La scène est suffisamment réaliste jusqu'à ce qu'un autre homme sorte du brouillard et se dirige vers le bord. Il porte un parpaing enroulé d'une corde. L'autre extrémité de cette corde entoure son cou. Tout l'attirail qu'il faut pour réussir son suicide par noyade, sans aucun doute. C'est au moment où il s'apprête à jeter le parpaing dans l'eau et sa tête à la suite qu'il s'aperçoit de la présence du pêcheur.

Voilà la situation de départ qui va vite glisser vers l'imaginaire et le parabolique. Au départ, chacun des deux hommes vient perturber par sa présence le projet de l'autre, car le suicidé est bavard et hésitant et le pêcheur gêné dans sa tranquillité. S'ensuit un dialogue haut en couleur, plein de bravoures textuelles, qui va lentement, mais sûrement, faire dériver le spectacle vers les rivages surréalistes.

Qui est ce pêcheur dont la ligne ne porte ni appât, ni même un hameçon ? Pour quelle raison l'homme au collier de parpaing veut-il mettre fin à ses jours ? Et pourquoi hésite-t-il tant si sa résolution est prise ? Le spectacle surfe ainsi sur l'absurde de cette situation et, tout en faisant, pose presque autant de questions essentielles sur l'existence que de jeux de mots farces et réjouissants.

Sous des apparences d'humour noir se révèle peu à peu une jolie histoire presque morale, mais surtout portée par une verve fantaisiste assumée et des flambées d'imaginaires… le ponton se transformant, par exemple, en navire affrontant la tempête en plein océan grâce à un ingénieux dispositif et des effets sonores et visuels.

Loin de rester statiques dans la situation de départ, le duo de comédiens nous entraîne dans une histoire pleine de rebondissements. Tous deux excellent dans un jeu expressif, très théâtralisé, qui colle bien aux flamboyances du texte et de leurs personnages.
◙ Bruno Fougniès

Texte : Jean-Marc Catella, Ciro Cesarano et Fabio Gorgolini.
Mise en scène : Ciro Cesarano.
Scénographie : Claude Pierson.
Avec : Ciro Cesarano et Paolo Crocco.
Direction d'acteurs : Fabio Gorgolini.
Musiques : Matteo Gallus.
Création lumières : Orazio Trotta.
Costumes : Isabelle Deffin.
Par Teatro Picaro.
Durée du spectacle : 1 h 15.
Tout public à partir de 8 ans.

•Avignon Off 2025•
Du 5 au 26 juillet 2025.
Tous les jours à 17 h 30. Relâche le mardi.
Théâtre Le Petit Chien, 76, rue Guillaume Puy, Avignon.
Réservation : 04 84 51 07 48.
>> Billetterie en ligne
>> chienquifume.com

Tournée
31 juillet 2025 : Festival des Tragos, Cavalaire-sur-Mer (83),
3 août 2025 : Festival Les Théâtrales du Volvestre, Rieux-Volvestre (31).
10° octobre 2025 : Espace Paul Valéry, Plessis Trévise (94).
17 octobre 2025 : Le Polygone, Chevigny-Saint-Sauveur (21).
7 et 8 novembre 2025 : L'Arbanel, Treyvaux (Suisse).
14 novembre 2025 : Chai du Terral, Saint-Jean-de-Védas (34).
16 novembre 2025 : Théâtre municipal, Sainte-Foy-les-Lyon (69),
2 décembre 2025 : Maison Jean Monnet de l'Université de Saint-Etienne (42).
10 janvier 2026 : Théâtre, Bry-sur-Marne (94).
16 janvier 2026 : Centre Culturel, Nouzonville (08).
24 et 25 janvier 2026 : Espace Sorano, Vincennes (94).
30 janvier 2026 : Théâtre municipal, Villennes-sur-Seine (78).
3 février 2026 : Théâtre de l'Atrium Dax (40).
5 et 6 février 2026 : Le Colisée, Biarritz (64).
15 février 2026 : Théâtre, Limeil-Brévannes (94).
5 mars 2026 : La Valette-du-Var (83).

