Pourtant, il manque un héros à cette liste issue de cette première représentation. Il y manque un fantôme, un tout petit fantôme, mais un fantôme protecteur qui était, lui aussi, au plateau ce 28 décembre 1897. Oublié. C'est un peu normal puisque Edmond Rostand n'a pas écrit un vers pour lui. Et pourtant, lui seul dans toute la distribution avait lu, mis en bouche, voire appris, les répliques de tous les personnages de la pièce et, en particulier, celle de l'Auguste Coquelin. Il s'appelait Ildebrando Biribo'. Il était ce soir-là dans le trou en avant-scène, invisible des spectateurs, le manuscrit devant lui, le trou du souffleur.

Et c'était sa dernière performance. Coquelin, avant le début de la représentation, lui annonce qu'il n'aurait plus besoin de lui pour les suivantes. La représentation se déroule. Ildebrando Biribo' fait son office. La pièce se termine. Les acteurs quittent la scène sous les ovations. C'est un triomphe. Ils sortent de scène. Le public quitte la salle. Et l'on retrouve le souffleur mort dans son trou.

La gazette n'a pas parlé de ce drame, les annales n'en ont pas gardé l'infime trace, mais Emmanuel Vacca, lui-même comédien, décide de sortir le personnage de l'ombre et de le ressusciter devant nous sous la forme d'un hommage émouvant aux humbles qui gravitent toujours autour des lumières, qui leur donnent souvent leurs vies et tombent irrémédiablement dans l'oubli.

Mais point de larmes ici, du feu, de la flamme, de la fantaisie et de la comédie dans ce qu'elle a de plus noble, qui se source à la grande commedia dell'arte, au pied de nez à la lune.

Le personnage d'Ildebrando Biribo', interprété avec grâce et espièglerie par Paolo Crocco, est une âme faite de passion, de tendresse, de plaisir. Passion pour les mots, les vers, les personnages, passion pour les comédiens toujours en équilibre instable sur des plateaux en pente et dans des répliques fuyantes. C'est d'amour dont on parle ici. De tragique, d'injustice, et d'amour pour les choses, les actes, les mots.

Paolo Crocco joue tous les rôles, ou presque (la voix de l'auteur suggère sa présence sur scène par instants). Dans le décor de coulisses après un spectacle, son jeu physique, partie mime, partie commedia, installe immédiatement le ton tragi-comique de toute la pièce.

Son énergie sans bornes force un peu l'amitié que l'on ressent pour son personnage. Dans le sens où le comédien "vient nous chercher" et l'on aimerait parfois "aller chercher" le personnage dans des passages où il aurait moins d'adresses au public. Mais l'ensemble de la performance et le texte joliment troussé d'Emmanuel Vacca (texte moderne sans vouloir l'être à tout prix et fuyant délibérément toute complaisance et évidence) sont des valeurs sûres qu'il faut aller apprécier.
◙ Bruno Fougniès

Texte : Emmanuel Vacca.
Mise en scène : Paolo Crocco.
Avec : Paolo Crocco.
Collaboration Artistique : Fabio Marra.
Chorégraphie : Aurélie Badol.
Son : Claudio Del Vecchio.
Lumières : Luc Dégassart.
Costumes : Pauline Zurini.
Régie plateau : Alberto Taranto.
Décors : Claude Pierson.
Production/Diffusion : Sylvain Berdjane.
Par Compagnia Dell'Edulis.
Durée : 1 h 10.

•Avignon Off 2025•
Du 5 au 26 juillet 2025.
Tous les jours à 14 h 55. Relâche les mardis 8 et 15.
Théâtre des Brunes, 32, rue Thiers, Avignon.
Réservation : 04 84 36 00 37.
>> Billetterie en ligne
>> theatredesbrunes.fr

Son désir de vivre lui fera rencontrer des gens hors norme, et il nous entraîne dans un combat contre les influences familiales, sociétales, pour préserver sa sensibilité, son honnêteté, sa sincérité et sa foi en l'amour.

Dans la célèbre pièce d'Edmond Rostand, "Cyrano de Bergerac", le personnage éponyme est quelqu'un qui ne ment pas. Il ne se laisse pas faire par les autres. Sa sincérité et sa transparence sont toutes à son honneur d'homme éperdument amoureux chez qui l'intériorité est plus importante que la transparence. C'est probablement la raison pour laquelle il nous émeut tant et qu'il fait de lui un personnage de fiction attachant, qu'on aime, tout simplement.

Les choses de l'acte théâtral sont parfois ainsi faites et curieuses, à bien y regarder, parce que le personnage de Guillaume dans "Comment te dire" a de nombreux points communs avec son inspirateur. Lui aussi nous émeut dans cette interprétation mêlant réalité et fiction dramaturgique.

