauté parce qu'être seul(e), ce n'est pas humain ! Mais la communauté peut comporter des risques à partir du moment où elle ne laisse plus place à l'esprit critique.

De nombreuses trouvailles dans la scénographie emportent sans mesure le spectateur dans l'histoire de Mathias qui, très vite, va devenir Denver le gourou. La caricature de Thierry Ardisson par Thomas Milatos est époustouflante de vérité. Dorian Fontyn, dans un rôle éponyme, nous fait éclater de rire. Loïck Mülauer, par une très belle maîtrise du corps et une gestuelle taillée au cordeau, revêt en XXL des allures de gourou et on est à deux doigts de se laisser embrigader, notamment quand résonnent ses nombreux "Je vous aime" immersifs. Sans compter sa complicité avec François, criante de vérité dans leur jeu réciproque.

Très peu de décors sur le plateau et pourtant le spectateur est rapidement transporté dans des univers différents.

L'écriture du texte est remarquable et il va sans dire qu'il y a chez François Aubagnac quelques traits de génie notoires. Puisse-t-il écrire encore d'autres pièces de cet acabit… Le jeu de l'ensemble de cette joyeuse troupe de comédiens et comédiennes est hautement maîtrisé et porte de manière virevoltante un message très sérieux : "méfiez-vous des faux prophètes qui viennent vous déguiser en brebis (…) et des scribes qui se promènent en vêtements d'apparat, aiment les salutations…"

Texte : François Aubagnac.
Mise en scène : Suzanne Gardeux.
Avec : François Aubagnac, Dorian Fontyn, Suzanne Gardeux, Thomas Milatos, Mélodie Moller, Loïck Müllaeur, Louis Zumkeller.
Durée : 1 h 15.

•Avignon Off 2023•
Du 7 au 29 Juillet 2023.
Tous les jours à 13 h 30. Relâche le lundi.
Théâtre des Brunes, 32, rue Thiers, Avignon.
Réservations : 04 84 36 00 37.
>> theatredesbrunes.fr