13 mars 2026 : Le Quai, Troyes (10).
14 mars 2026 : La Tuffière, Treyvaux (Suisse°.
18 mars 2026 : Théâtre Jacques Baudouin, Tournon-sur-Rhône (69).
20 mars 2026 : Salle Fabrice Melquiot, Modane (73).
31 mars 2026 : Aux Tanzmatten, Sélestat (67).
23 avril 2026 : La Passerelle, Saint-Just-Saint-Rambert (42).

Et s'il y "avait en nous quelque chose de cette jeune femme !", comme le dit la chanson. Certes, ce n'est pas de Tennessee Williams dont il est question ici, mais d'une jeune fille devenue femme, Claire, et il est probable que chacun et chacune d'entre nous pourra se reconnaître dans les aventures médico-administratives soulevées par ce "seule en scène" époustouflant. Si tant est que le long fleuve pas toujours tranquille de la vie nous y ait confronté nous aussi, un tant soit peu !

Au cours de ce seule en scène, quelques émotions particulières pointeront le bout de leur nez et pourront, selon notre sensibilité, être accompagnées sans doute de quelques larmes, mais le tout sera balayé bien vite par des rebondissements taillés au cordeau, millimétrés et remarquablement orchestrés par la mise en scène de Tatiana Gousseff. Sans parler du texte, interprété de façon exceptionnelle par la comédienne Marie-Claire Neveu. Il va sans dire que son jeu virtuose et virevoltant prédomine largement sur l'ensemble du spectacle. Comédienne à nos yeux bien trop méconnue. Elle qui en est pourtant à son deuxième "seule en scène" et qui a même obtenu le soutien de Pascal Légitimus pour la direction artistique du premier : "Nina, des tomates et des bombes".

Elle en a du talent cette jeune comédienne qui ne cesse de nous étonner, elle qui revendiquait déjà dans son spectacle précédent un théâtre engagé dans lequel elle rencontrait Fathawi, un migrant Érythréen, se liait d'amitié avec Pchela, une abeille russe en perdition, appelait le Président de la République, la "Science Infuse" et les Puissants pour nous ouvrir les yeux et nous faire réfléchir !

Selon nous, il n'y a pas de limites au geste théâtral. Toute source d'inspiration peut y être portée, car comme le disait Bertolt Brecht : "l'affaire du théâtre est de divertir et cette affaire lui confère toujours sa dignité particulière".

De la dignité, il y en a dans ce deuxième spectacle de Marie-Claire Neveu : celle de proposer au spectateur une immersion intime XXL dans son corps abîmé et d'en plaisanter avec brio. "Diagnostiquée à 14 ans d'une maladie du foie, mon rapport à mon corps a nécessairement été chamboulé tout comme celui de mon rapport à la mort, à l'alimentation, à la médecine, au monde, à la Terre" (sic).

Mais le travail d'orfèvrerie d'écriture et de scénographie mené de pair avec l'autrice et metteuse en scène Tatiana Gousseff n'a pas ramené le propos de la pièce à la seule "cause" autobiographique de la comédienne. Loin de là…

Car une simple autobiographie aurait été possible, mais Marie-Claire Neveu est une artiste et défend la cause créatrice avant tout. Il n'est qu'à considérer aussi son single "Tsunami" sorti en 2021, clip ô combien bouleversant sur la vie comme elle va, ce que l'on peut en faire et les choix qui vont de pair. Parce que bien souvent, il faut choisir !

Dans ce spectacle, "Claire-Marie-Claire" n'use ni de sensiblerie, ni de revendications personnelles larmoyantes exacerbées. Tout simplement parce que c'est le show qui prédomine. Et l'humour aussi ! Bien présent comme une forme de détachement nécessaire.

Ce show dont le spectateur se demandera à coup sûr quel a bien pu en être le premier pas !
Ça n'a pas dû être simple d'écrire un tel spectacle, mais connaissant l'énergie pluridisciplinaire de la comédienne, il est probable que les choses ont dû malgré tout se bâtir lentement, mais sûrement. La preuve est là : un spectacle mené de main de maître à plusieurs niveaux, altruiste, délicat, ouvert sur le monde et ses méandres de plus en plus compliqués. Un texte semblable à un nid de puces ou à des pop-corn en préparation qui nous tiennent éveillés et ne nous lâchent pas une seconde.