"Cette histoire est entièrement vraie parce que je l'ai imaginé d'un bout à l'autre", a dit Boris Vian. Frontières subtiles que cet acte créatif mêlant invention et parts de vérité… Peu importe, après tout. C'est le résultat qui compte et "l'important, c'est de participer" à cet acte créatif, pour le plus grand bonheur du public…

À douze ans, Guillaume assiste à une représentation de la célèbre pièce avec pour rôle titre, Jean Marais. "La magie du Théâtre m'a conquis à jamais". C'est une révélation pour lui, mais un père castrateur, peu ouvert aux choses artistiques, le brigue dans ses désirs de planches et d'apprentissage théâtral.

Qu'à cela ne tienne… Le théâtre est une révolution qui tourne et galope. Un monde à part que Guillaume sait désormais ancré en lui à tout jamais, avec son désir de toujours vaincre, comme en amour d'ailleurs. Mais là non plus, les choses ne sont guère simples…

À quinze ans, il tombe amoureux pour la première fois. C'est un échec cinglant. Dès lors, il se concentre sur la littérature, la poésie, dévorera les surréalistes, et ne jure que par le fait de devenir comédien.

La pièce de Gérald Hubert est une immersion dans la conscience d'un homme qui a toujours cru en lui, pour lequel "avoir conscience de ce que l'on vit peut transformer les choses de la vie, nous amener vers la Paix en nous, et éveiller aussi le besoin de partage". Il s'agit là d'un moment de spectacle très émouvant dont on perçoit le besoin vital et organique intrinsèque, tant dans la construction que dans le jeu.

Gérald Hubert, Sabine Lenoël, en alternance avec Dominique Vannod, interprètent avec élégance différents personnages durant cette heure et demie de représentation où l'émotion est bien présente.

À nos yeux, peut-être trop par moments. La frontière entre la dimension autobiographique, encore une fois, et l'acte créatif n'est pas toujours facile à franchir. Loin de là. Donner une part de liberté au miroir pour que le Théâtre l'emporte dans sa seule force est généralement souhaitable à cette enseigne.

L'écriture de cette pièce semble avoir été impérieuse, de toute évidence. Elle a dû mûrir longuement, faisant ressurgir du passé des événements enfouis qui ne demandaient qu'à éclore. Comment doser la charge émotionnelle pour en faire un "acte public" universel destiné à toutes et à tous, finalement, et qui aura d'évidents échos chez celles et ceux qui y assistent ? Il n'est pas certain que quelqu'un ou quelqu'une détienne la réponse… Pas même un Pierre Notte, un Tiago Rodrigues ou un Michalik, probablement !

Cela dit, la sincérité du jeu de Gérald Hubert est palpable tout au long de ce spectacle et, au risque de nous répéter, extrêmement sincère… Il paraît comme resté fidèlement semblable à celui qu'on imagine qu'il a pu être à 12 ans ou à 15, quand il a découvert Jean Marais ou qu'il est tombé amoureux : candide, estomaqué, emporté comme dans un tourbillon, et faisant la roue à la fin de la représentation pour se sauver de la réalité du père, de la société ou des diktats en tout genre. La roue, il l'a fait sur le plateau aux côtés des deux comédiennes en alternance et, il nous émeut infiniment.

Dominique Vannod, sur scène le jour où nous avons vu le spectacle, interprète sans excès et avec élégance ses différents rôles. Le duo fonctionne bien au sein d'un décor sobre et épuré où un simple bureau en bois rappelle que l'écriture est essentielle. "Dire" pour ne pas sombrer ! Comment vous dire que " Comment te dire" reste un moment de théâtre introspectif bouleversant, qui constituera à n'en point douter un bien joli moment dans ce Festival d'Avignon 2024 tourmenté et contrarié.

Puisse Gérald Hubert ne pas vociférer à la lecture de cet article contre les méandres critiques et journalistiques, contrairement à une certaine Angélica Liddell au Palais des Papes ! La sensibilité de l'homme, au-delà simplement de celle de l'artiste, laisse à présager qu'il ne le fera pas, à coup sûr !
◙ Brigitte Corrigou

Texte et mise en scène : Gérald Hubert.
Avec : Gérald Hubert, Sabine Lenoël ou Dominique Vannod.
Lumières : Sofresh.
Par la Compagnie Théâtre Fuchsia.
À partir de 16 ans.
Durée : 1 h 10.