"Dans les maladies complexes et invisibles, les anticorps ne savent plus distinguer les cellules ennemies dans un organe". Ceci est un fait qui pourrait bien ne pas être source de création, mais là où le duo Marie-Claire Neveu/Tatiana Gousseff fonctionne à merveille, c'est dans le fait d'avoir justement dosé l'acte créateur et la part autobiographique pour dire, hurler qu'il est plus que temps d'agir et "que les êtres humains ne savent plus distinguer les comportements qui menacent leur survie".

À sa manière, Marie-Claire Neveu est une Greta Thunberg engagée au discours peut-être moins radical – quoique ! -, mais infiniment plus artistique. Cette comédienne mériterait d'être aussi connue et médiatisée que la jeune femme suédoise, elle qui a tronqué son nez de clown et son chapeau melon pour une tenue de femme athlétique : débardeur de fitness et chaussures de randonnée ou plutôt de chantier. Des chaussures que nous chaussons, nous aussi, avec elle, parce que, dans ce nouveau spectacle, la comédienne et sa metteure en scène nous entraînent loin, très loin, et qu'avec Claire, nous avons envie d'arpenter les nombreux chantiers de construction de notre monde qui chancelle.

Vite ! Il faut faire vite !
On tombe malade, mais sait-on pourquoi ? Et si tout cela émanait d'un dérèglement plus global et plus vaste de la planète Terre ?

Courez vite assister à ce spectacle pour vous en faire une idée. Vous en sortirez certainement, vous aussi, prêts et prêtes à vous positionner à votre manière sur les starting-blocks tant la fougue et le talent de Marie-Claire Neveu saura vous séduire.

Le Théâtre, ça sert à ça aussi ! Surtout lorsqu'il est déployé avec une telle énergie communicative, artistiquement fine et soignée, emportant le spectateur dans différentes sphères diverses et variées, mais l'invitant à chaque fois à une noble réflexion : celle de notre survie.

"On peut changer une fois le foie de mille personnes, mais on ne peut pas changer mille fois celui d'une seule".

Bravo, mesdames. "Bravo"
"Il est joli ce mot. J'aime bien".

Texte : Marie-Claire Neveu et Tatiana Gousseff.
Mise en scène : Tatiana Gousseff.
Avec : Marie-Claire Neveu.
Création lumière : Fred L'Indien.
Musique : Julien Pittet.
Chorégraphie : Laura Mazeaud
Voix Off : Renaud Castel, Thomas Espinera, Marie Gousseff, Tatiana Gousseff et Mélanie Peyre.
Production : Compagnie de l'Armoise.
À partir de 12 ans.
Durée : 1 h 15.
Prix Tournesol Avignon 2024 - "Coup de cœur du Jury".

Du 2 au 23 février 2025.
Dimanche à 20 h.
Théâtre des Béliers Parisiens, Paris 18e, 01 42 62 35 00.
>> theatredesbeliersparisiens.com

Tournée
7 février 2025 : Cournon d'Auvergne (63).
26 février 2025 : Caen (14).
13 mars 2025 : Rouen (76).
3 avril 2025 : Compiègne (60).
26 avril 2025 : Auray (56).

C'est cette détermination à fleur de peau, cette exigence presque maladive de sincérité, dont David Nathanson et son pianiste vont être les "passeurs" au travers d'une interprétation aussi sobre que "parlante". Aucun effet "spectaculaire", mais au contraire un effacement derrière le réalisateur de cinéma pour que l'homme puisse reprendre vie par le truchement des mots qu'étaient les siens. Ainsi, par touches successives, au son de notes délicates échappées d'un piano, la mosaïque de ce que l'on pouvait connaître (ou pas) du réalisateur des "Quatre cents coups" va se (re)constituer pour donner naissance à un Truffaut plus vivant que jamais.

Un salon des années soixante-dix où une table basse accueille, pêle-mêle, livres, lettres, photos couleur sépia et autres archives personnelles recréant le monde de François Truffaut. Au second plan, émergeant de l'ombre, un écran sur lequel sera projetée – amplifiée par un zoom grossissant – la matière inerte des documents ci-dessus, recréant ainsi concrètement le lien "lumineux" entre cinéma et écriture, deux visages indissociables de son art. Sur le côté, un grand piano et son pianiste égrenant les petites notes échappées de sa filmographie. Et, au centre, le comédien délivrant le texte en faisant entendre, au-delà des mots articulés, les uns aux autres, les états émotionnels qui parcouraient leur auteur au moment où, de sa fine écriture, il couchait sur le papier rien moins que sa vie.

Sa liberté totale de parole, dont il se faisait une règle absolue, éclatera dès les premières réponses à des inconnues l'ayant sollicité. À l'une d'elles, après les rapides considérations d'usage, son jugement tombe comme un couperet : "Chère Mademoiselle, j'ai bien reçu votre synopsis, mais je ne comprends pas pourquoi vous me l'avez envoyé. Désolé de ne pouvoir rien faire pour vous". Ou encore à une autre jeune dame le sollicitant pour réaliser une adaptation d'"Un amour de Swann", il répond : "Seul un charcutier pourrait adapter le salon des Verdurin. Aller voir plutôt du côté de René Clément.", réglant par la même occasion son compte à ce cinéaste vraiment trop traditionnel à ses yeux.

Sa franchise extrême l'amènera dans le même temps à encenser d'autres cinéastes comme Louis Malle : "Mon cher Louis, votre Zazie m'a troublé. J'ai rarement souhaité le succès d'un autre comme le vôtre. Grandes amitiés". Quand il parle de son enfance et adolescence compliquées (cf. "Les quatre cents coups" qui en sont le copié-collé), il confie avec grande émotion sa reconnaissance infinie pour André Bazin, le fondateur des "Cahiers du cinéma" dont des précieux exemplaires garnissent la table du salon. À deux reprises, lui qu'il considérait comme son père adoptif, l'a sorti du milieu carcéral et lui a ouvert les portes du septième art en lui confiant un travail de rédacteur dans ses "Cahiers". Là, il développera l'art d'une critique furieuse au gré de ses coups de foudre et des coups de grâce qu'il rendait.

Habité par un idéal de liberté qu'il porte haut, il prendra fait et cause pour Chris Marker dont, en 1963, "Le joli mois de mai", est menacé de censure, le traitement de la Guerre d'Algérie étant jugé sulfureux par le gouvernement français. Il s'adressera alors au ministre en place pour lui écrire : "Monsieur le Ministre, le sort du "Joli mois de mai" est entre vos mains. C'est la confrontation des avis qui seule peut préserver la liberté du cinéma".

C'est au nom de ce même engagement que, lorsqu'il apprend qu'il lui sera interdit aux "Dossiers de l'écran" d'aborder le problème de la censure lors du débat programmé sur son adaptation de "Fahrenheit 451" de Ray Bradbury, il déclinera net l'invitation des "dossiers noirs des dossiers de l'écran". Sur la table du salon, la couverture des "Cahiers du cinéma" représentant "A Bout de Souffle" frappé d'une interdiction aux moins de dix-huit ans par la Commission de Censure, et une photographie de "La Religieuse" de Jacques Rivette, interdite en 1966 par le ministre gaulliste de l'époque, sont zoomées et projetées.

De même, lorsqu'il écrira au Président de la Cour de Sûreté pour défendre la liberté de la presse remise en cause par la saisie des numéros de "La Cause du Peuple" de Jean-Paul Sartre. Il préconise, avec l'ironie cinglante dont il sait faire preuve, de conseiller désormais aux vendeurs de journaux de porter chemise blanche (comme la sienne, lui qui n'a pas été arrêté) et de réfléchir avant de refuser le Nobel (en hommage à Jean-Paul Sartre, emmené au commissariat).

Mais son engagement "gauchisant" l'amènera tout autant à gloser sur les révolutionnaires de pacotille qui épousent ces idées pour paraître plus jeunes… Visé en premier lieu, un certain Jean-Luc Godard dont la lettre au vitriol qu'il lui adressera est lue avec les accents d'une colère irrépressible… Jean-Pierre Léaud, l'Antoine Doinel des "Quatre cents coups", humilié par ce fumiste dandy se faisant passer pour l'éternelle victime de sa relation à Anna Karina, lui qui est un falsificateur notoire, incapable de la moindre empathie pour quiconque. Reçu pour solde de tout compte...