•Avignon Off 2024•
Du 3 au 21 juillet 2024.
Tous les jours à 15 h. Relâche le mardi.
Théâtre du Centre, 13, rue Louis Pasteur, Avignon.
Réservations : 06 58 64 33 88.
>> theatreducentre-avignon.com

Pourtant, il manque un héros à cette liste issue de cette première représentation. Il y manque un fantôme, un tout petit fantôme, mais un fantôme protecteur qui était, lui aussi, au plateau ce 28 décembre 1897. Oublié. C'est un peu normal puisque Edmond Rostand n'a pas écrit un vers pour lui. Et pourtant, lui seul dans toute la distribution avait lu, mis en bouche, voire appris, les répliques de tous les personnages de la pièce et, en particulier, celle de l'Auguste Coquelin. Il s'appelait Ildebrando Biribo'. Il était ce soir-là dans le trou en avant-scène, invisible des spectateurs, le manuscrit devant lui, le trou du souffleur.

Et c'était sa dernière performance. Coquelin, avant le début de la représentation, lui annonce qu'il n'aurait plus besoin de lui pour les suivantes. La représentation se déroule. Ildebrando Biribo' fait son office. La pièce se termine. Les acteurs quittent la scène sous les ovations. C'est un triomphe. Ils sortent de scène. Le public quitte la salle. Et l'on retrouve le souffleur mort dans son trou.

La gazette n'a pas parlé de ce drame, les annales n'en ont pas gardé l'infime trace, mais Emmanuel Vacca, lui-même comédien, décide de sortir le personnage de l'ombre et de le ressusciter devant nous sous la forme d'un hommage émouvant aux humbles qui gravitent toujours autour des lumières, qui leur donnent souvent leurs vies et tombent irrémédiablement dans l'oubli.

Mais point de larmes ici, du feu, de la flamme, de la fantaisie et de la comédie dans ce qu'elle a de plus noble, qui se source à la grande commedia dell'arte, au pied de nez à la lune.

Le personnage d'Ildebrando Biribo', interprété avec grâce et espièglerie par Paolo Crocco, est une âme faite de passion, de tendresse, de plaisir. Passion pour les mots, les vers, les personnages, passion pour les comédiens toujours en équilibre instable sur des plateaux en pente et dans des répliques fuyantes. C'est d'amour dont on parle ici. De tragique, d'injustice, et d'amour pour les choses, les actes, les mots.

Paolo Crocco joue tous les rôles, ou presque (la voix de l'auteur suggère sa présence sur scène par instants). Dans le décor de coulisses après un spectacle, son jeu physique, partie mime, partie commedia, installe immédiatement le ton tragi-comique de toute la pièce.

Son énergie sans bornes force un peu l'amitié que l'on ressent pour son personnage. Dans le sens où le comédien "vient nous chercher" et l'on aimerait parfois "aller chercher" le personnage dans des passages où il aurait moins d'adresses au public. Mais l'ensemble de la performance et le texte joliment troussé d'Emmanuel Vacca (texte moderne sans vouloir l'être à tout prix et fuyant délibérément toute complaisance et évidence) sont des valeurs sûres qu'il faut aller apprécier.

Vu au festival Off 2021 à Avignon.

Texte : Emmanuel Vacca
Mise en scène : Paolo Crocco
Avec : Paolo Crocco, Alberto Taranto (régie plateau)
Collaboration Artistique : Fabio Marra
Lumières : Luc Dégassart
Musiques : Claudio Del Vecchio
Costumes : Pauline Zurini
Régie plateau : Alberto Taranto
Décors : Claude Pierson
Production/Diffusion : Sylvain Berdjane.
Par Compagnia Dell'Edulis.
Durée : 1 h 10.

Du 29 novembre 2021 au 15 février 2022.
Lundi et mardi à 19 h.
Studio Hébertot, Paris 17e, 01 42 93 13 04.
>> studiohebertot.com

Pourtant, il manque un héros à cette liste issue de cette première représentation. Il y manque un fantôme, un tout petit fantôme, mais un fantôme protecteur qui était, lui aussi, au plateau ce 28 décembre 1897. Oublié. C'est un peu normal puisque Edmond Rostand n'a pas écrit un vers pour lui. Et pourtant, lui seul dans toute la distribution avait lu, mis en bouche, voire appris, les répliques de tous les personnages de la pièce et, en particulier, celle de l'Auguste Coquelin. Il s'appelait Ildebrando Biribo'. Il était ce soir-là dans le trou en avant-scène, invisible des spectateurs, le manuscrit devant lui, le trou du souffleur.

Et c'était sa dernière performance. Coquelin, avant le début de la représentation, lui annonce qu'il n'aurait plus besoin de lui pour les suivantes. La représentation se déroule. Ildebrando Biribo' fait son office. La pièce se termine. Les acteurs quittent la scène sous les ovations. C'est un triomphe. Ils sortent de scène. Le public quitte la salle. Et l'on retrouve le souffleur mort dans son trou.

La gazette n'a pas parlé de ce drame, les annales n'en ont pas gardé l'infime trace, mais Emmanuel Vacca, lui-même comédien, décide de sortir le personnage de l'ombre et de le ressusciter devant nous sous la forme d'un hommage émouvant aux humbles qui gravitent toujours autour des lumières, qui leur donnent souvent leurs vies et tombent irrémédiablement dans l'oubli.

Mais point de larmes ici, du feu, de la flamme, de la fantaisie et de la comédie dans ce qu'elle a de plus noble, qui se source à la grande commedia dell'arte, au pied de nez à la lune.

Le personnage d'Ildebrando Biribo', interprété avec grâce et espièglerie par Paolo Crocco, est une âme faite de passion, de tendresse, de plaisir. Passion pour les mots, les vers, les personnages, passion pour les comédiens toujours en équilibre instable sur des plateaux en pente et dans des répliques fuyantes. C'est d'amour dont on parle ici. De tragique, d'injustice, et d'amour pour les choses, les actes, les mots.

Paolo Crocco joue tous les rôles, ou presque (la voix de l'auteur suggère sa présence sur scène par instants). Dans le décor de coulisses après un spectacle, son jeu physique, partie mime, partie commedia, installe immédiatement le ton tragi-comique de toute la pièce.

Son énergie sans bornes force un peu l'amitié que l'on ressent pour son personnage. Dans le sens où le comédien "vient nous chercher" et l'on aimerait parfois "aller chercher" le personnage dans des passages où il aurait moins d'adresses au public. Mais l'ensemble de la performance et le texte joliment troussé d'Emmanuel Vacca (texte moderne sans vouloir l'être à tout prix et fuyant délibérément toute complaisance et évidence) sont des valeurs sûres qu'il faut aller apprécier.

Texte : Emmanuel Vacca
Mise en scène : Paolo Crocco
Avec : Paolo Crocco, Alberto Taranto (régie plateau)
Collaboration Artistique : Fabio Marra
Lumières : Luc Dégassart
Musiques : Claudio Del Vecchio
Costumes : Pauline Zurini
Régie plateau : Alberto Taranto
Décors : Claude Pierson
Production/Diffusion : Sylvain Berdjane.
Par Compagnia Dell'Edulis.
Durée : 1 h 10.

•Avignon Off 2021•
Du 7 au 31 juillet 2021.
Tous les jours à 17 h 15, relâche les 13 et 20 juillet.
Théâtre Au coin de la Lune, 24, rue Buffon, Avignon.
Réservations : 04 90 39 87 29 .
>> theatre-aucoindelalune.fr

Trois femmes, acrobates de la rime, nous offrent un grand "Cyrano."
Pas chorégraphiés, corps animés, personnages totalement habités.
Maquillées, masquées, costumes colorés et chevelure digne d'une reine de beauté !
Christian, Ragueneau, Le Bret, Roxane et Cyrano !
Sans oublier le nez ! Tout nous est servi sur un plateau.

Ce trio est remarquable parfaitement mis en scène dans un décor complètement aéré pour mieux respirer. Quelle chance quand il est question de nez !

Éclairage d'époque, bougies, accessoires suffisants pour accompagner ces dames.

Musique et sonorités choisies impeccables.

Que dire de plus . Si ce n'est de se rendre en métro, tram, RER ou bus au théâtre du Funambule admirer ses déesses de finesse s'emparer de la sorte, avec toute leur féminité, du destin de Cyrano.

Les comédiennes échangent les rôles, toutes jouent leur partition. Les mimiques sont appliquées et il y a un parti pris humoristique qui allie poésie et ludique. Le nez ! Oups… le pied !

À l'heure où les textes classiques font grise mine, comme le temps de ce début d'automne, il n'y a pas plus beau spectacle à se mettre sous la dent car on en sort content, souriant et très causant. Parler d'une pièce à chaud, c'est important ! Se souvenir d'une prestation après quelque temps, c'est rassurant, et encourager ce trio de comédiennes aux multiples talents m'est très plaisant.

Pour conclure, je finirai avec ces quelques mots d'Edmond Rostand, empruntés à une autre de ses œuvres (Les Musardises) : "Oh ! Les yeux, les beaux yeux des femmes ! Que de choses nous y voyons !".

En effet ! Ce spectacle est grand, beau et bon ; à travers trois femmes qui, par leur talent, donnent raison à Edmond Rostand.

Texte : Edmond Rostand.
Mise en scène : Bastien Ossart.
Avec : Iana-Serena de Freitas, Lucie Delpierre, Nataly Florez en alternance avec Marjorie de Larquier.
Une production Théâtre Les Pieds Nus & Le Funambule Montmartre.
Durée : 1 h 40.

Du 9 octobre au 12 décembre 2019.
Du mercredi au samedi à 19 h ou 21 h (en alternance), dimanches à 17 h 30.
Théâtre le Funambule Montmartre, Paris 18e, 01 42 23 88 83.
>> funambule-montmartre.com