La charge peut être terrible comme on vient de l'entendre, mais les témoignages d'amitié seront tout autant forts. Ainsi de sa lettre à Jean-Louis Bory, le génial critique de cinéma emblématique du combat homosexuel, souffrant d'une grave dépression : "J'ai admiré votre courage au "Masque et la Plume". Vous aurez la force de revenir parmi nous". Celle à Alain Souchon dont il apprécie la grande sensibilité, ou encore celle rédigée au moment du décès à quarante ans de son protecteur, André Bazin : "Depuis, je n'ai plus de parents. C'est lui qui m'a appris le cinéma. Il est mort. Je ne peux que pleurer".

Quant au témoignage d'amour paternel adressé depuis Hollywood à ses filles, il résonne comme l'antidote de la missive adressée à ses parents lors de la sortie des "Quatre cents coups" : "L'enfant sournois, voleur que vous avez fabriqué en me laissant seul pour partir tous les deux à Fontainebleau, ne venant même pas me chercher pour que je puisse me présenter à l'examen de repêchage pour l'entrée en sixième, m'a servi de modèle. J'ai constamment pensé à vous en écrivant ce film".

Il ressort de cette traversée de la "Correspondance", un portrait saisissant de cet homme, réalisateur d'une existence vécue au sceau de ses convictions. Et si nous n'avons pas plus évoqué l'acteur, c'est qu'il a su magnifiquement s'effacer derrière le sujet de sa belle interprétation.

Vu le samedi 15 juillet 2023 au Théâtre Transversal à Avignon.

D'après le recueil de correspondance de François Truffaut.
Mise en scène : Judith d'Aleazzo et David Nathanson
Avec : David Nathanson.
Au piano : Antoine Ouvrard ou Pierre Courriol.
Musique : Antoine Ouvrad.
Scénographie : Samuel Poncet.
Lumières : Julie Lola Lanteri et Erwan Temple.
Décor : Samuel Poncet.
Par la Cie Les Ailes de Clarence.
Tout public à partir de 12 ans.
Durée : 1 h 15.

Du 18 septembre au 10 novembre 2024.
Du mardi au samedi à 19 h, dimanche à 15 h 30.
Relâche le 11 octobre 2024.
Le Lucernaire, Salle Paradis, Paris 6ᵉ, 01 45 44 57 34.
>> lucernaire.fr

Rencontre avec l’équipe artistique le vendredi 18 octobre à l’issue de la représentation.

9 mars 1971, un petit bonhomme, dans les premiers pas de sa vie, goûte aux derniers instants du ravissement juvénile de voir sa maman souriante, heureuse. Mais, dans peu de temps, la fenêtre du bonheur va se refermer. Le drame n'est pas loin et le bonheur fait ses valises. À ce moment-là, personne ne le sait encore, mais les affres du destin se sont mis en marche, et plus rien ne sera comme avant.

En préambule du malheur à venir, le texte, traversant en permanence le pont entre narration réaliste et phrasé poétique, nous conduit à la découverte du quotidien plein de joie et de tendresse du pitchoun qu'est Miguel-Ange. Jeux d'enfants faits de marelle, de dinette, de billes, et de couchers sur la musique de Nounours et de "bonne nuit les petits". L'enfant est affectueux. "Je suis un garçon raisonnable. Je fais attention à ma maman. Je suis un bon garçon." Le bonheur est simple, mais joyeux et empli de tendresse.

Puis, entre dans la narration la disparition du grand frère de trois ans son aîné. La mort n'ayant, on le sait, aucune morale et aucun scrupule à commettre ses actes, antinaturelles lorsqu'il s'agit d'ôter la vie à un bambin. L'accident est acté et deux gamins dans le bassin sont décédés, ceux-ci n'ayant pu être ramenés à la vie. Là, se révèle l'avant et l'après. Le bonheur s'est enfui et rien ne sera plus comme avant.

Au fil de ces différentes scènes, on finit par savoir, par comprendre, ce qui s'est réellement passé. Les deux petiots de cinq ans sont tombés dans le bassin après avoir brisé la glace. La description des événements qui suivent exprime, sans violence, la souffrance des parents, la destruction du cercle familial, l'insupportable douleur générée, l'enterrement, mais aussi, paradoxalement, l'oubli du traumatisme du petit frère. En effet, généralement, dans ce type de situation, les premiers soutiens, accompagnements, vont aux parents.

Cet oubli va s'enfouir dans les tréfonds de la mémoire enfantine, toujours, au plus jeune âge, partielle, délayée, pour ensuite ressurgir petit à petit dans l'existence de Miguel-Ange. Il décide alors de faire de cette tragédie familiale une pièce de théâtre. Pour exorciser la souffrance, la douleur toujours présente du drame passé, en en amplifiant, à certains moments, la dramaturgie... mais avec une manière poétique, décalé de raconter le contexte dramatique, d'exprimer les émotions, ces dernières étant souvent sous-jacentes, retenues.

"Mon petit grand frère" trouve son excellence théâtrale à la fois dans le jeu du comédien, tout en nuances et en maîtrise de la palette émotionnelle, celui-ci nous conduisant sans difficulté dans son univers tourmenté, mais aujourd'hui apaisé, dans un récit imagé, baignant dans la chaleur ou la froideur provençale, et dans la mise en scène de Rémi Cotta, simple mais illustrative, empreinte d'une sobriété inventive.

Le texte de Miguel-Ange Sarmiento est marqué du sceau de la souffrance enfouie qui bouleverse tant par sa concentration de forces émotionnelles que par la trajectoire familiale, affective, ainsi décrite. C'est également nous faire connaître les voies menant à l'apprentissage d'une nouvelle vie et une déclaration l'amour à son frère, à ses parents et à la résilience que permet l'acceptation apaisée des souvenirs douloureux.

Texte : Miguel-Ange Sarmiento.
Mise en scène : Rémi Cotta.
Avec : Miguel-Ange Sarmiento.
M-A.S Productions.
Durée 55 minutes.

Du 7 au 28 avril 2024.
Dimanche à 14 h 30.
Théâtre de la Contrescarpe, Paris 5e, 01 42 01 81 88.
>> theatredelacontrescarpe.fr

Et s'il y "avait en nous quelque chose de cette jeune femme !", comme le dit la chanson. Certes, ce n'est pas de Tennessee Williams dont il est question ici, mais d'une jeune fille devenue femme, Claire, et il est probable que chacun et chacune d'entre nous pourra se reconnaître dans les aventures médico-administratives soulevées par ce "seule en scène" époustouflant. Si tant est que le long fleuve pas toujours tranquille de la vie nous y ait confronté nous aussi, un tant soit peu !

Au cours de ce seule en scène, quelques émotions particulières pointeront le bout de leur nez et pourront, selon notre sensibilité, être accompagnées sans doute de quelques larmes, mais le tout sera balayé bien vite par des rebondissements taillés au cordeau, millimétrés et remarquablement orchestrés par la mise en scène de Tatiana Gousseff. Sans parler du texte, interprété de façon exceptionnelle par la comédienne Marie-Claire Neveu. Il va sans dire que son jeu virtuose et virevoltant prédomine largement sur l'ensemble du spectacle. Comédienne à nos yeux bien trop méconnue. Elle qui en est pourtant à son deuxième "seule en scène" et qui a même obtenu le soutien de Pascal Légitimus pour la direction artistique du premier : "Nina, des tomates et des bombes".

Elle en a du talent cette jeune comédienne qui ne cesse de nous étonner, elle qui revendiquait déjà dans son spectacle précédent un théâtre engagé dans lequel elle rencontrait Fathawi, un migrant Érythréen, se liait d'amitié avec Pchela, une abeille russe en perdition, appelait le Président de la République, la "Science Infuse" et les Puissants pour nous ouvrir les yeux et nous faire réfléchir !

Selon nous, il n'y a pas de limites au geste théâtral. Toute source d'inspiration peut y être portée, car comme le disait Bertolt Brecht : "l'affaire du théâtre est de divertir et cette affaire lui confère toujours sa dignité particulière".

De la dignité, il y en a dans ce deuxième spectacle de Marie-Claire Neveu : celle de proposer au spectateur une immersion intime XXL dans son corps abîmé et d'en plaisanter avec brio. "Diagnostiquée à 14 ans d'une maladie du foie, mon rapport à mon corps a nécessairement été chamboulé tout comme celui de mon rapport à la mort, à l'alimentation, à la médecine, au monde, à la Terre" (sic).

Mais le travail d'orfèvrerie d'écriture et de scénographie mené de pair avec l'autrice et metteuse en scène Tatiana Gousseff n'a pas ramené le propos de la pièce à la seule "cause" autobiographique de la comédienne. Loin de là…

Car une simple autobiographie aurait été possible, mais Marie-Claire Neveu est une artiste et défend la cause créatrice avant tout. Il n'est qu'à considérer aussi son single "Tsunami" sorti en 2021, clip ô combien bouleversant sur la vie comme elle va, ce que l'on peut en faire et les choix qui vont de pair. Parce que bien souvent, il faut choisir !

Dans ce spectacle, "Claire-Marie-Claire" n'use ni de sensiblerie, ni de revendications personnelles larmoyantes exacerbées. Tout simplement parce que c'est le show qui prédomine. Et l'humour aussi ! Bien présent comme une forme de détachement nécessaire.

Ce show dont le spectateur se demandera à coup sûr quel a bien pu en être le premier pas !
Ça n'a pas dû être simple d'écrire un tel spectacle, mais connaissant l'énergie pluridisciplinaire de la comédienne, il est probable que les choses ont dû malgré tout se bâtir lentement, mais sûrement. La preuve est là : un spectacle mené de main de maître à plusieurs niveaux, altruiste, délicat, ouvert sur le monde et ses méandres de plus en plus compliqués. Un texte semblable à un nid de puces ou à des pop-corn en préparation qui nous tiennent éveillés et ne nous lâchent pas une seconde.

"Dans les maladies complexes et invisibles, les anticorps ne savent plus distinguer les cellules ennemies dans un organe". Ceci est un fait qui pourrait bien ne pas être source de création, mais là où le duo Marie-Claire Neveu/Tatiana Gousseff fonctionne à merveille, c'est dans le fait d'avoir justement dosé l'acte créateur et la part autobiographique pour dire, hurler qu'il est plus que temps d'agir et "que les êtres humains ne savent plus distinguer les comportements qui menacent leur survie".

À sa manière, Marie-Claire Neveu est une Greta Thunberg engagée au discours peut-être moins radical – quoique ! -, mais infiniment plus artistique. Cette comédienne mériterait d'être aussi connue et médiatisée que la jeune femme suédoise, elle qui a tronqué son nez de clown et son chapeau melon pour une tenue de femme athlétique : débardeur de fitness et chaussures de randonnée ou plutôt de chantier. Des chaussures que nous chaussons, nous aussi, avec elle, parce que, dans ce nouveau spectacle, la comédienne et sa metteure en scène nous entraînent loin, très loin, et qu'avec Claire, nous avons envie d'arpenter les nombreux chantiers de construction de notre monde qui chancelle.

Vite ! Il faut faire vite !
On tombe malade, mais sait-on pourquoi ? Et si tout cela émanait d'un dérèglement plus global et plus vaste de la planète Terre ?

Courez vite assister à ce spectacle pour vous en faire une idée. Vous en sortirez certainement, vous aussi, prêts et prêtes à vous positionner à votre manière sur les starting-blocks tant la fougue et le talent de Marie-Claire Neveu saura vous séduire.

Le Théâtre, ça sert à ça aussi ! Surtout lorsqu'il est déployé avec une telle énergie communicative, artistiquement fine et soignée, emportant le spectateur dans différentes sphères diverses et variées, mais l'invitant à chaque fois à une noble réflexion : celle de notre survie.

"On peut changer une fois le foie de mille personnes, mais on ne peut pas changer mille fois celui d'une seule".

Bravo, mesdames. "Bravo"
"Il est joli ce mot. J'aime bien".

Texte : Marie-Claire Neveu et Tatiana Gousseff.
Mise en scène : Tatiana Gousseff.
Avec : Marie-Claire Neveu.
Création lumière : Fred L'Indien.
Musique : Julien Pittet.
Chorégraphie : Laura Mazeaud
Voix Off : Renaud Castel, Thomas Espinera, Marie Gousseff, Tatiana Gousseff et Mélanie Peyre.
Production : Compagnie de l'Armoise.
À partir de 12 ans.
Durée : 1 h 15.

Du 5 au 28 novembre 2023.
Lundi à 19 h, mardi à 21 h 15 et dimanche à 17 h 30.
Théâtre de Belleville, Paris 11e,16, 01 48 06 72 34.
>> theatredebelleville.com

Le mardi 21 novembre : Bord de plateau "Malades (non) imaginaires. Ou comment notre santé est liée à notre planète".